Una transformación con coro

Oswaldo Osorio

Un director francés hace un musical con tema mexicano y actrices extranjeras… ¿Qué podría salir mal? Pues, en realidad, a pesar de todas las reservas y prejuicios, no mucho, todo lo contrario, resultó ser una obra cautivadora y con la virtud de sorprender continuamente. Y lo que pudo amalgamar esa improbable combinación de elementos y nacionalidades fue el código impuesto por el musical, que no es realista y permite unos artificios, asociaciones y efectismos que deben leerse con las reglas del género, las cuales se imponen ante cualquier reclamo de fidelidad o rigurosas representaciones antropológicas o sociales.

Quien logró esto fue un director con una obra casi intachable, que consta de solo nueve películas en treinta años. Su cine se cuida de tener argumentos atractivos, muchas veces cercanos al thriller, pero no por ello descuida una sólida construcción de sus personajes, siempre cargados de emotividad y con unos temas de fondo abordados con seriedad. Eso se puede ver en esa bella y conmovedora película que fue su ópera prima, Mira a los hombres caer (1994), también en De óxido y hueso (2012) y en Un profeta (2009), que ganó el premio del Gran jurado en Cannes, como lo hizo Emilia Pérez; incluso ha sabido realizar, con el mismo buen pulso, obras tan disímiles como un western en Estados Unidos, The Sisters Brothers (2018), y un drama social sobre inmigrantes titulado Dheepan (2015), ganadora de la palma de oro.

La música fue hecha por los franceses Clément Ducol y Camille, y muchas de las canciones están acompañadas de un coro mexicano. Se trata de más de cuarenta piezas que se distancian mucho de las convenciones de los hegemónicos musicales de Hollywood a las que estamos tan acostumbrados, y por ello pudieron jugar con una diversidad de estilos y géneros, incluso con unos originales fraseos a mitad de camino entre el canto y el diálogo. Las letras contribuyen a comentar la trama y a revelar las emociones y sentimientos de los personajes, y algunas de ellas son realmente bellas e ingeniosas, entre las que se podrían mencionar Deseo, Para y Papá.

También el código del musical trae consigo las coreografías, que en este caso igualmente contribuyen a hacer esa transición entre la violenta realidad mexicana a la que se está refiriendo, pero en un tono estilizado y no realista, y lo hace sin excederse con rutilantes vestuarios o escenografías como frecuentemente sucede en este género, y así no se distancia tampoco mucho de ese contexto. De manera que ese equilibrio entre el país y el tema con los elementos del musical, hay que insistir, saca de la ecuación las exigencias de tener que ser fiel reflejo de la realidad. Incluso esto permite pasar por alto aquello que puede ser lo más molesto de la película (bueno, solo para los hispanoparlantes, y en especial para los mexicanos), que es ese español con acento que tienen las actrices, desde el aceptable de la española Karla Sofía Gascón, pasando por el muy marcado de Zoe Saldaña, quien es estadounidense de origen dominicano, hasta el casi inentendible de la tejana Selena Gómez.

Pero esto no quiere decir que la película se agote en este género y su estilización, porque su atractivo empieza por esa premisa argumental, ciertamente tremendista (alerta de spoiler), del poderoso capo mafioso que decide hacer la transición de género y luego dedicarse a la causa de los desaparecidos de la violencia en México. Sería ingenuo exigirle a un musical escrito y dirigido por un extranjero que sea un tratado sobre la realidad mexicana. Para eso están los cineastas de ese país y otros tipos de cine. Incluso se podría pensar que casi todo el mundo conoce el problema de violencia en México causado por las guerras entre los carteles de la droga, pero difícilmente muchos tienen conocimiento de su tragedia nacional con los miles de desaparecidos. Que esta película contraste ambas realidades, y con el mismo personaje como bisagra, resulta ingenioso y muy afortunado.

Pero el asunto de fondo que está en esta impactante trama es todo lo que implica la transformación de los dos personajes centrales, en especial del sanguinario capo que deviene en mujer altruista y activista. De entrada, desafiar las convenciones de género y el reclamo de la identidad propia puede hablarnos más de los tiempos que vivimos que del personaje mismo, pue si bien sorprende, no es para nada impensable, como sí lo sería hace unos años. También es una transformación que planta la idea de que un cambio físico y de género también debería ser de mentalidad, que en este caso es ilustrada de manera extrema sin ser de ninguna manera inverosímil, pues tal mutación está mediada por el arrepentimiento y la voluntad de reparación. Incluso este cambio ético también opera, guardadas proporciones, en el personaje de la abogada.

Se trata, pues, de una película claramente efectista en su argumento, personajes y estilo, pero esto es enunciado desde el primer coro que se escucha con los créditos iniciales y, en adelante, hay que disponerse a este código. Solo de esta forma es posible ver un relato vivaz, que sorprende, emotivo, ingenioso y honesto en la esencia de esas ideas que quiere comunicar.

