Noticias de Cultura | El Colombiano

Nuevo video musical de John Lennon revela imágenes nunca vistas de su vida íntima con Yoko Ono

Mon, 20 Apr 2026 16:51:18 GMT

Hay imágenes de John Lennon y Yoko Ono que se conocen de memoria: la cama en Ámsterdam, la portada del álbum experimental Two Virgins, la sesión fotográfica de Annie Leibovitz horas antes del asesinato... pero lo que acaba de publicarse es distinto.

El nuevo video oficial de Love, un tema clásico de su primer álbum como solista John Lennon/Plastic Ono Band (1970), está construido íntegramente con metraje inédito de la pareja, filmado por ellos mismos en formato Super 8 durante el verano de 1969.

Las imágenes provienen de dos fuentes, según reveló Simon Hilton, vicepresidente del patrimonio de John Lennon y creador del video, en entrevista con el portal especializado It’s Nice That. “Había un par de rollos de película Super 8 de cuando se mudaron por primera vez a Tittenhurst Park en Ascot y de unas vacaciones en la isla griega de Spetses, ambos de finales de 1969”, explicó Hilton.

Lo que hace especial el material es su origen. Según cuenta, John filmaba a Yoko y Yoko filmaba a John. Sin producción, sin dirección externa. “Realmente relajados, felices e íntimos el uno con el otro. La sonrisa de Yoko es particularmente hermosa y sin reservas”, añadió.

El equipo exploró otras opciones antes de llegar a este material. Probaron representaciones gráficas de formas de onda musicales y otros recursos visuales, pero nada funcionó con la naturalidad que pedía la canción. Cuando pusieron el metraje sobre la música, dice Hilton, fue “el ajuste más perfecto”.

El video forma parte de Meditation Mixes, una colaboración entre el estate de Lennon y Lumenate, una aplicación de meditación que Hilton describe como “drogas digitales legales”, diseñada para explorar estados de conciencia más profundos a través de secuencias de luz parpadeante sobre los ojos cerrados.

La primera entrega de nueve mezclas fue bien recibida, y para el Record Store Day de este año el equipo trabajó junto a Sean Ono Lennon en una versión revisada de Love que incluye adiciones instrumentales originales y una nueva mezcla. “La esperanza es que la gente disfrute escuchando las mezclas y relajándose con ellas de la forma que mejor les convenga. No pretenden reemplazar los originales de ninguna manera, son obras derivadas, nietos, si se quiere”, explicó Hilton.

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La textura del Super 8 hace el resto. El grano pesado, los halos de luz de las emulsiones antiguas y la velocidad de obturación lenta recrean la sensación de un recuerdo que aparece en sus momentos más importantes a través de una sonrisa, el sol filtrándose entre el cabello, las olas del Mediterráneo golpeando el casco de un bote.

Para quienes conocen la obra de la pareja, el detalle no pasa desapercibido: los caracteres kanji del nombre Yōko significan “niña del océano”.

Alcolirykoz sale de gira: de Aranjuez para el mundo

Mon, 20 Apr 2026 15:50:19 GMT

Alcolirykoz empezó la agenda de conciertos de este año con una gira internacional que los llevará por 13 ciudades de 7 países de América Latina y Europa. Una de las giras más grandes de un grupo de rap independiente que se haya visto en el país.

La primera parada fue el pasado viernes en Santiago de Chile, la segunda fue ayer domingo en Buenos Aires, Argentina, y la siguiente será en la capital de México. Luego vendrán Australia (con presentaciones en Brisbane, Sidney y Melbourne), después España (con shows en Barcelona, Bilbao, Valencia, Alicante y Madrid), de ahí irán a París, Francia, y por último, a Quito, en Ecuador.

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–En esta gira quisimos ir a muchos lugares donde nunca hemos estado ni tocado, y no hay una falsa expectativa, pero sí hay muchas ganas de ir a hacer la tarea. Es muy chimba que un grupo de tantos años todavía tenga tanto por hacer, es muy motivador, vamos con una tonelada de rap y de experiencia –dice Gambeta.

Esta será la primera vez que el grupo de Aranjuez se presente en Chile, Argentina, Australia y Francia. Es decir, más de la mitad de los países de la gira son territorio por conquistar. Pero esa tarea de visitar lugares, de abrirle espacios al rap la empezaron hace años, justamente en Colombia. A lo largo de 2023 el grupo visitó Bogotá, Bucaramanga, Ibague, Tunja, Popayán, Villavicencio, Cali, Neiva, Barranquilla, Manizales y Cúcuta. Un esfuerzo por ir consolidado el mapa del rap a nivel nacional.

De alguna manera, para un grupo como Alcolirykoz, girar es volver al principio, a conciertos pequeños, a abrir camino como hace 20 años. Es pasar de conciertos enormes, como los que hacen en Medellín y Bogotá, ante miles de personas, a formatos más reducidos, pero sobre todo, a la incertidumbre, enfrentar lugares y públicos desconocidos.

–Es otra vez volver a encontrarse con ese fantasmita del pasado, es mentalizarse con esa dosis de humildad de decir, ‘puede que no llenemos, pero igual vamos a armar la fiesta’. Hay que llegar sin muchas expectativas, a ver que pasa. Lo que no puede faltar, haya la gente que haya, es un show que nosotros no quedemos en deuda, esa es la tarea –dice Gambeta.

Por fuera del país, los shows tienen un compromiso adicional, llevar el territorio, hacer del concierto un hogar, un momento de contención. Esa es una de las cosas que Alcolirykoz hace mejor, porque su música ha sido siempre un lugar de encuentro, una esquina, un parche, Aranjuez, que ya no es solo un barrio, sino un paisaje imaginario al que se llega a través de las canciones.

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–El rap de AZ, entre más ha crecido, más global se ha vuelto, sin ser una cosa intencional, pero si le hacemos una canción a la abuela, pues todo el mundo tiene abuela... Estamos hablando de la vida y lo estamos haciendo desde que empezamos. Lo que la gente llama evolución en la música, AZ lo ha tenido en las temáticas, porque la evolución musical para mí, más que innovar, es conservar. Uno se puede poner extrarrestre si quiere, y terminar haciendo música experimental o lo que sea, pero a nosotros nos gusta el rap que nos enamoró y lo único que hacemos es partir de ahí y mirar qué ingredientes de nosotros le podemos agregar. La evolución de AZ es en lo que decimos, en la vida, todo el tiempo estamos actualizando al que escucha de donde y en que estamos –dice Gambeta.

Peso Pluma, Becky G, J Balvin y Ryan Castro: así fue la segunda noche de Karol G en Coachella

Mon, 20 Apr 2026 13:01:12 GMT

Era claro que los tres artistas cabeza de cartel este año en Coachella: Sabrina Carpenter, Justin Bieber y Karol G atraerían mucho público. Las entradas se agotaron en los primeros cuatro días de venta el año pasado.

Y por eso los tres entregaron grandes momentos el último fin de semana del Festival Coachella. Sabrina Carpenter invitó a Madonna, Justin Bieber subió al escenario a Billie Eilish y Karol G trajo más invitados para cerrar con broche de oro una actuación que quedará en la historia del festival.

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El set de Karol G era el mismo –un escenario que simulaba cavernas de piedra– también salió de nuevo con un bikini dorado y acompañada por un nutrido grupo de bailarines. Pero llegó la primera sorpresa de la noche.

QLONA, una canción que no estuvo en el setlist de la semana pasada, sonó con la presencia de su otro artista: Peso Pluma, quien salió con la cara tapada con una pañoleta, gafas oscuras y gorra, pero a quien el público identificó de inmediato. “Muchísimas gracias, Karol, viva México, viva Colombia, viva toda la gente latina”, gritó Peso Pluma tras terminar la presentación.

Tras su presentación con Peso Pluma, Karol G saludó al público impresionada por la cantidad de gente: “Buenas noches, Coachella, veo gente desde esta esquina hasta allá. Gracias a todos los que vinieron a verme esta noche, vamos a bailar, a perrear, a llorar”, dijo antes de interpretar S91.

Llegó el momento de Tropicoqueta con un traje naranja, distinto al azul de la semana pasada, pero con el mismo penacho y bailarines a juego para emocionar al público. Siguieron los éxitos Papacito y de nuevo el ensamble femenino de mariachi que entró cantando Negrita de Mis Pesares y de nuevo Becky G para entonar juntas su himno empoderador Mamiii.

Karol G continuó su presentación con su traje plateado y el homenaje al reguetón para luego, en el escenario de agua, interpretar El barco, otra canción que no cantó la semana pasada.

Justo tras ese segmento, la semana pasada estuvo Wisin como representante del movimiento. Y esta vez Karol G invitó a un compatriota: J Balvin, quien cantó –enfundando en una chaqueta con la bandera de Colombia– Ay vamos, Ginza, La canción y luego otra sorpresa: subió Ryan Castro a cantar con él Ba Ba Bad Remix, Sanka y Tonto. Finalizaron con Mi Gente e In da Ghetto.

“Colombia en la casa, Medellín en la casa, los latinos en la casa”, dijo Ryan Castro al despedirse tras un abrazo con su amigo y mentor J Balvin.

El show continuó con otro gran invitado que repitió, el trompetista Arturo Sandoval quien hizo un solo en la canción Ivonny Bonita. Siguió TQG, Amargura (con otro traje representando la bandera de Colombia) a quien también le hizo la versión salsa –con orquesta incluida–. Luego un set muy colombiano cuando sonó: “Va subiendo la corriente. Con chinchorro y atarraya”, parte de la canción El pescador de Toto La Momposina.

Otra canción que no estuvo hace ocho días: Bichota, siguió en este set list: “Veo banderas de Perú, República Dominicana, Puerto Rico, Cuba, Argentina, Honduras, Salvador, Ecuador, Venezuela, Panamá, México. Familia, veo banderas de mi casa, de Colombia”, y cantó de nuevo Mi tierra, de Gloria Estéfan.

Karol G se despidió: “El escenario es mi lugar favorito del mundo (...) Gracias por ser el público más maravilloso” y entonó Si alguien te hubiera conocido y Provenza.

Un show que quedará para la historia, lleno de fuegos artificiales, baile y sensualidad. De reguetón, salsa, bachata, pop y hasta funk brasilero. El espectáculo de la primera latina en ser cabeza de Coachella en 27 años de historia. Al final, la bichota confirmó que sale de tour, tras cerca de 2 años sin girar por el mundo.

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Bloque de preguntas y respuestas:

Juankissradio.com: rock, memoria y sorpresa, la nueva cruzada de Juan Kiss

Mon, 20 Apr 2026 03:58:00 GMT

Por Luis Felipe Gutiérrez Hoyos
*Colaboración especial

Después de 27 años al aire en Caracol Radio –gran parte de ellos como una de las voces reconocidas de Radioacktiva en Medellín–, Juan Manuel Ángel Múnera, conocido por generaciones de oyentes como Juan Kiss, decidió bajarse de la radio tradicional. No fue un retiro forzado ni una despedida amarga: fue una salida negociada, en buenos términos, que le permitió cerrar un ciclo y abrir otro. Uno más íntimo, pero también más libre.

Desde agosto de 2025, ya lejos de las lógicas comerciales de la radio en antena, puso en marcha Juankissradio.com, una emisora digital construida a su medida. No se trata de un proyecto empresarial en sentido estricto, sino de la materialización de una idea que lo ha acompañado desde joven: hacer radio sin restricciones, con criterio propio y sin miedo a salirse del libreto.

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“Es una despedida de la radio tradicional, la que corre menos riesgos”, dice. Y explica por qué: En ese modelo, la programación no depende del gusto del locutor, sino de estudios de mercado que buscan retener al oyente promedio. “Las emisoras trabajan con un archivo de mil a mil quinientas canciones que repiten todo el día. Es lo que la gente reconoce, lo que no la hace cambiar de dial”.

Su emisora funciona distinto. No rompe del todo con ese repertorio –las canciones conocidas siguen ahí–, pero amplía el mapa. Hoy tiene más de 3.300 canciones en rotación y la meta es llegar a 4.000. “Te vas a encontrar Hotel California, de The Eagles, claro. Pero también Desperado, One of These Nights o Tequila Sunrise. Lo mismo con Led Zeppelin: suena Stairway to Heaven, pero también Achilles Last Stand o Babe I’m Gonna Leave You. La idea es abrir el espectro”.

Esa decisión no es solo estética: es casi una postura frente a la radio actual. “Cuando una canción no es reconocida, el oyente se va. Por eso las emisoras no arriesgan. Yo sí quiero que descubra, que diga: ‘esta banda no la conocía’”.

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Esa lógica también atraviesa su manera de programar. Lejos de los algoritmos o de las playlists previsibles, su emisora mantiene una estructura radial clásica –con tiempos, categorías y balance de estados de ánimo (moods)–, pero introduce un elemento que considera irremplazable: la sorpresa. “En una playlist usted ya sabe qué viene. En la radio no. Ese es el encanto: no saber qué canción sigue”.

La apuesta, sin embargo, no es solo musical. También es generacional. Durante años, Juan Kiss ha visto cómo el público del rock envejece. “En Medellín hubo un quiebre muy fuerte entre 2003 y 2004. El reguetón se llevó a los jóvenes. El rock perdió el relevo generacional”, afirma.

Desde entonces, su interés ha sido intentar recuperarlo. No desde la nostalgia, sino desde la transmisión. Como en la literatura –donde, decía Vargas Llosa, hay que volver a los clásicos para entender de dónde venimos–, Juan Kiss cree que en la música el camino también pasa por ahí, pero a través del rock. “Yo antes decía que había que dejar que los pelados eligieran su música. Ya no estoy de acuerdo. Hay que mostrarles el camino: tienen que escuchar a los clásicos. Si se quiere, mi propósito es evangelizador”.

Esa intención convive con otra más simple: el disfrute personal. “Estoy en uso de buen retiro, pero quería hacer la emisora que siempre soñé”. Una que le permita seguir conectado con la música, pero también con los oyentes. “Hay tres metas: gozármela, que la gente la disfrute y aprenda. Que no se quede con las mismas canciones de siempre”.

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Los resultados, al menos por ahora, le dan la razón. La emisora registra entre 35.000 y 40.000 oyentes mensuales, con picos que han superado los 50.000.

La mayoría está entre los 35 y 45 años, pero también hay presencia de públicos más jóvenes. Bogotá, Medellín y Cali concentran la audiencia en Colombia, mientras que en el exterior destacan Estados Unidos, España, México y Argentina.

Lejos de la idea de que el rock es un género del pasado, Juan Kiss insiste en lo contrario: “El rock and roll no va a morir. Mientras haya gente que escuche esas canciones, va a seguir vivo. Ese legado no nos lo quita nadie”.

En su emisora, esa permanencia es una repetición, sino exploración. No se trata solo de volver a lo conocido, sino de redescubrirlo. De encontrar, en medio de miles de canciones, aquellas que no suelen sonar pero que siguen ahí, esperando.

Al final, más que una emisora, lo que construyó fue una forma de volver a la radio. A esa en la que cada canción todavía puede ser una sorpresa.

Gracias Botero, la despedida del maestro en un cortometraje

Sun, 19 Apr 2026 22:17:49 GMT

El domingo 19 de abril, justo el día que el maestro Fernando Botero hubiera cumplido 94 años, se estrenó el cortometraje Gracias Botero, que da cuenta del impacto artístico y filantrópico del artista a través de los homenajes y las manifestaciones de cariño posteriores a su muerte.

