El niño comandante

Por: Íñigo Montoya

Parece otra película de ciencia ficción bajo el esquema de la guerra de los mundos, es decir, la tierra luchando por su supervivencia contra alienígenas que se quieren apoderar del planeta y destruir la raza humana. Y bueno, en esencia este es su planteamiento argumental, pero se trata de una historia que intenta proponer mucho más que eso al poner el énfasis de su conflicto en las dudas y problemas de su protagonista.

Basada en un libro de Orson Scott Card, esta cinta propone como base e hilo conductor de todo el relato la construcción y evolución del personaje de Ender Wiggin, un adolescente que es reclutado por el ejército, dadas sus aptitudes y personalidad, como su gran esperanza para combatir la invasión alienígena.

De manera que las confrontaciones a lo largo de la película no son contra los extraterrestres (ni siquiera la final), sino contra los adversarios de Ender durante su entrenamiento y, más aún, contra los propios problemas de carácter e identidad que se le puedan presentar a este joven que es tratado como adulto.

Por esta razón, todo el relato divaga mucho por las casi melodramáticas situaciones que el protagonista tiene que afrontar contra sí mismo y contra su entorno, haciendo de la historia un asunto un tanto tedioso, porque esos conflictos no alcanzan a conectar mucho con el espectador, entre otras cosas, porque no es fácil identificarse con el protagonista.

Se trata de una película con una propuesta visual y reparto muy atractivos, y todo parece estar dado para hacer de ella una entretenida cinta de acción, aventura y ciencia ficción, pero al decidirse por los conflictos internos del protagonista, el contraste se hace evidente: todo ese escenario y situación dispuestos para la acción, se ven enfrentados a un drama adolescente expresado casi siempre con diálogos.

Y no es que esté pidiendo que todas las películas de ciencia ficción e invasiones alienígenas sean una explosión de acción y efectos especiales, pero sí que ese drama interno que proponían fuera más interesante para el espectador, o que por lo menos hubiera un mejor equilibrio entre la acción y la no acción.

El miedo no existe

Por: Oswaldo Osorio

Tal vez lo peor que le ha pasado al director M. Night Shyamalan es haber iniciado su carrera con unas películas impactantes y muy exitosas: El sexto sentido (1999), El protegido (2000), Señales (2002), La aldea (2004). Y es que desde entonces la crítica se ha ensañado contra casi cualquier cosa que haga, desde la bella fábula de La dama en el agua (2006), pasando por las más desdeñadas –El fin de los tiempos (2008) y El último maestro del aire (2010)–, hasta llegar a esta última cinta, que tampoco ha sido bien recibida.

Pero si se reflexiona sobre esta filmografía (exceptuando El último maestro del aire que hace parte de una serie), todas sus películas están hechas con los mismos elementos: historias envolventes y bien contadas, un gran sentido para crear y manejar el suspenso y el misterio, un concepto visual, aunque convencional, es inteligente y sugestivo, y de fondo una suerte de moraleja, esencialmente humanista, que por poco evidente y a veces compleja no parece tal.

Es probable que sea, justamente, Después de la tierra (After Earth, 2013) la película que tenga más simplificados dichos elementos. Esto tal vez se debe a que parte de un argumento del mismísimo Will Smith, estrella y productor de la cinta, y también porque se trata de una película de género, en este caso una mezcla de ciencia ficción y cine de aventuras. Sobre todo este último por lo general tiende a limitar sus historias a un esquema básico, como en este caso, que se trata solo de ir de un punto A hacia un punto B.

Una forma de verla es como esa película simple y prácticamente diseñada para el lucimiento del hijo de Will Smith, Jaden Smith, quien es el principal protagonista y, es cierto, no termina por convencer del todo. Pero también podría ser vista como lo que en esencia es: una historia de ciencia ficción y aventuras que cumple a cabalidad con su objetivo y, por lo tanto, resulta un filme bien hecho, atractivo visualmente y muy entretenido, un filme que sabe manejar las fortalezas de estos dos tipos de cine, como el ingenio en el diseño de producción y las alegorías de base futurista en el caso de la ciencia ficción, y los ritmos cambiantes del relato cuando combina las atmósferas de tensión con las escenas de acción, como es propio del cine de aventuras.