Un musical para Fellini

Por: Oswaldo Osorio

Los homenajes pueden terminar siendo emotivos gestos o pretensiosos remedos. Y es que ésta no es una película solamente, sino que también es un clásico del cine como referente, más la obra de un maestro de sueños y delirios de celuloide. Es por eso que esta cinta, dependiendo de cada espectador, inevitablemente se verá de dos formas distintas. Quienes conozcan la obra de Federico Fellini y su filme más celebrado por la crítica (Ocho y medio, 1963), podrán ver una cinta cargada de referencias y sentido cinéfilo; de otra parte, quienes no, verán un musical con un argumento tal vez un poco extraño, pero finalmente con el espíritu del espectáculo y hasta el optimismo propio de los musicales clásicos.

Aunque esta película no es exactamente un remake de aquel clásico, pero sólo por un tecnicismo, y es que está basada es en un exitoso musical que sí se inspiró en la película de Fellini. El musical fue creado por Arthur Kopit y Maury Yeston y se estrenó en 1982 con la aprobación del director italiano. Pero es improbable pensar que el director Rob Marshall no tuvo siempre presente el filme y la personalidad de Fellini al momento de hacer esta película, y eso es una de las cosas que inmediatamente se da cuenta quien conoce dichos referentes.

Podría decirse que esta historia es sobre las tribulaciones artísticas y existenciales de un director, un hombre que es supuestamente un genio del cine, pero que por sus acciones parece más bien un ser cínico y mundano. De esto se desprende una afirmación tal vez herética para muchos, y es que la interpretación que hizo hace décadas el gran Marcello Mastroianni, con su actitud bufonesca e indiferente, acentúa el cinismo y el egoísmo sin escrúpulos del personaje; pero el que hace en esta nueva versión otro grande, el actor irlandés Daniel Day Lewis, deja ver a un hombre angustiado y atormentado, igualmente egoísta pero con una sombra de culpabilidad que lo hace más complejo como personaje.

Se trata, pues, del retrato de un genio atormentado, un retrato un tanto estilizado e intelectual, pero que consigue dejar clara su tesis y las diferentes formas en que se manifiesta este tormento: el bloqueo creativo, las dudas existenciales, la complicada relación con las mujeres y el cuestionamiento de su obra. Es por esto que resulta un personaje complejo y atractivo, un ser asediado por su condición de hombre y artista, a quien la única salida que le queda es la huída, porque sólo el que huye escapa, como decía José Gabriel Baena.

Como del fantasma de Ocho y medio sí no se puede huir al escribir de esta película, habría que decir algo tal vez obvio pero necesario, y es que la diferencia entre ambas cintas la marca la presencia de los números musicales. Esa poética delirante, casi circense y un tanto intelectualoide del filme de Fellini, es remplazada aquí por la poética propia del musical, con su gran sentido visual y dramático, así como con esas escapadas a la creación de realidades más cercanas al onirismo y al mundo del espectáculo que a la realidad. Siendo en general todos de buen nivel, hay algunos números realmente ingeniosos y electrizantes, como el que mezcla la danza Saraghina en la playa con el baile de arena de la diva del hip hop Fergie.

Independientemente del musical en que se basa, esta película es un homenaje y reminiscencia al cine de Fellini y a su autobiográfica película, un homenaje que se cuida de hacer la venia de respeto correspondiente, pero que tampoco se  acobarda para dar su propia mirada. Además, tiene en cuenta hacer la conexión directa con el maestro italiano, y esa conexión está dada por Roma, los sesentas, Cinecittà y Sofía Loren (aunque nunca actuó para él).

FICHE TÉCNICA

Dirección: Rob Marshall

Guión: Michael Tolkin y Anthony Minghella

Producción: Marc Platt, Harvey Weinstein, John DeLuca y Rob Marshall.

Música: Andrea Guerra

Fotografía: Dion Beebe

Reparto: Nicole Kidman, Kate Hudson, Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Sophia Loren, Judi Dench, Fergie, Ricky Tognazzi, Giuseppe Cederna, Elio Germano.

USA – 2009 – 118 min.

Contra todos los pronósticos que podrían dar a esta película, de acuerdo con sus componentes, como una más del montón, resulta que ha sido un gran éxito. Y es que se trata de un musical, mezclado con comedia romántica y con toques de película juvenil de vacaciones.

El musical teatral en el que se basa, estrenado en 1999, también fue un éxito, y tal vez la razón de esto no está en el género, ni en su ya conocida trama (la joven que invita a tres viejos amores de su madre para averiguar cuál de ellos es su padre), ni en el tono de comedia, sino que la razón más bien es  la nostalgia musical, específicamente por el grupo sueco ABBA, cuyas canciones son la base del musical, pero también por la época que representa: los setentas y el furor de la música disco.

Ese éxito que la ha acompañado mundialmente no se ha reflejado en Colombia, y es sencillamente porque en este país no pegan los musicales, pues no tenemos esa tradición cinematográfica. Nuestra tradición va por vía del melodrama y el realismo, porque música, sólo en las viejas películas de Disney, en las que ya dejaron el “vicio” de cantar y bailar cada diez minutos.