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El corto, que no dura más de treinta minutos, fue grabado en Bogotá, Medellín y Piertrasanta, y se puede ver de manera gratuita en la página web www.graciasbotero.com.

La idea, antes que hacer un corto, era simplemente registrar las ceremonias y homenajes durante el sepelio. El material iba a ser solo para la familia, pero ante las muestras de cariño de la gente decidieron hacerlo público para acercar aún más a la audiencia no solo con la obra, sino con la intimidad del maestro y su familia.

“Los momentos que más me impactaron haciendo este cortometraje fueron los espontáneos. Primero, en Medellín, una multitud bulliciosa y emotiva comenzó a cantar su himno antioqueño frente a la catedral. Días después, en el cementerio de Toscana, un visitante colombiano le rindió un homenaje espontáneo a Botero; fue totalmente inesperado y ni siquiera sé quién era”, dijo Don Millar, director del cortometraje.

El corto empieza con los últimos instantes de vida del maestro, narrados por Lina Botero Zea, su hija, y Andrea Wild, hija de Lina. Ellas estuvieron con él hasta su último suspiro.

En las imágenes se ven también las primeras reacciones de los medios ante la noticia de la muerte de Botero, los homenajes, las misas, las palabras de familiares y amigos que tuvieron lugar durante las exequias en Medellín y Bogotá. Se dejan ver sus obras y sus acciones filantrópicas, y, sobre todo gente: en los museos, en las plazas, en el capitolio y en los aeropuertos. Por donde pasaba el féretro con los restos del maestro Fernando Botero hubo muestras de cariño y admiración. La gente aplaudía, coreaba su apellido.

Todo ese cariño no se debe solo a su talento, a su grandeza, sino a la cercanía de su obra con la gente del común. La gente que no sabe de arte, sabe de Botero.

–La gente fue muy bella y me hizo apreciar algo muy importante en mi opinión, y es que muchas grandes figuras son admiradas por el pueblo, pero no necesariamente queridas. En el caso de mi padre, era una persona muy admirada, pero la gente lo quería, realmente lo amaba, de corazón, con gratitud por todo lo que hizo por Colombia, por que llevó el nombre del país en alto y ante todo por sus actos de filantropía que fueron tan grandes –dice su hijo Juan Carlos Botero, en una llamada con EL COLOMBIANO.

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Gracias Botero es un retrato de esa relación singular que el artista tenía con la gente. A través de las imágenes y los relatos de sus hijos y nietos que van apareciendo en el corto, la gente que conoció a Botero como artista puede adentrarse un poco en su intimidad, pero también es un recordatorio para la familia, del amor y la gratitud que el país, y particularmente Antioquia, sienten por Fernando Botero. Un amor que corresponde al que manifestó siempre el maestro por ese paisaje de su infancia que fue Medellín.

El corto fue dirigido por el cineasta canadiense-irlandés Don Millar y producido por Cole Northey y New Theory Pictures.

Películas y cortos colombianos que podrán verse en Medellín en el Alternativa Film Festival 2026

Sun, 19 Apr 2026 21:49:00 GMT

30 producciones hacen parte de la competencia oficial del Alternativa Film Festival, el festival de cine que se realizará por primera vez en Medellín del 21 al 30 de abril.

Esta es la tercera edición del evento, que promueve y visibiliza películas, documentales y cortometrajes destacados por su impacto social.

Contexto: Medellín será la sede del Alternativa Film Festival 2026

“Creemos que nuestra Competencia ofrece una visión artística de un mundo donde abordar temas como el empoderamiento de las mujeres, el desplazamiento, la protección de las comunidades minoritarias y la preservación de la memoria se siente más urgente que nunca”, aseguró Natalia Pylaeva, directora de programación del festival, el cual es de entrada gratuita y una iniciativa fundada por la plataforma de movilidad inDrive.

Hay 15 películas y 15 cortometrajes en 21 idiomas y de 17 países de Latinoamérica y Asia, los cuales fueron elegidos entre 1.831 producciones que se presentaron en la convocatoria, que cerró en octubre de 2025.

Estas producciones serán evaluadas por el jurado del Alternativa, el cual estará presidido por la actriz colombiana Natalia Reyes.

El cinematógrafo bogotano Juan Sarmiento G., quien ha participado en las películas La voz de Hind Rajab y Un poeta; la directora mexicana Astrid Rondero; la cineasta malasia Amanda Nell Eu; y el director libanés Cyril Aris serán los encargados de elegir las cinco películas ganadoras en las categorías de este formato.

Mientras tanto, la productora colombiana Consuelo Castillo, el productor uruguayo Fernando Epstein y la crítica alemana Jessica Kiang escogerán los dos cortometrajes destacados.

Son dos las cintas de directores nacionales que se proyectarán durante los diez días del festival.

Una de ellas es Brigitte: Planeta B, el documental que retrata la vida de la investigadora y docente transgénero Brigitte Baptiste, una de las biólogas colombianas más reconocidas a nivel nacional e internacional.

Esta película es dirigida por el cineasta y guionista Santiago Posada y producida por Dynamo –la misma compañía detrás de la serie Cien años de soledad– y Pando Producciones, con el respaldo de Caracol Televisión.

La protagonista del documental es la misma Baptiste, quien revela detalles inéditos sobre sus facetas de científica, lideresa y también de su vida personal.

El estreno en salas de cine colombianas será el 23 de abril, mientras que en el festival, Brigitte: Planeta B se proyectará el 22 de abril a las 07:00 de la noche en el Museo de Arte Moderno (MAMM). Después habrá una conversación sobre el documental en la que participarán Posada y Baptiste.

La otra película que hace parte de la competencia es Piedras preciosas, la ópera prima del director paisa Simón Vélez.

La cinta llega a Medellín después de haber tenido su estreno en la Berlinale y de haberse proyectado en el Festival Internacional de Cine de Cartagena (FICCI).

“Machado es un inmigrante colombiano que ha vivido durante varios años en Francia, donde trabaja en la cosecha de uvas. Sus ingresos apenas le alcanzan para cubrir el alto costo de vida en Europa.

A través de un conocido, entra en contacto con Madame Chiara, una coleccionista de joyas que lo contrata para viajar a Colombia y robar una esmeralda. Aunque Machado insiste en que regresar al país es peligroso para él, Chiara lo convence con una suma de dinero imposible de rechazar.

Una vez en Colombia, debe enfrentarse a la vida frenética del centro de Medellín y a los paisajes naturales de las montañas. A medida que recorre la región, se ve envuelto en una serie de acontecimientos que lo llevan a cuestionar el destino final de la piedra preciosa”, dice la sinopsis.

Piedras preciosas se podrá ver de manera gratuita en el MAMM el 23 de abril a las 07:00 de la noche.

Seis de los 15 cortometrajes en competencia son colombianos.

Akababuru: expresión de asombro, la única producción 100 % colombiana que compitió en la Berlinale 2025, hará parte del festival.

El cortometraje de Irati Dojura Landa Yagarí fue el primer trabajo realizado por una directora indígena nominado al Festival Internacional de Cine de Berlín en sus más de 70 años de historia.

Fue grabado en Karmata Rúa, el resguardo Emberá Chamí ubicado entre los municipios de Andes y Jardín, y está basado en un mito de la cosmogonía de esta etnia.

Otro de los cortos será el animado Balada de peces y pájaros, de Anny Uribe y Juan José Arévalo, que cuenta la historia de Carlina, una niña que perdió a su padre en el conflicto armado colombiano, vive sola con su madre, Irene, y cuyo duelo se transforma con la aparición de un pez místico.

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También estará Corteza, de Simón Acosta, que sigue a Astrid, una guardabosques, en su lucha por proteger la fauna y flora de su territorio. Y se proyectará Gris, de Loren Escandón, sobre la historia de Sofía, una niña que en la escuela comienza a enfrentar la complejidad de la identidad y la raza.

Una vez en un cuerpo, de María Cristina Pérez, cuenta el camino de una mujer que busca reconciliarse con su hermana mientras lidia con un extraño ser que vive adentro suyo.

Por su parte, Pacífico, de Daniel Duque, teje una narrativa polifónica en torno al nacimiento que se da cuando miles de ballenas llegan desde la Antártida.

Los cortos, que están divididos en tres categorías, podrán verse en tres jornadas diferentes: el 26 de abril a las 2:00 de la tarde, el 27 de abril a las 5:00 de la tarde y el 29 de abril a las 2:00 de la tarde en el MAMM.

Silencios familiares, “Padre madre hermana hermano”, de Jim Jarmusch

Sun, 19 Apr 2026 21:53:42 GMT

¿Qué es lo que en verdad nos une a nuestra familia cercana? Pregunto porque el vínculo con nuestra mamá, nuestro papá o nuestros hermanos es tan obvio que lo damos por hecho toda la vida, casi sin cuestionarlo o sin reflexionar sobre él. ¿Pero en realidad conocemos bien a esas personas con las que celebramos nuestros primeros cumpleaños? De las resonancias de esa pregunta está hecha la última película de Jim Jarmusch, ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia del año pasado, en un fallo que tuvo más de reconocimiento a una carrera admirable y consistente, que de verdadera justicia cinéfila.

En estos tiempos en que todo es una secuela o una serie que estira el chicle a lo que da, ya es una decisión valiente hacer una película compuesta por tres historias breves, no conectadas entre sí. Valiente incluso para Jarmusch, acostumbrado a estas lides durante toda su carrera (basta recordar Café y cigarrillos o Una noche en la Tierra), pues una decisión narrativa de ese estilo restringe las posibilidades comerciales de Padre madre hermana hermano. Muchos espectadores, acostumbrados a la cartelera más convencional, se sentirán extrañados ante un tríptico que une las tres historias con pequeños detalles estéticos, como las coincidencias en los colores del vestuario de los familiares que se encuentran en cada segmento o con diálogos iguales que pronuncian personajes distintos, como el uso de una expresión anglosajona (“Bob es tu tío”) que se usa como nosotros en Latinoamérica usamos “Y listo”, para decir que algo sucedió así, sin muchas complicaciones.

Veremos a dos hermanos que no encuentran muy seguido, ser llamados por su padre a una casa a más de una hora en carro desde Nueva York, que les hace sentir por teléfono que depende de ellos cuando a él le conviene; a una famosa escritora inventarse una reunión para tomar té con sus dos hijas mujeres, que no parecen tener las vidas tranquilas que ella desearía; y a un par de hermanos mellizos que enfrentan como pueden la pérdida de sus papás, descubriendo en el proceso que las historias que les contaron cuando niños no necesariamente ocurrieron como ellos pensaban.

Con delicadeza, como si tocara con una orquesta de cámara algunas variaciones sobre un tema, Jarmusch explora la incertidumbre que rodea la conexión familiar. No necesitamos, ni queremos, ni estamos obligados a contarles a nuestros papás o a nuestros hermanos la realidad de nuestras vidas. No sólo porque lo que ocultamos nos avergüence; también lo hacemos para no lastimarlos. Por eso, por ejemplo, la madre escritora no se ofrece a prestarle a su hija mayor (Cate Blanchett en un personaje rarísimo frente a los que suele escoger, casi débil) el dinero que necesitaría para cambiar de carro.

Sin embargo, parece insinuar Jarmusch, nunca dejaremos de ser los hijos de alguien. Y aprender o no a balancear esa carga es lo que hará que nuestra vida sea la repetición de ciertos errores, o el paso por un camino más iluminado: una vida en que sólo pesen los propios errores.

Justin Bieber revivió junto con Billie Eilish un momento nostálgico en Coachella

Sun, 19 Apr 2026 19:56:46 GMT

La segunda presentación de Justin Bieber en Coachella 2026, el sábado 18 de abril, fue mucho más que un concierto: fue un viaje directo a sus inicios y una muestra de su vigencia en la industria.

En el desierto de California, el canadiense apostó nuevamente por la nostalgia con un repertorio que incluyó éxitos como Baby, One Time y Beauty and a Beat, pero también sorprendió con invitados de alto calibre y momentos cargados de euforia.

El show, uno de los más esperados de la jornada —que también tuvo a The Strokes como protagonistas—, reunió a miles de asistentes y confirmó el poder de convocatoria de Bieber.

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A diferencia de su primera presentación, en esta segunda noche sumó nuevos nombres al escenario: SZA, Big Sean, Sexyy Red y, especialmente, Billie Eilish, quien protagonizó uno de los instantes más comentados del festival.

El momento llegó con One Less Lonely Girl, una canción lanzada en 2009 que Bieber no interpretaba en vivo desde 2020.

Más allá de ser un éxito temprano, el tema tiene un significado especial en la historia del artista: durante años, fue el espacio del concierto en el que subía a una fan al escenario para dedicarle una serenata, un gesto que marcó a toda una generación de seguidores.

En Coachella, esa tradición cobró un nuevo sentido. En lugar de elegir a una fan del público, Justin Bieber terminó compartiendo el momento con Billie Eilish, quien ha contado que fue una “belieber” en su adolescencia.

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La escena, lejos de estar planeada, surgió de forma espontánea: Eilish estaba entre el público junto a Hailey Bieber, quien la empujó al escenario. Ya en tarima, visiblemente nerviosa, se sentó en la icónica silla mientras Bieber le cantaba al oído, en uno de los momentos más emotivos del show.

El gesto no solo conectó generaciones, sino que cerró un círculo. Ambos artistas ya habían coincidido en Coachella 2019 y colaboraron ese mismo año en el remix de bad guy.

Otro de los puntos altos del concierto fue la aparición de SZA en Snooze, una colaboración que ya habían interpretado juntos en 2025 y que volvió a encender al público. A esto se sumaron momentos como la interpretación de As Long As You Love Me junto a Big Sean y un cover de Cry Me a River de Justin Timberlake, que reforzaron la diversidad del show.

El regreso de One Less Lonely Girl también resonó con fuerza en América Latina. En países como Colombia, esa tradición dejó momentos inolvidables, como el concierto de 2013 en el estadio El Campín de Bogotá, donde una fan fue elegida para subir al escenario y vivir en carne propia la experiencia que millones soñaron durante años.

Más de una década después, Bieber retomó esta tradición en uno de los escenarios más importantes del mundo. Coachella 2026 no solo fue un repaso por su carrera, sino una reafirmación de su impacto cultural.

Morat brilló en Coachella 2026, así fue su show del 18 de abril en California

Sun, 19 Apr 2026 18:20:31 GMT

La banda colombiana Morat volvió a dejar huella en uno de los escenarios más importantes del mundo. Durante el segundo fin de semana de Coachella 2026, el grupo se presentó la noche del sábado 18 de abril en el escenario Gobi, donde reunió a cientos de asistentes que corearon sus canciones de principio a fin, confirmando su impacto global.

Integrada por Juan Pablo Villamil, Juan Pablo Isaza, Simón y Martín Vargas, la agrupación ofreció un show sólido y emotivo, en el que repasó algunos de sus mayores éxitos. Temas como “Me toca a mí”, “No se va” y su más reciente lanzamiento “Tu cárcel” marcaron el ritmo de la presentación y fueron recibidos con entusiasmo por el público, que convirtió el concierto en un coro colectivo.

La participación de Morat se dio en una de las jornadas más esperadas del festival, que también tuvo como protagonistas a artistas como Justin Bieber y The Strokes, encargados de encabezar el cartel del día. En ese contexto, la banda colombiana logró destacar con una propuesta que combinó energía, cercanía y una conexión evidente con la audiencia internacional.