Pero si vamos más allá, por más que Shyamalan haya querido ser cómplice de Smith en beneficio del hijo de éste, el director de origen indio se sostiene en su ley y conserva su universo, pues en el fondo se trata de una fábula en la que un joven se hace hombre mientras atraviesa un desconocido mundo y es acechado por una bestia. En medio de esto, se desarrollan una serie de ideas y sentimientos como la culpa, la difícil relación entre padre e hijo, la pérdida de la inocencia y la dura misión de hacerle frente al miedo.

No se trata de una obra maestra, pero es que M. Night Shyamalan nunca le ha apuntado a eso. Sus películas se basan claramente en los dos principales objetivos del cine de Hollywood, esto es, emocionar y entretener. Lo que pasa es que, al parecer, muchos no han podido salir del gran impacto que les produjo el final de El sexto sentido y se resienten cuando este inteligente y honesto director no les da más de lo mismo.

Bala, explosión, muerto, avance, más bala

Por: Íñigo Montoya

Es muy significativo, y también un poco sorprendente, que la película más taquillera del momento, tanto en Colombia como en Estados Unidos, sea una película extrema, es decir, una cinta que, al parecer, sería solo del gusto de una franja del público, la que gusta del cine de acción más simple y descerebrado.

Porque este filme de ciencia ficción no es otra cosa que un largo tiroteo de casi dos horas. Además, una historia, como suele suceder con el cine más comercial, muchas veces contada, desde El día de la independencia (Ememrich) hasta La guerra de los mundos (Spielberg): una invasión extraterrestre en la que no hay más interlocución con los alienígenas que la violencia y el deseo de exterminio total.

La cinta enfatiza su intención de ser contada solo desde este punto de vista, el de la acción y la violencia, cuando los protagonistas son todos soldados, apenas sazonados un poco con algunos civiles que solo están allí para hacerles más dura su labor.

La película cuenta, como es necesario por cuestiones de ritmo y atención del espectador, con algunas escenas de “descanso”, en las que con la delicadeza de un fusil plantean unas emociones y sentimientos, pero por lo demás, es todo plomo y destrucción mientras van de un punto A a un punto B, es decir, tal cual como un video juego.

A pesar de todo lo dicho, si el espectador no tiene un prejuicio serio por este tipo de cine, es una cinta que se deja ver, porque hay que reconocer que tiene su poder hipnótico en la medida en que sabe usar sus recursos para sostener la atención -y tensión- este simplísimo esquema: bala, explosión, muerto, avance, más bala

De la forma sin esencia

Pobres extraterrestres

Por: Oswaldo Osorio

Es extraño ver una película de ciencia ficción -y con elementos del cine de acción- sin el acabado visual de Hollywood, sin sus odiosos y predecibles giros, sin sus héroes arquetípicos y sin sus gloriosos finales que dejan contenta a la gran mayoría de espectadores. Este director sudafricano, en cambio, lo que presenta es una cinta con una interesante y original premisa, así como una serie de recursos visuales tan impactantes como inéditos en el cine más comercial y una refrescante forma de concebir el género de ciencia ficción, que en esta época de sobreexplotación de los efectos visuales ya está oliendo rancio.

La premisa en cuestión propone que más de un millón de alienígenas quedan varados en la tierra y terminan convirtiéndose en una población marginal entre los humanos y luego en un problema social y de salud pública (aunque la película nunca explica por qué son medio tontos ni por qué no usan su tecnología). De esto se podría desprender toda una serie de reflexiones de tipo sociológico y político, que sin duda pueden tener relación con esta historia, pero que tampoco se debe sobredimensionar, porque es claro que no es el objetivo principal de la cinta.

A pesar de esto, no se puede olvidar el hecho de que el cine de ciencia ficción, al menos el que se ha hecho con inteligencia, siempre ha servido para hablar de nuestra sociedad y nuestro tiempo utilizando como metáfora la construcción de lejanos universos y épocas futuras. En esta cinta algo de eso hay, pero es un objetivo de fondo las lecturas de tipo sociológico, por aquello de las analogías que se pueden hacer con estos seres extraños, y que viven en la miseria, con las poblaciones marginales de cualquier país (de hecho, los tugurios en que se filmó la película realmente pertenecieron a gente de Johannesburgo que fue reubicada).