Esta película, protagonizada por una enérgica y versátil Meryl Streep, alcanza a ser divertida y entretenida, pero si y sólo si (como decíamos en matemáticas) hay una afinidad por ABBA y su música, por lo demás, es una más de todo lo demás.
I.M.

Todo lo que necesitas es amor

Por Oswaldo Osorio 

Ésta es una película para los amantes de The Beatles, pero también para quienes se entusiasman por los idealismos y luchas de los años sesenta, así como para los que gustan de un cine colorido, apasionado y estimulante. No se trata tampoco de una obra maestra del lenguaje cinematográfico, de hecho, más bien es una pieza imperfecta en su elaboración, sobre todo en su guión y construcción de los personajes, pues tanto el uno como los otros están condicionados por las letras de la música del cuarteto de Liverpool. Pero es justamente esta música y la época que la produjo, la razón por la que un cinéfilo, más aún si es melómano, debería ver esta cinta.

Con esta descripción, por supuesto, se está hablando de un musical, pero uno realmente singular, porque está precedido por un mito casi tan grande y popular como el cine mismo, la banda más famosa de la historia del rock, tan famosa como Jesucristo, como alcanzaron a afirmar ellos mismos en su momento y, de paso, a escandalizar a susceptibles ciudadanos que corrieron a quemar sus discos.

Música, paz & amor 

La carrera de The Beatles comienza en 1960 y termina en 1970, y en su mejor momento coincide justamente con el movimiento contracultural, la etapa de mayor excitación de la década más convulsiva de su siglo. También coincide con el periodo definitivo del rock, cuando se encuentra en plena efusividad adolescente y comienza a dar signos de madurez y de ir camino a convertirse en una manifestación importante y perdurable. Estos dos procesos, el cultural y el musical, están presentes en la película de July Taymor, todo de la mano de las canciones y letras de los “cuatro fabulosos”, algunas de las más populares de la música de todos los tiempos.

Es casi natural que se trate de una historia de amor, porque todo lo que se necesita es amor, según rezaba la principal máxima de The Beatles. Pero no sólo es una historia de amor romántico, sino también de amor humanista, pues la pareja protagónica está rodeada de unos personajes y un contexto que apuntan a las ideas, luchas y acontecimientos que dieron forma a la década del sesenta y al movimiento contracultural.

Desde la “militancia pacifista”, pasando por las drogas, la guerra de Vietnam, el hipismo, la sicodelia y, naturalmente, la fuerza con que surgía el movimiento musical, todo esto fue comentado por las letras de la banda y, consecuentemente, por esta película, pues su guión, hace décadas y sin sospecharlo, fue escrito por Lennon y McCartney (con esporádicas colaboraciones de Harrison), puesto que July Taymor sólo las unió en un argumento y puesta en escena que en general fueran coherentes con el espíritu de la época y lo que de ella quisieron decir estos míticos artistas.

Sicodelia y policromía

Ese espíritu también está reflejado en el aspecto visual, porque de hecho, pocos periodos han sido tan marcadamente visuales como la segunda mitad de los años sesenta, sobre todo por la explosión sicodélica que significó la música y el uso de drogas como la mariguana y el LSD. Es por eso que en esta película está presente esa avasalladora visualidad, tanto en la puesta en escena como  en los efectos visuales e, igualmente, en las coreografías creadas para muchas de las canciones, con lo que, además, el filme conecta directamente con los grandes musicales clásicos, pero en una perfecta adecuación a la época a la que hace referencia.

Es evidente que el énfasis y principal atractivo de la cinta está en la música. Aunque en principio parece cargar con el inconveniente de pretender hacer versiones de canciones perfectas hechas por la célebre banda, estas versiones funcionan muy bien dentro del contexto de la historia. Las modificaciones están hechas en función, más que de la música, de la dramaturgia, y esto implica en el filme una mayor carga emotiva a la hora de ver los números musicales, los cuales conducen al espectador a un “viaje” a la esencia de esta idealizada época, permitiendo efectivamente sentir el espíritu de un momento histórico de la cultura mundial, uno de los pocos momentos en que casi toda la humanidad estuvo sintonizada con unas mismas búsquedas e ideales, y a esta sintonía, sin duda, contribuyó en buena medida la música de esta influyente banda de rock.

FICHA TÉCNICA
Tïtulo original: Across the universe
Dirección: Julie Taymor.
Interpretación: Evan Rachel Wood (Lucy), Jim Sturgess (Jude), Joe Anderson (Max), Dana Fuchs (Sadie).
Guión: Dick Clement e Ian La Frenais; Producción: Suzanne Todd, Jennifer Todd y Matthew Gross.
Música: Elliot Goldenthal.
Fotografía: Bruno Delbonnel.
USA – 2007 – 131 min.

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