El escenario Gobi, uno de los más concurridos del festival, fue el espacio donde Morat reafirmó su lugar dentro del pop/rock en español. Su puesta en escena, sin grandes artificios pero centrada en la música, permitió que las canciones fueran las protagonistas, generando momentos de alta emotividad, especialmente con “No se va”, uno de los temas más coreados de la noche.

El show también evidenció la consolidación de la banda en escenarios internacionales. Tras su debut en el primer fin de semana del festival, Morat regresó para esta segunda presentación con una audiencia aún más receptiva, en medio de un evento que reúne a miles de personas de distintas partes del mundo.

Coachella, que se realiza en Indio, California, es considerado uno de los festivales musicales más importantes a nivel global, y su cartel mezcla artistas consagrados con propuestas emergentes. En esta edición, la diversidad de géneros y la presencia de talentos latinos han sido protagonistas.

Con esta presentación, Morat no solo reafirma su crecimiento internacional, sino también el lugar del pop latino en escenarios de gran formato. Su paso por Coachella 2026 se suma a una serie de hitos que consolidan a la banda como una de las más relevantes de la música en español en la actualidad.

Identifican a las primeras víctimas del ataque en el rodaje de ‘Sin senos sí hay paraíso 4’

Sun, 19 Apr 2026 17:18:06 GMT

Un mensaje breve, cargado de duelo, comenzó a circular entre colegas del sector audiovisual: “Silencio en el set. En la memoria de los compañeros de SSHP que fallecieron hoy”.

La frase, difundida desde hace 13 horas, expresa solidaridad con el equipo de producción que fue víctima de un doble crimen mientras realizaba un rodaje en el centro de Bogotá.

Según estableció esta redacción, se trata de la cuarta temporada de Sin senos sí hay paraíso, producción de Tis Studios. Registros en video dan cuenta de que un hombre atacó de forma repentina a uno de los integrantes del equipo, provocándole una grave herida en el cuello, en un hecho que hoy es materia de investigación por parte de las autoridades.

Los hechos ocurrieron durante la tarde del pasado sábado 18 de abril, en las inmediaciones del Parque Nacional Oriental de Los Laches, ubicado en el céntrico barrio de Santa Fe. Mientras se desarrollaba la jornada de rodaje, la violencia irrumpió sin previo aviso.

De acuerdo con videos de seguridad que actualmente permanecen bajo estricta cadena de custodia por parte de las autoridades, lo sucedido comenzó cerca al parqueadero del Instituto Roosevelt.

Las imágenes muestran cómo uno de los conductores de la productora se encontraba tranquilamente fumando, sostenido de una reja del lugar, cuando un hombre pasó caminando a su lado. De manera inesperada, el sujeto se regresó y, sin mediar palabra alguna, lo hirió letalmente en el cuello utilizando un bisturí.

El dolor de la escena quedó registrado en un desgarrador audio donde se alcanza a escuchar un dramático “Por qué, por qué”, justo antes de que el trabajador de la productora se desplomara en el asfalto. La situación escaló rápidamente cuando uno de sus compañeros, en un acto de valentía y desesperación, corrió para intentar auxiliarlo, pero lamentablemente también fue atacado de forma mortal por el agresor.

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Se ha establecido que los trabajadores del equipo audiovisual que perdieron la vida cumpliendo con su labor son Henry Alberto Benavides Cárdenas, un hombre de 45 años, y Nicolás Francisco Perdomo Corrales, un joven de apenas 18 años.

El luto invadió rápidamente al gremio, llevando al sindicato de trabajadores audiovisuales (ANTA) a emitir un comunicado oficial en el que lamentaron profundamente lo sucedido y exigieron acompañamiento para las familias.

Desde hace 13 horas, una imagen con un texto de luto circula incesantemente en apoyo a la producción: “Silencio en el set. En la memoria de los compañeros de SSHP que fallecieron hoy”. Este sentimiento fue capitalizado por la reconocida actriz Carolina Gaitán, estrella de la novela y recordada por sus papeles en producciones como ‘Rojo carmesí’ y ‘Las hermanitas Calle’.

En un mensaje que arruga el corazón de sus seguidores, la actriz le dedicó unas últimas palabras: “Tuve que retratar tu sonrisa porque siempre alegrabas mi día. Honro tu vida y te voy a extrañar. Dios te tenga abrazado en este momento, mi Nico hermoso”.

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El brigadier general Giovanni Cristancho, en atención a los medios de comunicación, entregó los detalles preliminares de esta aparente riña que terminó en masacre.

Según el oficial, “Un hombre, sin mediar palabra, agrede con arma cortopunzante a un ciudadano. Posteriormente, varias personas que se encontraban en este lugar salen en defensa de la víctima, pero el victimario causa heridas a dos personas más”.

Cristancho confirmó el doloroso saldo final al detallar que, lamentablemente, de este hecho resultó herida una persona y tres más fallecieron, entre ellas el propio agresor.

En este momento, las autoridades trabajan a toda marcha para esclarecer los cabos sueltos que rodean el crimen. Por un lado, se está verificando minuciosamente la identidad del atacante para confirmar si se trata del mismo hombre que, paradójicamente, había protagonizado un incidente en la clínica el día anterior.

Por otro lado, los investigadores buscan establecer la veracidad de un rumor que circula en la zona, el cual sugiere que uno de los miembros de la producción habría accionado un arma de fuego durante los momentos de pánico para tratar de detener la masacre.

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Tragedia en Bogotá: riña durante rodaje de una serie deja tres muertos y cuatro capturados

Sun, 19 Apr 2026 14:44:51 GMT

El reloj marcaba las 3:30 de la tarde de este sábado 18 de abril cuando ocurrió un hecho de intolerancia y violencia que interrumpió abruptamente el rodaje de la serie de televisión Sin senos sí hay paraíso, en Bogotá.

Todo transcurría con normalidad en plena vía pública del sector de Los Laches, muy cerca a las inmediaciones del Instituto Roosevelt en la zona del Parque Nacional Oriental, localidad de Santa Fe, donde un equipo audiovisual adelantaba una grabación.

De un momento a otro, un hombre ajeno a la dinámica del set de televisión se acercó al grupo y, sin mediar palabra, desenfundó un arma cortopunzante tipo cuchillo para atacar de forma directa a un ciudadano.

Lo que inició como un ataque unilateral desató de inmediato una batalla campal. Al ver la agresión, varias de las personas que se encontraban en el lugar de la grabación no dudaron en salir en defensa de la víctima, enfrascándose en una violenta riña.

En medio del caos y los forcejeos para desarmarlo, el presunto agresor, que también resultó herido por las personas presentes, alcanzó a causarles lesiones de extrema gravedad a otras dos personas que intentaban controlar la situación.

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La magnitud de las heridas obligó a una respuesta médica inmediata. Tres de los implicados en la gresca, entre ellos el atacante inicial y otras dos víctimas del hecho, fueron trasladados de urgencia al Hospital La Samaritana; sin embargo, producto de las profundas lesiones que dejó la confrontación, los tres fallecieron poco tiempo después.

Además, se supo que una cuarta persona, también herida durante la violenta riña, tuvo que ser remitida al hospital San Ignacio, donde actualmente se desconoce por completo su estado de salud.

Un detalle que ha complicado las labores investigativas es que, en un principio, las víctimas mortales no tenían identificación, por lo que el proceso para reconocerlos ha tomado más tiempo del habitual.

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Frente a este complejo panorama, el comandante de la Policía Metropolitana de Bogotá, el brigadier general Giovanni (o Giovanny) Cristancho Zambrano, entregó un balance preliminar a los medios de comunicación para esclarecer la cronología de esta tragedia.

El alto oficial relató de manera precisa que el día de ayer, en horas de la tarde, en la localidad de Santa Fe y en plena vía pública, se presentó un hecho donde un hombre agrede sin mediar palabra a un ciudadano con un arma cortopunzante.

Explicó que, posteriormente, personas que estaban allí salieron en defensa de la víctima, pero el victimario hirió a dos más. “Lamentablemente, producto de esta riña, pierden la vida tres personas, entre ellas el agresor y dos víctimas”, sentenció el general.

Para dar un parte de control frente al caos desatado, Cristancho agregó que, en medio de la rápida intervención policial, fueron capturadas cuatro personas que ya se encuentran a disposición de la Fiscalía General de la Nación.

Actualmente, el caso quedó bajo el rigor de la Seccional de Investigación Criminal (SIJÍN) y la Fiscalía, entidades que, en coordinación con la Policía Nacional, desplegaron de manera inmediata un grupo investigativo especializado para determinar el tiempo, modo y lugar exactos de los lamentables hechos, establecer por qué el primer hombre atacó inicialmente y cómo ocurrieron exactamente las cosas dentro del set de grabación.

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El impacto de la noticia sacudió fuertemente a la esfera cultural, motivando pronunciamientos desde el alto gobierno. El Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes emitió una comunicación lamentando profundamente los hechos ocurridos durante el rodaje en Bogotá, reconociendo que dejaron víctimas mortales y afectaron de forma directa a trabajadores del sector audiovisual.

A través del texto, la cartera expresó su más sincera solidaridad con las familias, colegas y con toda la comunidad artística y técnica del país, cerrando su mensaje con una reflexión contundente: “La cultura se construye desde la vida, el cuidado y la paz”.

Por su parte, la empresa a cargo del rodaje le dijo a El Tiempo: “En este momento estamos atendiendo la situación. Nuestros abogados están encargados de cualquier comunicación a terceros. Muchas gracias”.

Ante la confusión y lo que muchos consideraron un manejo impreciso de la noticia, en las redes sociales de diversos artistas y organizaciones del ramo se manifestaron de forma contundente. Lo hicieron compartiendo una imagen en la cual hablan de un “silencio en el set”, también como una queja por la falta de información clara alrededor del caso violento registrado en el barrio Los Laches.

Según artistas y trabajadores cercanos al gremio, los muertos estaban directamente entre los integrantes del crew, es decir, del equipo técnico que es contratado para llevar a cabo una producción audiovisual y que está altamente especializado por departamentos clave como dirección, cámara, arte, sonido y producción.

La indignación colectiva encontró eco en las voces oficiales de los trabajadores. La Asociación Nacional de Trabajadores Audiovisuales (ANTA), que funciona como el sindicato gremial audiovisual en Colombia, tomó la vocería ante la crisis. A través de la red social Instagram, esta organización emitió un comunicado oficial relacionado con el ataque; y fue precisamente desde ese perfil de donde salió y se viralizó la manifestación de duelo con las sentidas palabras: “silencio en el set”.

“Desde ANTA expresamos nuestras condolencias a las familias de los compañeros involucrados en el trágico suceso del día de hoy durante un rodaje en Bogotá... Reafirmamos que la seguridad en los sets de filmación y la protección de los trabajadores debe ser la prioridad y rechazamos todo tipo de violencia”.

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Eduardo Luis revela en su libro cómo pasó de cargar cables a ser uno de los narradores más populares de Colombia

Sun, 19 Apr 2026 12:51:20 GMT

El día que narra un partido de fútbol es sagrado para Eduardo Luis López: nada de licor, nada de rumba, no toma ninguna bebida gaseosa, nada que burbujee; duerme muy bien, tampoco fuma.

Para el Mundial de fútbol que viene (en el que va a narrar varios partidos para el Canal RCN, Win Sports y La FM de RCN Radio) se está preparando como si fuera un futbolista en concentración: “Estoy enfocado, cuidándome, entro a concentración como un jugador”, dice.

Sabe que serán 45 días intensos: pasará de una ciudad a otra con pocas horas de sueño. “En la maleta cargaré de todo, un montón de antigripales, vitamina C, son muchos días intensos, de narrar un partido, arrancar a un aeropuerto, viajar, dormir 3 horas, narrar otro partido, un viaje más y así, al aire constantemente”.

Uno de los narradores de fútbol más escuchados en Colombia –querido por muchos, criticado por otros– conversó con EL COLOMBIANO porque acaba de lanzar un libro: Insistir, persistir y no desistir, una de sus frases de batalla. Asegura que no son unas memorias, son más bien –como dice el libro– “lecciones de barrio y fútbol para ganar en la vida”. Es la historia de un muchacho “soñador, persistente y loco” que puede servir de ejemplo para muchos.

*****

A Eduardo Luis lo conocí como Luis Eduardo, cuando ambos manejábamos las consolas de las emisoras musicales en RCN Radio a mediados de los 90. Siempre quiso ser narrador. Lo decía todo el tiempo. Su padre, el comentarista deportivo Carlos Freddy López no se lo permitió de primerazo, pero él trazó un plan. La meta era clara desde la infancia y para cumplir el sueño sabía que tenía que demostrar que podía hacerlo por encima del apellido López que en Medellín ya era un referente en el periodismo deportivo.

Las emisoras musicales fueron su primer peldaño. De ese paso no habla mucho en su libro –porque dice que necesitaría otro libro más–, pero confiesa que lo que allí aprendió aún lo conserva en su ética de trabajo.

“Yo estoy un poquito loco, en general y no me puedo quedar quieto. Siempre quise hacer un libro para contar esta historia, porque he sentido que puede ayudar a las personas. Cuando aparecieron de Aguilar y de Penguin Random House (las editoriales) y me invitaron a hacer el libro, yo les dije que no quería una biografía. Yo quería que el libro fuera un acto de motivación, de inspiración, de pasos para lograr algo y ahí salió esto de Insistir, persistir y no desistir. Y si lo ven son tips para aplicar eso, cómo hice yo para aplicar eso. Yo soy ese ser humano que cree que puede cambiar el mundo, intento vivir la vida así: fui scout, defensa civil, acólito, me metía en todo. Ojalá que la gente, cuando lo empiece a leer, se dé cuenta de que no está leyendo la historia de un man, sino que están viendo algo que les sirva.

Es un libro que intenta que la gente logre sus metas, porque yo logré una que en algún momento parecía imposible con todo lo que viví”.

“Tengo 47 años. Yo soy modelo 78 bien cuidado. A mí me tocó toda mi niñez en la época que fue, tal vez, la más difícil de nuestra ciudad. Yo crecí con toda esta guerra al lado y vi cómo muchos de mis amigos fallecieron, fueron asesinados. Casi todos fueron presos, mínimo. Gracias a Dios fui esa persona que logré escapar de esa realidad. Lo normal, para todo lo que pasó, es que yo ni siquiera estuviera acá (...) El ser humano no dimensiona lo de sobrevivir, porque realmente vivir es un milagro hermoso y para muchas personas es un milagro mucho más grande y más complejo que para otras. Y a veces no lo valoramos. También vale la pena recordarle a la gente que ya estar aquí es una gran oportunidad”.

“Así es. A mi papá ni siquiera le gustaba que yo me le apareciera en RCN Radio –que en ese momento quedaba en San Juan con la Alpujarra–, pero era mi pasión, él no entendía que era mi ídolo, que yo quería ser como él. Mi papá no vivía conmigo, pero yo sí quería vivir con él y la manera de hacerlo era ir a RCN. Me hice amigo de los porteros. Cuando mi papá pasaba por el pasillo me veía en Cristal Stéreo aprendiendo a manejar la consola, pero a mí todo eso hoy me llena de mucha alegría porque me ha servido mucho. Yo hice la escuela completica en el periodismo. Yo empecé cargando los cables en las transmisiones y me pagaban por horas.

Yo trabajé en el estadio pidiendo las boletas. Fui remotista, fui planta baja, fui periodista reportero. Sé de parte técnica y todo eso me ha ayudado un montón.