También es un objetivo de fondo las lecturas de orden político, sobre todo lo que tiene que ver con el verdadero interés de los humanos por los alienígenas, en especial de las grandes corporaciones que, al menos para el cine, son las que ahora dominan el mundo, los archivillanos contemporáneos. Su interés no es otro que el partido que le puedan sacar a la situación desde el aspecto económico, que siempre estará ligado a los juegos de poder y de dominación.

Pero hay que insistir que éstos son asuntos que, si bien no están allí por azar, son solo el trasfondo que ayuda a que la película tenga mayor solidez en su enunciado y en sus motivaciones. El interés central de su director y guionista está en el personaje protagónico, la narración de la historia y las secuencias de acción. Porque Neill Blomkamp es un cineasta formado en la industria y su objetivo es ser eficaz en ella y no hacer sesudas películas de crítica social y política. De hecho, es famoso justamente por la película que nunca hizo: la versión cinematográfica del videojuego Halo, uno de los más populares y prestigiosos del mundo.

De estos elementos en que el director pone el énfasis, lo primero que llama la atención del filme es su narración. Blomkamp utiliza el recurso del documental, no sólo para dar la información de la historia y personajes, sino para crear la intriga y el suspenso que cruzan toda la película.  En este sentido es una narración muy bien lograda, porque tiene la capacidad de mantener la tensión y crear una expectativa siempre en aumento. A esto se le suma los imprevisibles giros que da la historia, que no son para nada complacientes con lo que el espectador del cine de género normalmente espera.

Así mismo, las secuencias de acción están plantadas con mucha mesura a lo largo del filme, jugando con el realismo y, al mismo tiempo, con la creación de imágenes extraordinarias e impactantes, sobre todo aquellas que muestran cuando alguien es impactado por un arma. Sólo al final estas secuencias de acción alcanzan la intensidad de las películas convencionales, y es cuando se puede ver una dinámica más uniformada con lo que siempre se le ve al cine de acción.

Finalmente, el elemento con mayor fuerza y originalidad de todo el filme, lo que carga con todo el peso dramático y argumental de la historia, es su protagonista. Resulta sorprendente la transformación que experimenta este hombre durante el relato, y no se refiere esto a la transformación física, que sólo es una causa de la otra, la de su personalidad, la de su actitud y las decisiones, antes impensables para él, que empieza a tomar. Esto lo hace un héroe atípico, un personaje ante el que el espectador siente distintas emociones, tanto positivas como negativas.

Este personaje es la constatación de que estamos ante una cinta que, aún dentro de esquemas reconocibles del cine de género, supo hacer la diferencia en relación con tanto cine de bichos, disparos y explosiones que se pueden ver hoy. Aunque de todas formas, es una película sólo para los seguidores de estos géneros, y tal vez más difícil de digerir para los demás, justamente porque se sale de las convenciones.

FICHA TÉCNICA

Título original: District 9

Dirección y guión: Neil Blomkamp

Producción: Peter Jackson

Guión: Neill Blomkamp, Terri Tatchell

Música: Clinton Shorter

Reparto: Shartlo Copley, Jason Cope, Robert Hobbs

Nueva Zelanda – 2009 – 112 min.

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Entre la carencia y el exceso

Por: Oswaldo Osorio

Si hay una película que de lo mala resulta fascinante, otra que casi nadie vio el día de su estreno y ahora la estudian en las universidades o una más que excede todos los límites de la cordura, el mal gusto o la desmesura, eso es cine de culto.

Pero habría que precisar que la condición de su existencia está dada por los “cultistas”, un raro tipo de cinéfilo a quien no sólo le apasiona el cine como arte o como experiencia emocional, sino también como icono visual susceptible de ser adorado, celebrado y mitificado.

The rocky horror picture show (Jim Sharman, 1975) es una exuberante historia de rock y horror (blando) protagonizada por el Dr. Frank N. Furter, un científico loco travesti de otro planeta. Se trata de uno de los ejemplos más populares y representativos del cine de culto: por sus excesos, porque se sale de todo molde conocido hasta entonces y porque sus proyecciones a media noche en las salas de arte han sido una literal celebración del rito del cine en general y de las imágenes y la música de esta película en particular, pues los asistentes no se conforman sólo con verla, sino que también se visten como sus personajes, asumen roles y cantan y bailan al unísono con las imágenes de la pantalla. Este ritual se puede repetir a la semana siguiente o al mes siguiente y así desde hace un cuarto de siglo.