Y mi papá, al no ponérmela fácil, me hizo mejor. A veces me pregunto que si mi papá hubiese sido complaciente conmigo, ¿yo si sería esto?”.

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“Mi papá veía que yo quería los medios, pero yo era muy pasional y entonces él me decía: ‘si le gusta el periodismo deportivo aléjese de la pasión’, pero la pasión va en mi y por eso quería narrar. Yo no era tan razonado como él, mi papá era muy maduro, la persona a la que todo el mundo le pedía un consejo, era muy empático y yo soy todo lo contrario, pasión, intensidad. Yo le dije que quería ser su narrador”.

“Cuando empecé en Cristal Stéreo, que aprendí a manejar la consola por si algún día me necesitaban –y me necesitaron– empecé a hacer turnos de vacaciones, de noche, domingos. Me llamaba Luis Eduardo en ese momento, pero después fui descubriendo cositas de cómo lograr dar unos saltos. Es decir, por dónde iba, iba muy lento, entonces yo fui muy estratégico siempre y todas esas estrategias están en el libro, todo fue pensado. Yo siempre quise ser lo que soy hoy. Yo soy hoy el sueño de niño. Tal cual. Todo lo que quise tener, lo tengo”.

“Fue una estrategia. ¿Por qué llegué a una emisora musical? Sabía que me iba a servir, me salí un rato del deporte, todo lo pensé y además lo atraje. Yo creo mucho en las cosas que uno declara, en las cosas que pienso y siempre me ocurría que lo que yo pensaba se daba, hasta que un día alguien me dijo: ‘Tenga cuidado con lo que piensa’, pero todo eso está en el libro, es algo que a mí me funcionó bastante”.

“Primero, mucha felicidad, esa fue una parte muy feliz de mi vida, haber hecho radio musical fue muy lindo, los conciertos, conocer artistas. Trabajar en una emisora es muy difícil de abandonar, porque no pagan bien, no digo mentiras, pero aún así ese mundo es muy lindo.

Segundo, me llenó de ego, que todos necesitamos un poquitico del ego y en el libro hay un capítulo sobre el ego, muy importante. La gente habla despectivamente del ego, yo tengo una visión muy positiva de la gente egocéntrica y yo necesitaba ese ego.

Yo bromeó mucho diciendo ‘cuando yo era feo’, pero es que literalmente me miraba al espejo y hablaba conmigo mismo y me preguntaba por qué era así, y lloraba. Resulta que no era lo que veía, era lo que yo creía y ese paso por las emisoras musicales me generó confianza y era el mismo feito y me empecé a sentir con confianza, eso me sirvió un montón.

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Y lo tercero a lo que me ayudó la radio musical fue a la creatividad. Los locutores musicales son muy creativos, aquí tenemos locutores fantásticos y yo trabajé con lo mejores y seguramente me falten muchos, pero trabajé con el Gurú, un monstruo; con Jhon Jander García, con Williamson Serna, trabajé con los más tesos y competí contra tipos bravos: Elkin Muñoz, el hombre veloz; Horacio Pino Lloreda, Kike Gallego, esos manes tenían mucho lenguaje, eran muy creativos y eso me sirvió mucho para la narración y por eso yo empecé a trabajar mucho en mi creatividad gracias a las emisoras de música”.

“Uno debe tener la mente abierta constantemente. Cuando a mí me preguntan qué tipo de narrador soy, yo digo que soy un narrador 24 horas. Y de esta conversación puede salir algo para una narración, una frase, un tiro, te lo juro. Yo soy muy perceptivo y digo: ‘Esto va a gustar, de esto se está hablando por aquí me voy a meter’. Eso lo fui desarrollando y además porque descubrí algún día que no podía ser uno más, o sea que si lo estaba haciendo como lo demás, ya estaba grave, tenía que hacer algo bien distinto”.

“Siempre digo yo que a narrar se aprende, pero hay una realidad, todos los narradores nacemos imitando algún narrador. Cuando yo ya trabajaba en Rumba Stéreo necesitaban un locutor comercial para Antena 2 –los que dicen los comerciales en los partidos–, pero siempre yo quería narrar. Un día un narrador no pudo y yo les dije que yo narraba.

Yo comencé realmente en periodismo deportivo cuando estaba en el colegio y luego hice lo de Cristal Stéreo, pero cuando salgo del colegio seguí en periodismo deportivo en emisoras pequeñitas. Luego llegó Rumba en 1997 y ahí estuve en la radio musical hasta 2013 –también lo mezclé con deportes–, pero ya me voy solo como narrador ese año”.

“Mi gran ídolo, es el de todos los antioqueños y lo digo siempre con orgullo: yo soy narrador por el Paisita de oro, Múnera Eastman, ese es mi ídolo. Cuando yo era niño, mi papá trabajaba en la competencia y yo escuchaba al Paisita y a mi papá le daba una rabia. Y yo lo imitaba. Cuando mi papá me llevaba al estadio y la gente se dio cuenta de que imitaba al Paisita, me preguntaban cómo lo había narrado y yo lo imitaba afuera del estadio después de los partidos y tenía 8 años en ese momento.

Yo me aprendía las narraciones del Paisita de memoria, palabra por palabra y lo imitaba en mi casa. ¿Recuerdas que vendían los casetes del paisita con sus narraciones? Yo los tenía todos. Empecé narrando fútbol imitando al Paisita y también tenía otros ídolos como William Vinasco Ché, el que creo que es el mejor narrador de la historia de Colombia, hasta al Cantante lo imité en su momento”.

“Claro, en el 97, que es el año en el que fallece mi papá. Es algo muy especial, pero mira que yo lo construí primero. Imitando a alguien, pero después aprendí a narrar, porque uno tiene que aprender a narrar y ya después de narrar bien, empecé a crear un estilo, a hacer cosas distintas, a inventar otra frase.

Lo primero que dije fue que no iba a decir frases de otros narradores y por eso empecé a utilizar otro tipo de términos. Cuando me devuelvo en el tiempo y escucho mis primera narraciones en 2013 me escucho súper serio, sobrio, no parezco yo. Hoy estoy loco y cambié mucho. Tengo mucha más confianza, me siento mucho más seguro y soy un personaje”.

“Hay que hacer una diferencia: ese no es mi estilo, es el estilo del Bambino porque todo lo hace con canciones. Yo tengo algunas canciones, pero la mayoría de mis relatos no tienen canciones sino que recuerden que yo utilizo todo: novelas, chistes, tendencias, plataformas. Todo lo que esté pegado, yo lo uso, incluso canciones. Entonces la primera que saqué fue la de Dayro Moreno con Baila Morena (de Héctor & Tito) y me di cuenta que también algunas canciones podían ser parte de ese montón de cosas que Eduardo, Luis saca. Yo saco de todo, lo político sí me tocó dejar de usarlo porque estamos muy violentos y decidí que no las iba a usar para no dividir y perjudicar al canal”.

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“No les chicaneo –en ese momento saca su celular y muestra sus notas, un scroll lleno de frases– les muestro mi bloc de notas, se llama: tiros relatos y miren la cantidad de frases, algunas ya las utilicé, otras ahí están. Las anoto viendo una película, viendo lo que está en tendencia, como la frase de los Therian: ‘Cómo te vas a comer eso, me quiero volver Therian’, el estilo de Eduardo Luis es ese”.

“Claro, porque cuando improvisé me fue horrible. Con lo que yo no ensayo, corro muchos riesgos y he cometido errores que lamento terriblemente, porque yo me equivoco como un berraco, yo lo asumo. Una vez me puse a bobiar, porque se me vino un pensamiento y lo dije de una: ‘La izquierda de James es la izquierda que este país ama’ y esas cosas no las debo decir, me entiendes. Si yo lo hubiera escrito como lo tengo acá y lo ensayo, lo hubiese razonado. Por eso, a pesar de tener una posición política y la defiendo en mi vida privada. Pero la gente que sigue @eduardoluisfut en mis redes sociales o la gente a la que le gusta cómo narra Eduardo Luis le importa un pepino si soy de derecha o de izquierda, les gusta cómo narro y no es justo que yo incomode a la gente en algo que aman, que es el fútbol. Lo entendí, lo maduré y por eso prefiero escribir, ensayar, a veces me grabó y así lo saco”.

“Yo soy como ese jugador en la cancha que pide mucho la pelota y el que más pide el balón es el que más se equivoca. Yo estoy todo el día al aire, estoy expuesto a decir algo que no es, es algo que me va a pasar, me ha pasado y me seguirá pasando”.

“Como a todo el mundo. No existe nada unánime, ni una comida ni un pensamiento. Yo lo entiendo, pero también hay una realidad: es que yo todo el tiempo estoy al aire, tengo programa a las 11:00 a.m., a las 11:30 a.m., a la 1:00 p.m. luego a las 4:00 p.m., narro por la noche y fuera de eso, cuando terminó los partidos hago monólogos de cada partido. La probabilidad de que yo me equivoque es alta. Yo debo tener también la madurez y la responsabilidad de cuando me equivoco asumirlo y si tengo que disculparme, me tengo que disculpar. ¿Qué tiene eso de malo? Soy una persona más, que acierto y me equivoco como todos, pero aprendo a darle manejo al error. Ni me voy a parar de equivocar, ni van a parar de criticarme y entre más expuesto estoy pues más difícil va a ser, porque tengo un montón de gente que está feliz por todas las cosas buenas que me están pasando, pero también tengo unas personas que están muy mal por las cosas buenas que me están pasando y es parte de la vida”.

“Ha mejorado, realmente era mucho peor. Antes era una ‘guerra’ y lo digo entre comillas. Pero el uno le tiraba a otro y era de frente: ’Sigan escuchando a ese no sé qué’, ‘como dijo aquel que no tiene ni idea de lo que dice’, esa era a la batalla. Hoy en día hay mucho más colegaje que antes, pero todavía sigue siendo un medio muy complejo, de poca unión, es una realidad. A veces no nos unimos lo suficientes. Y como dijo algún dirigente alguna vez -que no recuerdo el nombre-: el medio de la comunicación es el menos comunicado del mundo. Y es cierto, entonces es un medio complejo, pero tenemos una responsabilidad de enseñarle a la gente a hacer un mejor periodismo, a creer que el colegaje es importante, que el respeto por el colega vale la pena, eso es muy sano y eso no significa estar de acuerdo con él. Pero aprovechar, porque un colega se equivocó y hacer leña de ese árbol caído, es muy poco ético”.

“La Selección Colombia me deja ser hincha y eso es lindo. RCN cree en mi para eso, gracias a Dios. Tenemos un gran equipo, porque por más bueno que uno sea, uno solo no puede. Tengo grandes amigos y talentos. Vamos a transmitir el mundial con Juan Felipe Cadavid, con Ricardo Henao, con el profesor Juan José Peláez. Los partidos de la Selección Colombia los vamos a narrar por el Canal RCN, esos y de otros países más. Y Win Sports va a transmitir algunos partidos del mundial que son distintos a los de RCN y no va tener los de Colombia. Y adicional vamos a estar con La FM de RCN Radio, en donde si se da la oportunidad, también haremos algunos partidos por radio. Y vamos a hacer todos los programas por ahí: Saque largo, La FM más fútbol, mis plataformas digitales, todo. El Mundial es para trabajar, son 45 días a fuego”.

A 100 años de La marquesa de Yolombó: un viaje al origen de la obra cumbre de Tomás Carrasquilla

Sun, 19 Apr 2026 21:08:19 GMT

Entre junio de 1926 y febrero de 1927, Tomás Carrasquilla publicó por partes La marquesa de Yolombó en el periódico Colombia, diario de la tarde. A la sazón, Carrasquilla tenía 70 años, era solterón, vivía en la casa de su hermana Isabel y había publicado Frutos de mi tierra, Simón el Mago, San Antoñito y otras obras que lo convirtieron en una celebridad literaria en Antioquia y Colombia.

De alguna manera, la historia de Bárbara Caballero lo había acompañado desde niño, cuando escuchaba los relatos de sus ancestros de labios de los ancianos de su familia, en la casa de Santo Domingo.

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Precisamente en esa casa, a pocos metros del parque principal, hay ahora un museo dedicado a la memoria del autor, que abre sus puertas de lunes a viernes desde las 9:30a.m. hasta las 5:00p.m. La tarde en la que lo visité, un grupo de mujeres bordaba en el patio, entre risas e historias de vecindario. Allí fui a ver el manuscrito original, donado a la entidad cultural por la Gobernación de Antioquia, que se los compró a herederos de Pepe Mejía, el familiar a quien Carrasquilla le dedicó la ficción.

Se trata de un cuaderno grande, con renglones azulados. En las primeras páginas, la letra de Carrasquilla es segura, hay pocas enmendaduras. A medida que transcurren la historia y las cuartillas, el número de anotaciones aumenta, al punto de tachar oraciones y párrafos.

Ese libro es la semilla de la edición crítico-genética que un grupo de profesores de la Universidad de Antioquia lleva varios años preparando, con la intención de entregarla al público en el centenario de la primera edición de la historia en el formato de libro (1928). Resumiendo mucho, las ediciones críticas acercan al lector a la obra original. Para hacerlo, eliminan las alteraciones que hay entre una edición y otra del libro y tienen notas que explican la mentalidad y el lenguaje de la época de escritura.

“Hay una distancia temporal significativa entre la novela y los lectores actuales. Hay palabras que han caído en desuso y que están presentes en sus obras. Hay formas de la oralidad que tomaron variaciones y hay otras formas que las nuevas generaciones que ya no reconocen. Sí creo que hay una barrera lingüística para leer la obra de Tomás Carrasquilla”, días antes me dijo Félix Gallego, profesor de la Universidad de Antioquia.

A veces conviene recordar que nuestro lenguaje no es el mismo de los abuelos ni será el mismo de los nietos por el simple hecho de que cada generación vive y construye un léxico particular.

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Volvamos al Museo de Santo Domingo. En una de sus paredes hay un aviso con la genealogía de Carrasquilla. Allí, el visitante se entera que el escritor fue descendiente de María de Luz Caballero, hermana de la marquesa. De esa forma, la ficción histórica se convierte en las memorias familiares de Carrasquilla. En una carta de 1937, Carrasquilla cuenta que su abuelo materno le encargó novelar “algo sobre Yolombó y su marquesa”.

La idea no fue fácil de llevar a la práctica, sobre todo por la falta de documentos. Al final, venciendo su “pereza ingénita”, Carrasqulla rebuscó “por aquí y por allá (...) libracos y viejos”.

Detengámonos un párrafo para pensar por qué un autor se documentó para escribir una ficción. En el público general existe la idea de que las novelas y los cuentos nacen casi en exclusiva de la imaginación de los autores. Esto no es del todo cierto. Para que las historias sean creíbles, deben parecerse a la realidad. No a la manera de un espejo, sino de una pintura. Si esto es así para nosotros, lo era más para la generación de Carrasquilla y las del siglo XIX y principios del XX. Tanto María, de Jorge Isaacs, y La vorágine, de Jose Eustasio Rivera, comienzan con “cartas” que crean la ilusión de veracidad.

En esa clave, Carrasquilla escribió la novela y sus coetáneos la leyeron. En la carta citada, Carrasquilla le dice a su interlocutor que está feliz de saber que no se ha enojado con él por la forma en que retrató a sus abuelos.

A renglón seguido habla de parientes que se molestaron porque no “sacó” a los abuelos “tomando té, hablando el francés y jugando el rosacruz”. Las tensiones de la novela con su entorno han cambiado con el paso de los almanaques. Hoy, La marquesa de Yolombó desmitifica ciertas ideas del pasado antioqueño, en particular aquella relacionadas con las razas.