La peor película de la historia el cine
Pero por más que una película consiga fama y popularidad gracias al fervor de los cultistas, siempre conservará ese carácter de pieza chocante y diferente ganado a fuerza de tener algo raro, turbador, absurdo, especializado o cualquier otra cualidad (o defecto) que es lo que la hace una obra de difícil aceptación para el público masivo.

Porque una película de culto lo que hace es transgreder las normas del cine convencional, ya por exceso, carencia u omisión consciente. Es por eso que de Hollywood sólo de vez en cuando, y casi siempre por accidente, sale una película de culto. La excepción a la regla es el cine de horror realizado por la Universal en los tempranos años treinta y del que hacen parte títulos como Freaks, Drácula o Frankestein.

Y es que uno de los géneros más proclives a crear películas de culto es el Fantástico, del que hacen parte el cine de horror (y sus múltiples variantes) y de ciencia ficción. De ahí que cuando la productora inglesa Hammer, treinta años después, realizara nuevas versiones de estos clásicos del horror, de inmediato Drácula y Frankestein, con la novedad del color y la carga de erotismo, pasaron a ser parte del cine de culto, y con ellos actores como Christopher Lee y Barbara Steele, de la misma forma que tres décadas atrás lo empezaron a ser Bela Lugosi y Boris Karloff.

Porque el culto se hace extensivo de las películas a sus actores, que devienen también en iconos, y a sus realizadores, que son (para su fortuna) como genios extraviados del cine. Directores como Mario Bava, Darío Argento, Roger Corman o John Waters, tienen una obra que es casi por completo adorada por los cultistas. Pero de todos los autores de culto el caso de Ed Wood es el más paradigmático. Fue él quien hizo la que se considera como la peor película de la historia del cine (Plan 9 del espacio exterior, 1959) y quien a veces aparecía con ropa de mujer en los rodajes. Tenía una tremenda pasión, más que por el cine como arte, por el hecho de hacer películas, sin importar la precariedad (o inexistencia) del presupuesto.

Por eso, superada la curiosidad de ver su desastrosa obra, es él quien se perfila como un personaje verdaderamente apasionante. Por eso su mejor película no la hizo él sino Tim Burton, sobre su vida y obra, y se titula precisamente Ed Wood (1994).

Ed Wood en Colombia y México
Como son los cultistas los que hacen que una película sea tal, no es suficiente ser rematadamente malo como lo era Ed Wood para ser director de culto. Un gallego que hacía cine en México hace algunas décadas, llamado Juan Orol, llegó al extremo de filmar una película en un día o de hacer dos filmes con el dinero que le dieron para uno y usando el mismo guión y los mismos actores. No por eso es autor de culto, todavía no lo han descubierto, pero luego de la película de Tim Burton directores como Juan Orol están empezando a ser retomados desde esta óptica del cine de culto.

En Colombia, por ejemplo, hay un director de culto en ciernes, se llama Jairo Pinilla y con películas como 27 horas con la muerte o El triángulo de oro, tiene mucho en común con Orol y Wood, aunque su cine es de un patetismo más moderado. En varias ciudades del país ya se han comenzado a ver retrospectivas y homenajes de su obra, realizada en los últimos veinte años y casi toda dedicada a un cine de horror que ahora sólo producen risa.

Actualmente existe todo un mercado y sistemas de información de las películas de culto. Hollywood está tomando nota de ello, así como lo hizo hace una década con el cine independiente. Pero aún así, el cine de culto sigue siendo un cine de minorías, incluso de culturas específicas, de gremios, generaciones, países y hasta ciudades. Cada nueva generación de jóvenes, por ejemplo, descubre y rinde culto a películas como La naranja mecánica (1971) El Cuervo (1994) o Trainspotting (1996).

Son películas que se han salido del molde y que convocan a la secreta complicidad de los cultistas, quienes no se cansan de verlas, de admirarlas y comentarlas. Es la cinefilia en un estado un poco obseso y enfermizo, se trata de una suerte de espectador radical, que le gusta formar gethos y trascender una película de la misma forma que ella lo ha hecho con el cine, no importa si es por carencia o por exceso.

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