“Hay que ser muy conscientes de nuestra realidad histórica, de nuestras circunstancias. Nuestra sociedad está construida sobre la diferencia. Carrasquilla muestra todos esos matices”, dijo el profesor Gallego.

En este caso en particular, se trata de la mixtura de tradiciones religiosas y culturales. El ejemplo más citado para explicar ese sincretismo es el diálogo que sostiene la marquesa con uno de sus esclavos respecto a los “ayudaos”.

Haciendo gala de una oratoria que haría enrojecer de la envidia a los políticos y a los sofistas, el esclavo le dice a Bárbara que los talismanes que invocan la ayuda del diablo en realidad hacen parte del plan de Dios para ajustarle las cuentas a este por “toítas las picardías qu’hizo en el cielo (...) hace mi Dios en una vía dos mandaos: castiga al diablo y le ayuda a los cristianos”.

Sigamos en el museo de Santo Domingo. En uno de los cuartos está la cama angosta de Carrasquilla. También pende su levantadora, que deja a la vista del visitante la altura y la corpulencia del autor. A un lado está un escapulario. Hay fotos de él con su hermana y sobrinos. Esta familia fue crucial para el autor. Aunque respetado por sus colegas, Carrasquilla no vivió de las ventas de sus libros. Estudiosos en su obra y biografía afirman que Claudino Arango, esposo de Isabel, ejerció una suerte de mecenazgo.

Más allá de estas especulaciones, lo cierto es que la relación más significativa de Carrasquilla fue con Isabel. Tal vez por eso, ahora, a la luz de los movimientos feministas, se le crítica al autor de La marquesa de Yolombó que fuera una sombra para su hermana.

En la vida de Carrasquilla, las mujeres tuvieron papeles protagónicos. De hecho, el profesor Gallego y Catherine Torres, la gestora de la colección del Museo Tomás Carrasquilla, contaron que Raúl Carrasquilla, papá de Tomás, desapareció pronto de la biografía del escritor. Eso explicaría la fuerza de los personajes femeninos en sus novelas. Verbigracia, Bárbara Caballero, que defiende con sentido común el derecho de las mujeres a leer y escribir. Y precisamente sería una mujer la que le diera un giro a la historia de la marquesa en los archivos parroquiales de Yolombó.

Más o menos en 2010, la investigadora Teresita Rivera Ceballos viajó a Yolombó, su pueblo natal, con el encargo de buscar en los archivos parroquiales una pista de Salomé Vieco. El párroco aceptó que revisara los sótanos de la iglesia siempre y cuando la acompañara Francisco Gómez Carmona, entonces un acólito y ahora secretario de gobierno de la administración municipal de ese pueblo del nordeste antioqueño.

Sentada en la sala del tercer piso del taller de Jorge Zapata (en el centro de Medellín), Teresita recordó el hallazgo de unos documentos forrados en piel de animal, que resultó ser el libro parroquial de defunciones entre 1779 a 1835.

Al abrirlo y tras pasar varias hojas, encontró las partidas de defunción de Pedro Caballero (padre de la marquesa), de Rosalía Alzate (madre) y de muchos de sus esclavos. Así, los personajes que ella conoció en la novela de Carrasquilla pasaron del terreno de la ficción al de la historia documental.

A partir de sus investigaciones, Teresita ha hecho un perfil de la familia de la marquesa. Se trató de un apellido con poder en el nordeste, propietario de minas y de esclavos. Eso se tradujo en que Pedro fue alcalde de Yolombó y mecenas de la parroquia.

Eso corrobora lo escrito por Carrasquilla, Sin embargo, ella también estableció que en lugar de un esposo (Fernando de Orellana, homónimo del conquistador español del siglo XVI), Bárbara tuvo dos maridos: Miguel Gutiérrez, también alcalde de Yolombó, y Joaquín Sánchez, a quien la marquesa le regaló una mina y esclavos por “ser buen esposo”.

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Estos datos le permiten intuir a Teresita que el final de la vida de la Bárbara Caballero de los documentos fue distinto al de la novela. Quizá no fue timada por Orellana ni se eclipsó de la forma en que le pasó al personaje de Carrasquilla.

A propósito del nexo entre Bárbara y Tomás, también se puede decir con certeza que no fueron personajes tan separados en el tiempo. Teresita encontró el registro de “el cabo de año” de Bárbara (la misa que se celebra en el primer aniversario del difunto). Muy probablemente ella murió en 1855, es decir apenas tres años antes del nacimiento del novelista.

A pesar de la revisión del archivo parroquial y de otros reservorios, de momento no se ha encontrado documento alguno sobre el marquesado de Bárbara Caballero. Al parecer, el título nobiliario no fue concedido por el monarca español sino por la tradición oral o por la imaginación de Carrasquilla.

Los documentos parroquiales de Yolombó son custodiados por el párroco municipal. Son estudiados por Carlos Andrés Vanegas, un muchacho que toca el órgano de la iglesia y hace talleres con estudiantes y curiosos para mostrarles esos trozos del pasado.

Quienes estudian La marquesa de Yolombó suelen decir que antes de Macondo existió Yolombó. El profesor Gallego afirma que es la novela cumbre de Carrasquilla. También, un parteaguas en su vida.

Luego de publicarla, casi perdió la vista, se confinó en su casa y en su mecedora. Casi como un salvavidas, la Academia Colombiana de la Lengua le concedió en 1936 el Premio Nacional de Literatura José María Vergara y Vergara.

En 1940, Carrasquilla murió por complicaciones relacionadas con la gangrena.

En 1978, la televisión colombiana produjo y emitió la telenovela inspirada en el libro. Dirigida por Fabio Carnero y adaptada por Julio Jiménez, la telenovela tuvo 110 capítulos. En su centenario, el Museo Tomás Carrasquilla prepara con el Metro de Medellín la intervención de unos vagones del sistema de transporte para que lleven la firma del autor.

A fin de cuentas, a pesar del tiempo y de lo dicho al final de la novela, Bárbara Caballero no es una sombra muerta. Tampoco, Tomás Carrasquilla.

Sabrina Carpenter sorprendió al invitar a Madonna al escenario en Coachella 2026

Sat, 18 Apr 2026 15:31:51 GMT

La segunda presentación de Sabrina Carpenter en el festival Coachella terminó convirtiéndose en uno de los momentos más comentados del evento tras la aparición sorpresa de Madonna en el escenario.

Lo que comenzó como un rumor entre fanáticos una semana antes se confirmó en vivo, cuando la joven artista invitó a la legendaria cantante durante su show en Indio, California.

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El festival, que repite cartel durante dos fines de semana consecutivos, suele ser el escenario perfecto para que los artistas ajusten y reinventen sus presentaciones. En este caso, Carpenter aprovechó la expectativa generada tras su primera actuación para elevar la apuesta.

En medio del concierto, se dirigió al público con una pregunta que encendió la emoción: “have you ever tried this one?”. Segundos después, comenzó a sonar pista de Vogue y Madonna apareció en escena con su icónica frase: “Strike the pose”.

La aparición desató la euforia entre los asistentes y marcó un momento simbólico para la artista, quien recordó que dos décadas atrás había presentado en ese mismo festival su álbum Confessions on a Dance Floor.

Vestida con piezas similares a las que usó entonces, explicó que se trataba de un ciclo que se cerraba de forma especial, justo después de anunciar que el próximo 3 de julio lanzará su nuevo trabajo, titulado Confessions On A Dance Floor: Part II.

Antes de interpretar el clásico, ambas artistas compartieron una canción inédita, lo que alimentó las especulaciones sobre una posible colaboración futura.

Sin embargo, uno de los momentos más llamativos de la noche llegó con el discurso de Madonna, quien mezcló referencias astrológicas con un mensaje sobre la comunicación y la convivencia.

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“Estamos en la nueva luna de Tauro”, dijo, haciendo referencia al signo zodiacal de Carpenter. Luego, invitó al público a mejorar la forma en que se relaciona: “Creemos que hablamos mucho a través del teléfono, pero no nos estamos realmente comunicando”.

Más adelante, lanzó un mensaje que fue interpretado como un llamado a la calma en medio de tensiones globales: “Vamos a intentar llevarnos bien. Hay que evitar la confrontación”.

El show continuó con un recorrido por algunos de los éxitos de Madonna, incluyendo fragmentos a capela de su etapa Confessions, y culminó con una interpretación conjunta de Like a Prayer, acompañadas por bailarines y un coro femenino que reforzó la presentación.

La aparición sorpresa no solo consolidó el concierto de Carpenter como uno de los más destacados de Coachella 2026, sino que también marcó el regreso de Madonna a uno de los escenarios más influyentes de la música global.

En paralelo, la artista lanzó recientemente el sencillo I Feel So Free en una emisora dirigida a la comunidad LGBTIQ+, aunque aún no hay detalles sobre su llegada a plataformas digitales.

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Bloque de preguntas y respuestas:

Comiendo por Colombia: delicias por el camino del café

Sat, 18 Apr 2026 00:43:37 GMT

Por Álvaro Molina
@molinacocinero

Nuestro recorrido continúa por el Eje Cafetero, una de nuestras regiones más emblemáticas, reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad.

Me llevaron por primera vez al viejo Caldas a conocer mi familia materna cuando tenía como cuatro años. Un paseo que se me quedó grabado en la memoria por los platos de mi tía Luz Villegas, los panderos de Cerritos, las paletas del parque de Pereira, los chorizos de Tarapacá, los patacones de Santágueda y los sancochos de Armenia. El turismo en la región no era tan famoso como hoy, pero la gente igual de hospitalaria; a la final, históricamente compartimos una profunda afinidad cultural y gastronómica con los tres departamentos: Caldas, Risaralda y Quindío. En los últimos años he vuelto muchas veces a dar clases, como consultor o invitado a cocinar a algún evento y cada vez salgo más descrestado y con envidia por la manera como conservan su patrimonio gastronómico.

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Lo mejor es ir en carro empezando por Manizales, hay buenas vías nuevas, varias 4G, eso sí, parando continuamente, porque la comida en la carretera y los pueblos es del otro mundo, con varios célebres como Aguadas el de los sombreros, Anserma, Chinchiná, Filadelfia, La Dorada y Riosucio. Dos ineludibles son Norcasia para pescar tucunarés en el embalse de Amaní y Salamina adonde debe reservar un par de días para empezar su viaje comiendo como un cardenal donde el Chef Oscar Pérez, uno de los mejores y más queridos cocineros del país que montó un hotel boutique espectacular con experiencias alrededor de la mesa y clases de cocina en las que comparte su gran sabiduría.

Manizales tiene una excelente oferta gastronómica de contrastes con varias propuestas modernas ricas como La Beautiful del chef Jorge Jiménez, Rosso y el Dauntaun y criollos como Las Montañeras por sus arepas y Los Arrieros a donde se va por la chunchurria y el maduro con queso. Alrededor del Parque de la famosa catedral, donde se casaron mis papás en mayo de 1.946 a las 4:00 de la mañana, que frío, hay varios sitios ricos y baratos con comida casera bien hecha. Vale la pena sacar una tarde para irse a Santágueda, uno de los paseos favoritos de los manizaleños, hasta La Popocha famosa por sus caldos de bagre.

Risaralda no se queda atrás con varios pueblos célebres como Santa Rosa de Cabal la de los chorizos más reconocidos del país, Apía con su gallina enterrada en horno de tierra, Marsella por los sancochos, La Virginia a comer viudo de pescao y Quinchía por las nalgas de ángel, unos tamales que ameritan el viaje.

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Vale la pena darse un gusto en varios restaurantes modernos como Octavo giratorio, La Azotea, Miya y Hacienda La Colina por su ambiente y café delicioso. Pero no se puede ir de Pereira sin conocer Latino, del chef Miguel Ángel Trujillo, con su cocina fusión exquisita.

El remate sublime del tour sibarita es Armenia: “Como un Medellín chiquito”, una frase recurrente de los turistas para describir una ciudad bonita, con un clima perfecto, gente querida, buena infraestructura hotelera y una gran tentación para la barriga.

Quindío a pesar de ser uno de los departamentos más chiquitos y nuevos del país, creado en 1.966, es considerado como el gestor del boom del eje cafetero. Un territorio con naturaleza exuberante inigualable, históricamente reconocido como uno de los máximos representantes de la colonización antioqueña. Una tierra fértil donde se cultivan las mejores yucas y plátanos del país. Vale la pena recorrer el departamento para descubrir su cultura, paisajes, artesanías, atractivos turísticos, parques, programas, aventuras y sus pueblos coloridos donde se come muy bien: Buenavista, Circasia, Calarcá, Filandia, Génova, Salento, La Tebaida, Montenegro y Quimbaya, entre otros. Un hotel en el campo, que le permite moverse fácil por todos lados es Mokawa con una arquitectura espectacular muy interesante que exalta la tradición cafetera.

Siempre cuadro el itinerario del viaje para ir a El Roble, para mi gusto, uno de los mejores restaurantes típicos del país, entre Pereira y Armenia, donde la bienvenida es gloriosa con arepas de bola inmensas y la carta un abanico de delicias paisas: sancocho, mondongo, frisoles, morcilla, chicharrones, tamales y sudaos. Deliro con los chorizos cocidos, una costumbre de la región, que algún día tuvimos y se perdió con los años como tantas cosas.

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Este es apenas el abrebocas de una tierra sorprendente por sus sabores, porque si algo tiene el Quindío son muchos sitios para deleitar el paladar como el Restaurante Helena Adentro en Filandia, un ícono de la buena mesa con su propuesta colombiana contemporánea. En Salento tiene que llegar hasta Juan B., famoso por sus truchas, donde he ido invitado a cocinar, en medio del parque de Cocora con sus palmas de cera y majestuosos cóndores; debe probar sus patacones de un sólo plátano pisados a la antigua con piedra, inmensos, delgaditos y crocantes.

En su visita a este paraíso turístico, por supuesto no pueden faltar el Parque del Café en Montenegro y Panaca en Quimbaya, dos parques increíbles con atracciones para toda la familia y una oferta magnífica de comida y café. Muy cerca va a encontrar fincas cafeteras hermosas para hospedarse y pasar unos días inolvidables.

Investigando para hacer esta nota, a pesar de haber hecho varias veces el recorrido, me encuentro con reseñas sobre la cocina del Eje Cafetero que coinciden en destacar “una gastronomía rica en tradición paisa y campesina, con platos abundantes y exquisitos como la bandeja paisa, el calentao y los frisoles, símbolos de la identidad y la experiencia cultural del café”. Somos de los mismos, por eso no es de extrañar que como región gastronómica nos llamemos “Antioquia y Viejo Caldas”, a mucho honor.

Las recetas de hoy son una trucha muy fácil al estilo de Salento, un encurtido de ají del otro mundo para acompañar fritos y los chorizos cocidos:

Trucha apanada a la parmesana: si usted analiza una trucha arreglada, se puede dar cuenta de que el borde de la carne tiene un cordón blanco de grasa de más o menos medio cm de ancho; retírelo con unas tijeras, porque ahí se concentra todo el sabor a bacalao. Úntela con sal y pimienta por la carne y enharine bien por todos lados. Pásela por un huevo mal batido al que le debe agregar un ajo triturado y un tris de sal y cúbrala completamente con una mezcla de apanador y parmesano rallado. Fría en poco aceite a fuego entre medio y alto hasta que dore por todas partes. Para la salsa ponga bastante mantequilla en una cacerola en bajo, agregue limón, sal y alguna hierba picada como cilantro, yerbabuena o perejil liso. Bañe la trucha con bastante salsa y acompañe con patacones de guineo.

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Encurtido para fritos: Si puede conseguir naranja agria queda mejor, pero en su remplazo puede combinar naranja y limón; necesita media taza de jugo. Agrega la misma cantidad de vinagre blanco y una cucharada de panela rallada por cada taza de la mezcla. Adiciona sal, un par de cucharadas de tomate verde, tres de cebolla de rama, una de ají dulce o pimentón, una de cebolla roja y bastante cilantro, todo picado diminuto.

Chorizos cocidos en salsa criolla: piérdale el miedo al fogón y arriésguese para entender la riqueza de nuestra cocina ancestral paisa. Consiga unos chorizos antioqueños artesanales bien deliciosos. Ponga cebolla en trozos de la que quiera y tomate en cascos grandes en una olla a fuego medio con un poquito de mantequilla y un par de cucharadas de aceite. Cocine un rato revolviendo de vez en cuando hasta guisar cuando el tomate se empieza a deshacer. Agregue los chorizos enteros con un par de tazas de fondo o consomé; o puede usar agua y un cubito si no le pone tantas condiciones a la vida. Apenas hierva baje el calor y cocine en bajo por una media hora. Puede cuñar con yuca y papa si quiere; espera hasta que se cocinen, despacio. Bañe con mucho cilantro picado y sirva con un bongao de arroz y buenas arepas. Que rico unas tajadas de maduro para desafiar a la dietista.

Viajar por Colombia es sorprendente. No se imagina lo que representa para el bienestar del campo. Nada mueve más la economía que el turismo y les hace a sus hijos el mejor regalo para su vida.

@molinacocinero
molinacocina@gmail.com

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Netflix le apuesta al futuro del cine colombiano con cuatro programas para la formación creativa

Sat, 18 Apr 2026 01:24:41 GMT

En medio del desarrollo de la edición 65 del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (Ficci), la plataforma de streaming Netflix presentó cuatro iniciativas de formación creativa. Se trata de programas diseñados para fortalecer la industria local, de la mano de aliados e instituciones locales.

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Todo se dio dentro de las actividades de la ‘Noche de Industria’ del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, donde Netflix anunció cuatro nuevas iniciativas de formación y desarrollo de capacidades, junto al Ficci, la Academia Colombiana de Cine, Asocine y el Bogotá Audiovisual Market.

Estas iniciativas están pensadas para que el talento local tenga la libertad de crear, contando con el respaldo técnico y el conocimiento especializado necesario para cerrar brechas de habilidades y profesionalizar cada vez más la industria audiovisual.

La jornada se centró en cómo las grandes producciones se han convertido en catalizadores de innovación, dejando una capacidad instalada y un alto estándar de calidad que posicionan al país como un referente para el mercado global. Colombia se ha consolidado como un país de grandes historias y de talentos con una voz cada vez más visible en el mundo.

En ese camino, Netflix viene acompañando a la industria no solo llevando estas historias a un escenario global, sino contribuyendo a que más personas puedan desarrollarlas, producirlas y hacerlas crecer.

“Para nosotros, contar historias en Colombia es solo el principio. Queremos que la experiencia de producir a gran escala, como lo hemos hecho con ‘Cien años de soledad’, deje una huella positiva en la industria creativa. Hoy, el objetivo es seguir impulsando este crecimiento para que el ecosistema local sea cada vez más robusto, competitivo y sostenible”, afirmó Francisco Ramos, vicepresidente de contenidos para Latinoamérica en Netflix.

Esa apuesta se traduce en iniciativas como Ópera Prima Lab Film & Series, desarrollado en alianza con el Ficci, siendo un espacio enfocado en nuevas voces que están desarrollando su primer largometraje o serie. A través de mentorías y acompañamiento, el programa impulsa el paso de la idea a un proyecto con potencial de circulación en la industria.

“Este año, de la mano de Netflix, estamos impulsando nuevos procesos a través de un proyecto que ofrece mentorías especializadas en narrativa, herramientas clave para la producción y acceso a la agenda del Ficci, con el objetivo de seguir fortaleciendo las capacidades para contar nuestras propias historias”, aseguró Mónica Moya, directora de Industria del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias.

Además, Lab Macondo 3, que, tras el éxito de sus ediciones anteriores, enfocadas en adaptación de guion literario y en diseño de producción, este programa desarrollado junto a la Academia Colombiana de Cine llega a su tercera versión.

En esta entrega, el laboratorio evoluciona para poner el foco en la producción ejecutiva, fortaleciendo este rol estratégico entre la visión creativa y la sostenibilidad de los proyectos. Esta edición destaca, además, por una participación mayoritaria de talento proveniente de las diversas regiones del país.

“En este momento, Colombia se está consolidando como un ecosistema absolutamente creativo y estratégico que muestra que las cosas se están haciendo bien. En comunión con el Lab Macondo, un espacio que se genera para poder alimentar y elevar a todas las nuevas generaciones en las distintas especialidades que tenemos en la industria cinematográfica, estamos impulsando a los talentos para que tengan la posibilidad de crear y contar sus propias historias que viajan y conectan con el mundo”, señaló Cristina Umaña, actriz y presidenta de la Academia Colombiana de Cine.

Programa de formación de proveedores del sector audiovisual, en alianza con Asocine, pone el foco en las empresas y servicios que hacen posible cada producción, fortaleciendo capacidades en áreas clave y contribuyendo a elevar los estándares de la industria a nivel local.

"Esta iniciativa de formación fortalece las capacidades de las empresas que desarrollamos y producimos contenidos, y contribuye a consolidar el futuro del sector audiovisual. Cada eslabón de la cadena es clave para que los contenidos trasciendan fronteras; por eso, el programa impulsa el desarrollo de oficios, servicios y capacidades logísticas que nos permiten llegar más lejos con nuestras producciones", afirmó Diego Ramírez, presidente de Asocine.

Desarrollado con Proimágenes Colombia, en el marco del Mercado Audiovisual de Bogotá, Bammers acompaña a una nueva generación de productores de América Latina, brindándoles herramientas y conexiones para desarrollar proyectos con proyección internacional.

"Las oportunidades son las que marcan la diferencia, y estos programas de formación abren precisamente ese camino. Iniciativas como Bammers permiten acceder a expertos internacionales, compartir experiencias y conectar con productores que hoy son activos en la industria. Es una oportunidad única, que muchas veces no se encuentra en las universidades, sino en la vida, y este es el primer paso", mencionó Claudia Triana, directora general de Proimágenes.

Esta apuesta da continuidad a un camino que ya se ha reflejado en proyectos como 'Cien años de soledad', una producción que, además de llevar a la pantalla una de las obras más emblemáticas de la literatura latinoamericana, se convierte en un punto de encuentro para el talento, los oficios y la memoria cultural del país.

Su desarrollo marcó un hito para la industria, no solo por su relevancia cultural, sino también por su impacto económico: aportó más de $225 mil millones a la economía nacional y dio lugar a la construcción de un Macondo de más de 540 mil metros cuadrados, movilizando a cientos de talentos y capacidades locales. Así, el proyecto evidencia cómo una historia puede trascender la pantalla y dejar capacidades instaladas que hoy continúan elevando el estándar de la industria.

"Estos programas cobran un significado especial al realizarse en el año que marca los 15 años de Netflix en Latinoamérica. Es un hito para nosotros porque nunca antes se habían anunciado Múltiples iniciativas de formación de manera simultánea, lo que refuerza nuestra convicción de que el futuro del entretenimiento se construye de la mano del talento local y el fortalecimiento de la industria que nos ha acogido desde 2011", concluyó Ramos.

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El Niño de Elche llega con su arte fronterizo a Medellín

Sat, 18 Apr 2026 01:13:38 GMT

El Niño de Elche –Francisco Contreras Molina– es un caso singular en la industria musical actual. Su trabajo artístico se nutre de las tradiciones del flamenco, pero también abreva en otros sonidos y estéticas, entre ellos los del rap, la electrónica y el jazz. Claro, se dirá que las fusiones musicales están al orden del día de las plataformas y las disqueras. Sin embargo, El Niño del Elche no es solo músico: sus exploraciones incluyen la escritura de poesía, el performance y el audiovisual. Mucho de ese pensamiento fronterizo –palabra del propio artista– se verá en el concierto de hoy sábado 18 de abril, a las ocho de la noche, en el Patio Teatro del Claustro Comfama. Allí, estará con un formato de flamenco –canto, percusión y guitarra–, con dosis de teatro y performance.

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“Entiendo ese espíritu de interdisciplinar, como una postura de estar en los ‘entres’, en los espacios agrietados, en las fronteras. Las fronteras no son líneas, son zonas que están entre territorios estandarizados, canonizados. Ese espíritu me viene del flamenco. El mundo del flamenco tiene que ver con esa disonancia constante con las posturas más estándares. En el flamenco encontramos personajes que están en esa situación mucho más que en el rock, que en el jazz, que la música clásica. Otra cosa es que actualmente el mundo del flamenco se ha estandarizado por otra cuestión de intereses”.

“Manuel Torre es un cantaor que siempre me interesó. Primero porque hay muchísima leyenda a su alrededor. Y esto siempre me interesa.

No tanto para desmitificar, que también es un ejercicio que muchas veces me gusta, sino para sumergirme en la mitificación, en la ficción, en la mentira, las fábulas. Todas las músicas populares se construyen así y a partir de ahí generan otro tipo de representaciones, de experiencias.

En este caso, Manuel Torre reunía por un lado pues todo el imaginario del cantaor anárquico. Cantaba cuando le venía la inspiración. Lorca se inspiró en él para crear la idea del duende. Decidí que era un buen personaje, sobre todo en relación a mi figura. En el imaginario de flamenco se supone que este es un cantaor totalmente contrario a las posiciones o fundamentos tanto filosóficos como estéticos que yo represento”.

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El arte es una lucha y una búsqueda de la identidad. Por ejemplo, El Niño de Elche ha pensado en liberarse de la “marca” de ser el Niño de Elche para volver a ser Francisco –Paco, para sus amigos– o cualquier otra cosa.

“Se vive con una sensación de liberación. No sé cuándo se dará, pero no he sido capaz de comunicarlo, como otro tipo de decisiones que uno comunica, como la homosexualidad, el transgénero o en una familia de izquierda, decir que se es de derechas o al revés. Todas estas salidas del armario son muy liberadoras.

Los nombres cambian, se modifican dependiendo de las necesidades. Lógicamente, esto se vive con abismo porque al fin y al cabo un nombre artístico es una marca, es algo que va relacionado no solamente con una cuestión de identidad personal, sino también una identidad comercial. Soy un artista que no ha tenido reparo en ese tipo de cambios”.

Feid impulsa a su prima Mariana para que abra los conciertos del Falxo Tour

Fri, 17 Apr 2026 21:55:16 GMT

Para Feid, la música era el plan b. Aunque era lo que más quería, escogió el camino que parecía más lógico, hacer una carrera, estudiar y en el tiempo libre, seguir haciendo música.

Pero rápidamente se dio cuenta de que hacer las dos cosas a la vez era demasiado tedioso: tenía que escoger. Decidió dejar de estudiar y, contrario a lo que creía, los primeros en apoyarlo fueron sus padres.

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“Mis papás fueron mis primeros fanáticos y me apoyaron desde el inicio. Convirtieron ‘mi plan b’ en mi ‘plan a’. Me acuerdo muy bien del día que hablé con ellos y les expresé que tenía que tomar una decisión porque me sentía muy agobiado estudiando y cantando y ellos me dijeron que cantara, fue muy lindo y muy especial de parte de ellos como me han apoyado desde siempre”, cuenta Feid en el corto documental El Green Print la saga: Feid Vs Fercho, (DISC 1), que publicó hace poco más de una semana.

Hoy, con una carrera consolidada en la industria musical, Feid está haciendo lo mismo con Mariana, su prima, por eso la invitó a hacer el acto de apertura de los shows del Falxo Tour con el que recorrerán 14 ciudades de Estados Unidos.

—El último día del ensayo para el tour me dijo “que te parece si tu cantas algunas de tus canciones al inicio del show, haces como un opening act, lo que te imagines”, te lo juró que yo quedé en shock. Me emocione tanto que al principio como que no entendía bien lo que me estaba diciendo —cuenta Mariana, desde el aeropuerto de Miami, en comunicación con EL COLOMBIANO.

No es la primera vez que lo hace. Feid ha seguido el proceso de Mariana de cerca y le ha ido abriendo puertas poco a poco. En 2024, Mariana se unió como corista al equipo de Feid y giraron juntos por varios países. Después lo acompañó en un campamento en Ibiza, para conocer de cerca su proceso creativo y la manera como se construye un disco, y ahora esta de nuevo de gira con él, pero ahora no sólo como corista sino como acto de apertura del show.

En el primer concierto del tour, que tuvo lugar en el Teatro al Aire Libre Carlos Vieco, a finales de marzo Feid y Mariana cantaron juntos Latte, un sencillo de ella lanzado el año pasado.

Para la gira por Estados Unidos, Mariana preparó, en apenas dos semanas, un pequeño show donde quiere mostrar una faceta nueva y música inédita, que estará publicando a lo largo de este año, una propuesta diferente a Maguga, el EP, que lanzó a principios de este año.

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—Con este show quise hacer una propuesta diferente, quiero dejar mucho de mi esencia, no solamente lo acústico de Maguga, sino todo lo que va a salir mitad de año, que son canciones mucho más pop, más movidas. Esta es una oportunidad para que me conozcan, pero también para conocerme a mi misma en el escenario y mostrar algo diferente —dice Mariana.

Esta experiencia del Falxo Tour abre un nuevo capítulo para Mariana y su carrera artística. Es una especie de viaje en el tiempo, ella está mostrando canciones que no han salido, ante un público que algún día estará ahí por verla a ella.

Lo seguro, por ahora, es el lanzamiento de un nuevo sencillo, Bye, que verá la luz en los próximos días y un EP en el que sigue trabajando durante la gira.

La India en Bogotá: el país de los mil colores aterriza en la Filbo 2026 con cine, danza y ciencia

Fri, 17 Apr 2026 22:01:22 GMT

Desde finales del año pasado, la organización de la Feria Internacional del Libro de Bogotá (Filbo) anunció que este año el país invitado de honor sería India, pero faltando algunos días para la apertura de este evento, dieron a conocer cómo será su participación.

El próximo martes 21 de abril se abrirán las puertas de este evento ferial, uno de los más importantes para la industria editorial en América Latina, que en esta oportunidad tendrá por primera vez a India como invitado de honor, y como es tradición contará con un pabellón especial dentro del recinto de Corferias.

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Allí, a lo largo de 13 días, se desarrollarán distintas actividades, en especial una serie de conversaciones con invitados especiales, como el periodista Anant Vijay, quien tendrá la conversación el 22 de abril; La India en movimiento: civilización, conocimiento y caminos hacia el futuro.

También el experto en políticas públicas Ramanand Pandey estará presente en la Filbo, mientras que los asistentes podrán disfrutar de la proyección del documental sobre Nabakanta Burua, distinguido literato de Assam.

Yuvraj Malik, director del Fondo Nacional del Libro de la India, así como el piloto y astronauta Shubhanshu Shukla, el editor y poeta Kumar Vikram, el escritor y traductor Jitendra Kumar Soni, también hacen parte de la delegación del país invitado de honor.

Uno de los imperdibles será el espectáculo de Bharatanatyam a cargo de Nichole Tenorio Polo y Paras Thilana, una buena opción para acercarse al mundo espiritual a través de la danza y otras formas.

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India cuenta con una de las más grandes productoras de cine en el mundo, Bollywood, que tiene una acogida interna de tal nivel que pocas veces se exporta; aunque con el boom de las plataformas de streaming, cada día se pueden ver más de sus producciones y en la Filbo tendrá un espacio privilegiado, con la proyección de películas como ‘Dangal’.

También ha confirmado su participación Nitin Seth, un emprendedor tecnológico y autor indio que fue director de operaciones de Flipkart. Es cofundador y director ejecutivo de Incedo, un proveedor de servicios y plataformas de transformación digital con sede en Estados Unidos.

Una forma de conocer más de la India y su cultura será a través de una serie de documentales sobre personajes como Rabindranath Tagore, distinguido premio Nobel y literato bengalí.

Se realizará la presentación de 15 libros en español, inglés y urdu, como el libro ilustrado de ‘El Sueño de Sultana’, escrito en 1905 por la autora Begum Rokeya en Calcuta.

Otro de los grandes invitados será Kulpreet Yadav, novelista, guionista y actor indio. Ha escrito 13 libros, entre ellos ‘La chica que amaba a un pirata’ y ‘La chica que amaba a un espía’.

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Bloque de preguntas y respuestas:

Burger Máster 2026: este es el listado de los restaurantes participarán en esta edición

Tue, 14 Apr 2026 20:40:38 GMT

La espera terminó para los aficionados a la gastronomía. El Burger Master 2026, liderado por el influencer Tulio Recomienda ya tiene fecha, precio y la lista de participantes con sus propuestas para los comensales.

El evento se llevará a cabo del 20 al 26 de abril. Durante esta semana, los restaurantes competirán por ofrecer la mejor hamburguesa artesanal del país a un precio único de 21.000 pesos.

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Para la edición de este año se esperan recetas cuya novedad sea la innovación y la exclusividad, pues los restaurantes participantes han trabajado durante meses en la creación de propuestas inéditas diseñadas únicamente para este evento.

Dentro de los ingredientes de las hamburguesas habrá protagonismo de carnes maduradas y panes artesanales tipo brioche, además de salsas originales creadas por los chefs ofreciendo sabores fuera de los menús habituales.

Un factor clave en el evento es la historia detrás de cada hamburguesa, elemento que los restaurantes están utilizando para generar una conexión emocional más profunda con el público.

En la edición de este año, 60 restaurantes de Medellín, el Valle de Aburrá y el Oriente Antioqueño se unieron a la competencia de hamburguesas.

En la capital antioqueña están confirmados los establecimientos Inmerso, Fixión Burger, Sexy Burgers, Bunker Burger, Masfinca, Squad, Blue Smash Brgrs, The Vice Burger, Calisto Burger & BBQ, Clap Burgers, La Pate, Bizarro, Nomade Burgers, Malafama Restobar, Animal Cocina y All Day Café.

En el resto del Valle de Aburrá hay sitios de Caldas, Girardota y Copacabana principalmente. Rib Eye Parrilla & Bar, Canibal, Raj Burger, Smashlab, Pigasus, Burgatorio, Momentos Burger, Texas Burger y Retro Smash buscan deleitar con sus recetas.

Del Oriente antioqueño destacan sitios de Rionegro, Guarne, Marinilla, La Ceja y Carmen de Viboral. Viggo Burger, Big Mama, Provecho, Guarapo, 911 Hot Burgers, Casa Cheester, Devoro y Smash Burger están confirmados.

Bufalo’s Mix, Solomitos y Abocados Hamburguesería de Caucasia completan la lista de participantes antioqueños de la edición 2026.

En Bogotá los comensales tendrán una amplia opción para armar sus rutas. Chía, Cajicá y Zipaquirá también contarán con representantes en la edición 2026.

Para el norte de la capital de la República, ya están confirmados Bícono, Gratin Burger, Burger Town, El Chori Charrúa, Hat-Trick Burgers, Longos, Burger Depot, Sirloin & The Meat House, The Red Turtle y Cinqo Burgers.

En la localidad de Chapinero se sumaron Oak, Birrería Macha, Craft Burgers, El Cebollero, Le BBQ, Hache de Hamburguesa, Notorio, Chefs With Attitude y Godo Facts Food.

Si desea ir al occidente y sur de Bogotá, podrá disfrutar de las recetas de XL Gourmet, Pecado Capital, Botero Burgers, La Hamburguesa Mecánica, Mulata Burger y Capital Bistró.

En total serán más de 50 ciudades a nivel nacional en donde el evento estará presente.

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En la página oficial y en la aplicación del evento se podrá consultar el mapa de cada municipio con sus participantes registrados.

Para elegir la mejor hamburguesa, el sistema de competencia se basa en el voto del público. Para participar, los usuarios deben descargar la aplicación Tulio Recomienda, donde encontrarán el mapa interactivo con las ubicaciones exactas e ingredientes de cada propuesta.

Al finalizar la semana, los comensales podrán registrar su voto a través de la App o redes sociales y elegir las mejores 5 de su ciudad. Se le recomienda a quienes vayan a asistir a los restaurantes planificar sus visitas con tiempo para evitar las altas congestiones que suelen caracterizar a este evento.

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Bloque de preguntas y respuestas

Industria musical rompió récord: ingresos alcanzaron US$31.700 millones en 2025

Wed, 25 Mar 2026 16:36:36 GMT

La industria musical global no solo se recuperó, sino que está viviendo su mejor momento en más de dos décadas.

Según el más reciente informe de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, el sector alcanzó en 2025 ingresos por 31.700 millones de dólares, una cifra récord que consolida 11 años consecutivos de crecimiento y marca el nivel más alto desde finales de los años 90.

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El crecimiento de la música grabada tiene un protagonista claro: el streaming. De acuerdo con el reporte, los ingresos por este modelo, incluyendo suscripciones y versiones con publicidad, superaron los 22.000 millones de dólares, equivalentes al 69,6% del mercado global.

En particular, el streaming por suscripción se consolidó como el motor principal, con más de 837 millones de usuarios pagos en todo el mundo, lo que evidencia un cambio estructural en la forma en que las personas consumen música.

Este modelo, además de ampliar el acceso, ha reducido barreras de entrada para artistas de distintas regiones, intensificando la competencia global por la atención de los oyentes.

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Uno de los datos más llamativos del informe es el protagonismo de la región. Latinoamérica se posicionó como el mercado de mayor crecimiento a nivel global, con un aumento del 17,1% en sus ingresos durante 2025.

El dominio del streaming en la región es absoluto: representa el 88,1% de las ganancias totales. Este impulso ha llevado a que países como Brasil y México escalen posiciones en el ranking mundial, ubicándose en el octavo y décimo lugar, respectivamente.

Mientras tanto, Estados Unidos se mantiene como el mayor mercado musical del mundo, con una participación del 38,7%, seguido por Japón, donde los formatos físicos aún conservan una fuerte presencia.

En medio del dominio digital, los formatos físicos han sorprendido con un repunte. En 2025, este segmento creció un 8%, revirtiendo la tendencia a la baja de años anteriores.

El vinilo fue el gran protagonista, con un incremento del 13,7% en sus ventas, impulsado por consumidores que buscan experiencias más tangibles y coleccionables.

Este fenómeno también se explica por una especie de “fatiga de suscripciones”, especialmente entre audiencias jóvenes, que están redescubriendo formatos tradicionales como una forma de conexión diferente con la música.

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En el frente artístico, el dominio sigue teniendo un nombre propio: Taylor Swift. La artista fue nuevamente la más vendida del mundo, consolidando su impacto global.

Su álbum The Life of a Showgirl lideró las listas en múltiples formatos, mientras que el sencillo más vendido fue “APT.”, de ROSÉ y Bruno Mars.

Pese a los resultados positivos, la industria enfrenta riesgos crecientes. Uno de los principales es el fraude en plataformas digitales mediante reproducciones artificiales generadas con inteligencia artificial.

Servicios como Deezer reportaron recibir más de 60.000 pistas diarias creadas con IA en 2026, de las cuales el 85% fueron consideradas fraudulentas.

Desde la IFPI advierten que estas prácticas desvían ingresos que deberían llegar a artistas y actores legítimos de la industria. Por ello, las discográficas ya están impulsando acciones legales en países como Brasil, Alemania y Francia.

El balance general sigue siendo positivo. Además del streaming, otras fuentes de ingreso también aportan al crecimiento, como los derechos de interpretación, que alcanzaron 2.900 millones de dólares, y los formatos físicos, que retomaron impulso.

Sin embargo, segmentos como las descargas digitales y la sincronización continúan en descenso, lo que refleja una transformación profunda del negocio.

Para Victoria Oakley, el reto está en proteger la creatividad humana en un entorno cada vez más digitalizado, sin frenar la innovación.

¡Prepare su bolsillo! Calendario de conciertos en Colombia en 2026

Sat, 10 Jan 2026 04:17:52 GMT

Solo Páramo Presenta, una de las grandes productoras de conciertos en el país, confirmó que en 2025 presentó a más de 200 artistas en todo el país. Números que corroboran que Colombia sigue siendo un país atractivo para los espectáculos musicales masivos.

Para este 2026 ya el primer semestre da muestras de grandes nombres que visitarán de nuevo nuestro país, artistas como Bad Bunny, Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Ricardo Arjona, Sabrina Carpenter, Doechii, Mon Laferte, Ed Sheeran o Rosalía y nombres locales que quieren afianzarse con su público como Blessd, Ryan Castro, Sebastián Yatra y Galy Galiano que se despedirá de los escenarios.

Los géneros son tan variados como lo son los gustos de los colombianos: salsa, reguetón, pop latino, trap, rock, regional mexicano y una buena dosis de metal.

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Y aunque la mayoría de conciertos se concentran en Bogotá, faltan todavía muchos anuncios que seguro llenarán la agenda del año en Medellín.

Particularmente hay dos meses, junio y agosto, que no tienen muchos anuncios de conciertos concretos. El primero se explica por ser el mes del inicio de la Copa del Mundo de la Fifa y en que la atención se centrará en esta gran fiesta futbolera. Y el segundo quizá es muy temprano para hacer los anuncios para, la Feria de las Flores, por ejemplo, fiesta propicia para grandes espectáculos en la ciudad.

Por ahora, estos son los conciertos confirmados, que tienen ya boletas a la venta en las diferentes páginas oficiales tanto en Bogotá como en Medellín. También incluimos Cali. Y le recomendamos guardar este enlace ya que lo iremos actualizando a medida que se vayan anunciando nuevos conciertos.

El año de conciertos en el país comienza en los últimos días de enero, pero llega con la gira más esperada y que seguro dará de qué hablar todo el año: DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour de Bad Bunny, el 23, 24 y 25 de enero en el estadio Atanasio Girardot. Y además:
20 de enero: Avenged Sevenfold, Bogotá - Movistar Arena

10 de febrero: My Chemical Romance, Bogotá - Vive Claro (estaba programado para enero pero fue aplazado)
13 y 14 de febrero: Alejandro Sanz, Bogotá - Movistar arena
13 al 22 de febrero: Festival Ondas, Bogotá - Parque Simón Bolívar. Con artistas como Ivy Queen, The Cardigans, Justin Quiles, Jerry Rivera, Arde Bogotá, Ovy on the Drums y más.
18 de febrero: Kali Uchis, The The Sincerely Tour, Bogotá - Movistar Arena.
20 y 21 de febrero: Core Medellín by Tomorrowland- Parque Norte. Con Emilija, Alycia Bezgo, Artbat y Benwal, entre otros.

11 de marzo: Miguel Bose, Bogotá - Movistar Arena.
14 de marzo: Miguel Bosé, Medellín - La Macarena.
20 al 22 de marzo: Estéreo Picnic, Bogotá - Parque Simón Bolivar: The Killers; Tyler, The Creator; Sabrina Carpenter, Lorde, Peso Pluma, Young Miko y Doechii, entre otros.
20 de marzo: Noche Salsera con Víctor Manuelle, Maelo ruiz, Tony vega, Charlie Aponte, Grupo Gale, Yan collazo en Medellín - La Macarena.
28 de marzo: Blessd, El mejor hombre del mundo tour , Medellín - Atanasio Girardot

10 de abril: Crudo Means Raw, Bogotá - Movistar Arena.
10 de abril: No te va gustar, Medellín - Teatro Universidad de Medellín.
11 de abril: No te va gustar, Bogotá - Movistar Arena.
18 de abril: Grupo Firme, Medellín - Atanasio Girardot.
19 de abril: Grupo Frontera, Medellín - Diamante de Béisbol.
19 de abril: Milo J, Bogotá - Movistar Arena.
22 de abril: Laura Pausini, Bogotá - Movistar Arena.
24 de abril: Natalia Jiménez, Bogotá - Movistar Arena.
25 de abril: Maroon 5, Bogotá - Coliseo MedPlus.
25 de abril: Ryan Castro, Medellín - Atanasio Girardot.
25 de abril: Sebastián Yatra, Bogotá - Movistar Arena.
26 de abril: Sebastián Yatra, Medellín - La Macarena.
27 de abril: Megadeth, Bogotá - Movistar Arena.
30 de abril: Galy Galiano, Bogotá - Movistar Arena.

2 de mayo: La Solar, Medellín - Complejo deportivo Atanasio Girardot.
2 de mayo: Korn, Bogotá - Coliseo MedPlus
7 de mayo: Mon Laferte, Bogotá - Movistar Arena
9 de mayo: Mon Laferte, Medellín - La Macarena
15 de mayo: Natalia Lafourcade, Bogotá - Movistar Arena
16 de mayo: Ed Sheeran, Bogotá - Vive Claro
21 de mayo: Cris Mj, Bogotá - Movistar Arena
21 de mayo: Kany García, Bogotá - Movistar Arena
23 de mayo: Kany García, Medellín - Diamante de Béisbol.
24 de mayo: Kany García, Cali - Arena Cañaveralejo.
22 y 23 de mayo: Baum Festival 11, Bogotá - Corferias
28, 29 y 30 de mayo: Soda Stéreo Ecos, Bogotá - Movistar Arena.

Particularmente en el mes de junio aún no había fechas confirmadas en Colombia en las agendas de las plataformas de venta de boletería como Tu Boleta, Ticketmaster, La tiquetera y más. El Mundial de fútbol de la Fifa comienza justo en 11 de junio.

Pero Fito Paez rompió el molde y justo anunció cuatro conciertos en nuestro país.

5 de junio: Fito Paéz, Cali - Arena Cañaveralejo
6 de junio: Fito Páez, Manizales - Plaza de toros
8 de junio: Afterclass, Bogotá - Royal Center
9 de junio: Fito Paéz, Medellín - La Macarena
12 de junio: Fito Páez, Bogotá - Movistar Arena

16 y 18 de julio: Rosalía, Bogotá Movistar Arena
18 de julio: Afterclass, Medellín - Patio Teatro, Claustro Comfama
30, 31 de julio y 2 de agosto: Ricardo Arjona, Bogotá - Movistar Arena.

20 de septiembre: Robbie Williams - Bogotá, Movistar Arena
24 de septiembre: 5 Seconds Of Summer - Bogotá, Movistar Arena.
25 y 27 de septiembre: Carlos Vives - Bogotá, Movistar Arena

2y 3 de octubre: BTS, Bogotá (escenario por definir)
11 de octubre: Iron Maiden, Bogotá - Vive Claro.
17 de octubre: Carlos Vives - Medellín, Estadio de Envigado.
31 de octubre y 1 de noviembre: Ritvales Medellín - Parque Norte.

20 de noviembre: Juanes, Bogotá - Movistar Arena.
21 de noviembre: Eros Ramazzoti, Bogotá - Movistar Arena.
4 de diciembre: Mar+in Garrix, Bogotá - Movistar Arena.

Le tapis rouge: la historia de Marta Correa, actriz de ‘La vendedora de rosas’

Thu, 28 Nov 2024 19:38:00 GMT

La flor que rompe el pavimento

Marta Correa no es solo una vendedora ambulante en la setenta de Medellín, es un ícono de resiliencia y carisma. La calle, para ella, es una alfombra roja. Allí, con su carrito de dulces, Marta irradia autenticidad, saludando a los transeúntes que la reconocen, piden fotos y la hacen sentir como una celebridad. Sin embargo, detrás de su sonrisa hay una historia de lágrimas, sueños postergados y una fuerza inquebrantable que la ha convertido en una guerrera de la vida.

Un encuentro que no fue casual

A inicios de septiembre, el equipo de Déjà Vu Audiovisual buscaba una historia que capturara la esencia de los “imparables” para el festival de cine móvil Smartfilms. Marta apareció en el momento justo, como una revelación en la salida de una discoteca. Desde ese día, se convirtió en el corazón de una experiencia que transformaría tanto al equipo como a ella.

El arte de contar historias reales

El cortometraje Le tapis rouge no es solo un homenaje a Marta, sino una reinterpretación de su vida. Desde la docu-ficción, el equipo capturó un día en su mundo, huyendo del victimismo y resaltando su fortaleza. La narrativa incluyó toques de comedia y momentos icónicos como su famosa frase: “Fuck you men gonorrea”.

Inspirada por su mentor, el maestro Víctor Gaviria, Marta escribió una carta a Medellín, exorcizando cargas del pasado. Esta catarsis fue clave para el cortometraje, donde Marta finalmente caminó sobre una alfombra roja simbólica, reflejando sus sueños.

Un sueño hecho realidad

El rodaje fue un torbellino de emociones. Marta se sintió una estrella, y el equipo logró capturar su esencia en tan solo tres minutos. Con música original del maestro puertorriqueño Robert García, Le tapis rouge se convirtió en una pieza vibrante que resonó en el festival.

El 30 de octubre, en la gala de premiación de Smartfilms, Marta finalmente vivió una alfombra roja real. Aunque no ganó el primer lugar, el sexto puesto entre más de trescientos cortometrajes fue un triunfo. Marta cerró esa noche con la satisfacción de haber visto su historia proyectada, esta vez, con los reflectores sobre ella.

Una invitación a soñar

Le tapis rouge celebra la fuerza de los que no se rinden. Marta, con su historia de lucha y amor por la vida, es un recordatorio de que la calle, para quienes persisten, siempre puede ser una alfombra roja.

Cortometraje oficial de LE TAPIS ROUGE

Detrás de cámaras

Entrevista con Isabel Allende: “Yo no hago un plan ni un guion antes de empezar un libro, me lanzo en un espacio desconocido”

Mon, 19 Jun 2023 11:34:29 GMT

A Isabel Allende no la trasnocha ser la escritora más leída en lengua castellana. Tampoco le quitan el sueño los millones de ejemplares que han vendido sus novelas ni el número de idiomas a las que han sido traducidas sus historias. Al menos eso dice. El suyo es el caso de una escritora que tiene por todo el continente clubs de fans y, al tiempo, la crítica y la academia la malquieren. El revuelo que causa alrededor –para bien o para mal– confirma que se trata de uno de los mitos vivientes de la literatura de América Latina.

Con ochenta años, la chilena ha llegado de nuevo a las portadas de las revistas y a los noticieros por la reciente publicación de El viento conoce mi nombre, una historia sobre los rigores de la política y las múltiples formas en las que el poder destroza la vida cotidiana de los individuos. En el libro se enlazan las vicisitudes de la Segunda Guerra Mundial con las políticas migratorias de Donald Trump, que llevaron a niños migrantes a parar en jaulas. EL COLOMBIANO habló con Allende sobre su escritura, las transformaciones en el circuito editorial de América Latina y las luchas del feminismo.

Escuche aquí la entrevista completa en El Arranque a Fondo:

Comencemos con una curiosidad. ¿Se siente algún peso por el hecho de ser la escritora más leída en lengua castellana del mundo?

“Eso no significa nada porque sucede en la periferia de mi vida. Tengo una vida privada sencilla, tengo todo lo que necesito pero nada extra porque no quiero complicarme la existencia. Lo que me encanta es la escritura. Tengo 80 años y la gente me pregunta cuándo me voy a retirar y yo les digo que ya me retiré, me retiré de todo lo que no me gusta, pero conservo lo que me gusta que es la escritura. Entonces este es mi oficio, mi vida, lo que me da placer y lo hago con mucho gusto sin pensar para nada en esas cifras que dan las 42 lenguas en que han sido traducidos mis libros, que ni siquiera las conozco, o los 77 millones de libros que he vendido, que tampoco se ven por ninguna parte, o sea todo eso pasa como en el aire”.

Y cómo ha sido la evolución de su escritura...

“Hay algunas cosas que he aprendido, tengo más confianza en mí misma. Sé que si le dedico suficiente tiempo e investigo puedo escribir sobre casi cualquier cosa. Antes no tenía esa confianza. Pensaba que cada libro era un regalo que me caía del cielo y que ese regalo no se iba a repetir. Ahora sé que escribo porque quiero comunicar algo, no escribo para mí. Escribo para contarle a alguien algo que me importa. Y sé cuáles son aquellos temas que me importan.

Entonces vas a encontrar siempre en mis libros mujeres fuertes, padres ausentes, amor, violencia, muerte, separación, sentido de la justicia orgánica, el poder. Esos son temas que se repiten y los encuentro cada vez que escribo, pero yo no hago un plan ni un guion antes de empezar un libro, sino que me lanzo en una especie de espacio desconocido. Por el camino voy descubriendo de qué se trata la historia y quiénes son los personajes. Eso no ha cambiado porque desde La casa de los Espíritus hasta El viento conoce mi nombre, el proceso es el mismo, sin tener un mapa me lanzo en la historia”.

Y esos temas seguramente están conectados con el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973, un hecho que partió en dos la historia de Chile y de América Latina...

“Cierto, pero cada aniversario de cada año para mí es un día especial, es un día de recogimiento y de recordar. Y esa tragedia que ocurrió en Chile fue la tragedia latinoamericana de los 70 y de los 80, porque no ocurrió solamente en Chile, porque tuvimos luchas similares en todo el continente. Y eso fue lo que pasó en Guatemala, en El Salvador”.

También se avecina otra fecha muy importante relacionada con el golpe y es la muerte de Neruda, que es un personaje que ha sido profundamente cuestionado porque fue un gran artista, pero al parecer fue un mal tipo, un mal hombre. ¿Qué hacer con Neruda?

“¿Qué hacer con Neruda? Lo mismo que hacemos con todos los demás. Porque si vamos a investigar las vidas de cada científico, de cada compositor, de cada pintor, de cada escritor o poeta, vamos a encontrar mucha mugre en las vidas de cada uno porque somos humanos y fallamos. Además, a cada persona hay que juzgarla de acuerdo a su tiempo. No podemos aplicarles las mismas normas de hoy a personas que vivieron hace un siglo. Y la obra sigue teniendo vigencia aunque sea importante, y lo es, denunciar la vida privada de cada uno de estos personajes que son como ídolos con pies de barro. El personaje es fallido, pero la obra no. Entonces, si vamos a eliminar o censurar la obra de cada uno de estos artistas nos quedamos sin nada”.

Esta novela narra cómo la política destruye los hogares, destruye el tejido más primario que tenemos todos. ¿Cómo le llegó la idea?

“Tengo una fundación que ayuda a financiar programas y organizaciones sin fines de lucro en la frontera de Los Estados Unidos. Y nos enteramos de casos particulares. Y cuando vino la política del gobierno de Trump de separar a las familias, fue una tragedia espantosa y no solamente lo vi yo, lo vio el mundo entero: los niños en jaulas, los oficiales de fronteras quitándole a los niños de los brazos a las mamás, niños que estaban amamantando. De manera que fue tan brutal, tan fuerte eso, que era como natural escribir sobre el tema. Y para mí la investigación era muy fácil porque tenía todos estos recursos y además es una cosa contemporánea que estaba pasando. Relacionar este hecho con lo que pasó con los niños judíos poco antes de la Segunda Guerra Mundial fue fácil porque esta es una tragedia que se repite en la historia.

Y mi personaje principal tiene 86 años, entonces pensé, bueno, ¿qué pasó en la infancia de él? ¿En qué momento ocurrió lo de él? Y coincidía perfectamente con la noche de los cristales rotos en Austria y Alemania”.

Entonces no hemos aprendido nada como civilización...

“Cometemos los mismos errores, pero sí hemos aprendido. Lo repito muchas veces que desde mi perspectiva de los 80 años yo puedo dar testimonio de la evolución que hemos visto en la humanidad desde que yo nací. Yo nací en medio de la Segunda Guerra Mundial, en medio del Holocausto, de las bombas atómicas, no existía la píldora ni el feminismo, ni los derechos humanos, ni las Naciones Unidas. Nada de eso existía. Había 50 millones de personas desplazadas nada más que en Europa en ese momento.

Entonces hemos aprendido y ahora tenemos mucha más conciencia de los problemas, más información, más conexión y más herramientas para resolverlos. Seguimos viviendo en un patriarcado cuyas reglas principales son el miedo y el poder, la combinación del poder y el miedo, pero eso va a cambiar.

Ya hay muchas maneras en que la humanidad está desafiando al patriarcado y está desafiando esos valores. Hay una generación joven que es mucho más inclusiva, es mucho más abierta, en la que hay paridad de género, en la que hay una visión de futuro, en la que ya nadie cree en las instituciones políticas, en la que incluso están abandonando las religiones. Por supuesto que contra eso hay una reacción brutal del sistema, un culatazo de retroceso en muchas partes, pero en los años de mi vida he visto que eso es parte del proceso y que avanzamos”.

El tema de la migración, de vivir en otro lugar, de construir la vida en otro lugar, también es algo que biográficamente la toca mucho...

“Yo he sido una eterna desplazada. Viví en Chile muy pocos años de mi vida y me considero absolutamente chilena por una especie de sentimiento nostálgico, pero la verdad es que he vivido más tiempo en los Estados Unidos. Y aquí voy a ser siempre extranjera. Soy extranjera en todos lados porque vuelvo a Chile y al cabo de una semana ya me doy cuenta que tampoco pertenezco ahí, que el país que yo imagino ha cambiado completamente. Yo he cambiado, el mundo ha cambiado. Pero el hecho de no tener raíces en un lugar concreto no ha sido malo para mí, ha sido bueno porque he sido refugiada, he sido inmigrante, he sido hija de diplomáticos moviéndome de un lado a otro. Eso me hace muy atenta a la realidad porque yo no estoy cómoda en todas partes como está la gente que pertenece a un lugar. Entonces he aprendido a observar, a escuchar, a preguntar, a reparar en lo que otra gente da por sentado. Y esa especie de agudeza frente a la realidad me permite encontrar las historias que voy a escribir”.

Supongo que a lo largo de su vida ha visto también la transformación de los espacios editoriales para las mujeres: ahora hay concursos para ellas, colecciones para ellas...

“Cuando se publicó La Casa de los Espíritus existía el boom de la literatura latinoamericana y no había una sola voz femenina. Y a nadie le llamaba la atención, parecía como natural que fueran todos hombres, nadie lo cuestionaba. Y cuando se publicó La Casa de los Espíritus dijeron que era la primera voz femenina del boom. Eso alcanzó como 20 minutos más o menos, porque después dijeron, no, no, no, ella no pertenece al boom, ella es posboom. Habría que dejar intacto este santuario de los grandes escritores machos de América Latina.

Eso ha cambiado completamente y en los últimos 40 años, el cambio es notable. Hay tantas escritoras como escritores y las escritoras están escribiendo novelas mucho más fuertes y fantásticas en todas partes. Y la industria del libro se dio cuenta de que más mujeres que hombres leen ficción. Entonces hay un mercado ahí que no lo van a abandonar”.

Es muy difícil para un lector colombiano leer a un autor ecuatoriano, es muy difícil que un lector paraguayo lea una novela de alguien de Bolivia. Vivimos en una suerte de aislamiento o balcanización editorial...

“Eso es un problema de distribución que existió antes del boom. Antes del boom, un libro de Octavio Paz no la encontrabas en Chile. Tal vez encontrabas uno de Borges porque estábamos mucho más cerca. Cuando las grandes editoriales de España, y en esto la agente Carmen Balcells tuvo un gran papel, empezaron a publicar en España a estos grandes escritores y a redistribuirlos en América Latina, empezamos a recibir en Chile a Mario Vargas Llosa, a García Márquez, así como en Colombia recibían a José Donoso, a Borges, en fin. Es la distribución, y si no hay un esfuerzo concreto de distribución, nadie se entera. Me extraña que todavía exista ese problema en América Latina, porque estamos conectados, todo está conectado, hasta el narcotráfico. Todo es global. Lo deberían ser también los libros y la gente, porque no hay fronteras para nada más que para la gente”.

Samuel Adler, el personaje de su novela, es un músico, un niño virtuoso que toca piano, pero también toca violín. ¿Qué papel ocupan en su vida cotidiana las otras artes, la música, la pintura, el cine?

“Me gusta la música clásica y me gusta el teatro, pero yo diría que estoy tan entregada a la escritura que vivo más bien de libros, de investigar. Investigo mucho. Escribo novela histórica, entonces estoy metida en cosas del pasado. Además, el proceso de escribir para mí es lento. He escrito muchos libros, pero con muchas horas de trabajo”.

¿Se viene otra novela? ¿Se viene un libro de qué?

“Siempre estoy escribiendo o investigando para otro libro. Terminé de escribir El viento conoce mi nombre el año pasado, como a mitad de año. Y empecé a investigar inmediatamente para una novela histórica. Empecé el ocho de enero, como siempre comienzo mis libros. Ya llevo un buen pedazo del primer borrador, pero no te puedo decir ni de qué se trata, porque primero que nada nunca hablo de lo que no he terminado y, francamente, nunca sé de qué se trata realmente un libro hasta que no termino el primer borrador y lo imprimo, tengo que verlo en papel, porque en la pantalla se me diluye, no lo puedo agarrar realmente. En el papel sé exactamente cómo es”.

¿Y la fecha del 8 de enero tiene algún significado especial?

“Disciplina. Es tan fácil ir postergando el momento de empezar a escribir, porque hay tantas cosas que tientan en el mundo de afuera, que para qué me voy a cerrar diez horas al día a escribir, ¿no es cierto? A menos que un tema te apasione, y a menos que tengas la disciplina, y yo la tengo. Empiezo siempre el 8 de enero, espero hasta el 8 de enero para empezar un libro, y escribo con la misma disciplina, todos los días menos los domingos. La mayor parte del tiempo mi prioridad es la escritura. Y eso que tengo un marido nuevo, fíjate, la prioridad es la escritura”.