Más político que cine

Oswaldo Osorio

Casi nunca en una película nada es un accidente, todo suele estar planificado con cuidado e intencionado en función de unos propósitos. A las películas bien hechas no se les nota esa calculada intención, las cosas ocurren como si así fuera la vida o están revestidas de una fundada verosimilitud. No obstante, el dilema al ver esta película de Panahi es que sí se le trasparentan de mala manera esos cálculos e intenciones y, aun así, no es posible decir que es una obra malograda, todo lo contrario, resulta ser una potente pieza en su desarrollo y certera consiguiendo sus objetivos.

En la ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes 2025 un hombre es secuestrado por varias víctimas de la represión del régimen iraní. Lo acusan de ser su torturador y, en un periplo de un día, van y vienen por la ciudad con el dilema de qué hacer con él. El dispositivo narrativo que se hace más evidente es la configuración del grupo de víctimas, conformado por cinco personas con personalidades arquetípicas, creadas para defender un distinto punto de vista frente a la azarosa situación: está el noble y torpe, la cerebral, la emocional, el iracundo y el neutral.

Son estas personalidades la brocha gorda con que este director y guionista traza su discurso, un poco obvio y panfletario, en contra de ese régimen que siempre lo ha perseguido, censurado y encarcelado. No hay sutileza alguna en las denuncias y detalles que pone en boca de sus personajes, quienes aprovechan esos momentos dispuestos por el guion para tener sus exaltadas discusiones, que son el vehículo para revelar las horridas prácticas del sistema.

Esos distintos momentos están separados por diversas situaciones y peripecias que van desde lo jocoso hasta lo absurdo. Se les vara la camioneta, son extorsionados por un par de vigilantes y hasta llevan al hospital a dar a luz a la mismísima esposa del torturador. De manera que uno pasa de esa angustiante tensión del secuestro, a la risa nerviosa de ciertos pasajes que bien se podrían clasificar como humor negro, y luego al extrañamiento por lo inverosímil que a veces resulta su argumento.

En otras palabras, es una película que reprueba en guion, por su falta de sutileza y su forzada elaboración, pero aprueba en la pertinencia de su contenido y en la contundencia con que deja clara su premisa. Porque si bien la denuncia de la verticalidad y represión del régimen nos la recalcan en letra despegada, a los gritos, en repetidas ocasiones y de diferentes formas, entre líneas es mirada la sociedad iraní, su idiosincrasia y problemáticas, pero, sobre todo, es una obra que propone una declaración ética frente a la violencia y al odio, a lo que antepone la resiliencia y hasta el perdón, dejando claro lo contradictorio que sería comportarse como los victimarios.

Como muchas de las películas de Jafar Panahi, esta claramente es cine político, aunque se impone el componente político sobre el cinematográfico, donde el primero es elaborado y eficaz, mientras que el segundo se antoja más desprolijo y al servicio de esa agenda que siempre ha defendido este director.

Una guerra se hace con mentiras

Por: Oswaldo Osorio

Los fanáticos del cine de acción tal vez salgan decepcionados de esta película. Y es que está siendo anunciada como una cinta de acción y, para ajustar, es protagonizada y dirigida por los mismos que hicieron la exitosa saga de Jason Bourne. Sin embargo, de acción tiene muy poco, prácticamente solo la secuencia del clímax. En lugar de eso, el espectador se encontrará con un intenso y contundente thriller de espionaje ambientado en la guerra de invasión a Irak y con un marcado tono de denuncia política.

El director inglés Paul Greengrass ya tenía un reconocimiento en el cine político con filmes de gran fuerza como Domingo sangriento (2002), Omagh (2004) y Vuelo 93 (2006). Las dos últimas entregas de la saga de Jason Bourne fueron una sorpresa para quienes lo conocían, porque no se le veía como un director de cine de acción, y aún así, supo hacer la diferencia y crear dos películas que tomaron distancia de las convenciones del género, sobre todo por la estética realista con la que fueron concebidas.

Esta nueva película, que es una adaptación del libro de un analista político y corresponsal del Washington Post en Bagdad, es la perfecta combinación de esas dos facetas del cine de Greengrass: la envolvente acción realista que se le vio con Jason Bourne combinada con la solidez y complejidad de su contenido político. Pero sobre todo, el tono de denuncia es el que se impone en la propuesta de esta cinta.

Porque tal vez sea la primera producción comercial que habla claro y en voz alta sobre la gran mentira de las armas de destrucción masiva que supuestamente tenía Irak, que fue con lo que Estados Unidos justificó la invasión en 2004. La administración Bush, junto con  la vergonzosa complicidad de la prensa, son aquí puestos en evidencia, así como las contradicciones que se dieron al interior de las agencias del gobierno y del mismo ejército.

Lo significativo aquí es que estos cuestionamientos políticos son hechos por una película de consumo masivo, que además llega luego de que el gran público y la Academia de Hollywood le dieran su bendición a una película como Zona de miedo (Katherin Bigelow), con su discurso patriotero y la idealización del héroe descerebrado que valientemente lucha en Irak por la democracia. La cinta de Greengrass, en cambio, propone un héroe pensante y cuestionador, cuyo patriotismo está más cerca de la búsqueda de la verdad que de seguir ciegamente las inconsistentes órdenes.

La dupla Matt Damon y Paul Greengrass, entonces, sorprenden de nuevo con una película que no es lo que parece, que si bien está cimentada en el cine de género y construida a partir de elementos muy atractivos para el gran público (incluyendo algunas dudosas concesiones), también es un filme que trasciende el mero entretenimiento y que, justo cuando acaban de salir las tropas gringas dando fin –al menos oficialmente- a la invasión, presenta sus argumentos y plantea un alegato sobre las dudosas razones que originaron esta abusiva guerra.

FICHA TÉCNICA

Título original: Green Zone

Dirección: Paul Greengrass

Guión: Brian Helgeland; inspirado en el libro “Imperial life in the Emeral City: Inside Iraq’s Green Zone” de Rajiv Chandrasekaran.

Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lloyd Levin y Paul Greengrass.

Música: John Powell.

Fotografía: Barry Ackroyd.

Reparto: Matt Damon, Greg Kinnear, Amy Ryan, Brendan Gleeson, Jason Isaacs, Khalid Abdalla.

USA, Reino Unido, Francia – 2010 – 118 min.

Película para un actor

Por: Oswaldo Osorio

Ésta película es de Sean Penn. No por el Oscar, pues si ese premio realmente hiciera justicia, ya hace mucho y un par de veces que se lo habría ganado. De ahí que quienes eventualmente se la vean doblada se perderán lo más importante. Así mismo, quienes conozcan la filmografía del actor seguramente la disfrutarán más. Por ejemplo, aquellos que vieron Río místico o Todos los hombres del rey, no podrán más que complacerse con el personaje que en esta nueva película hizo el mismo actor. 

Así que es una cinta más de actor que de director. Eso a pesar de estar dirigida por un cineasta de respeto que ha realizado un puñado de joyas, como Cowboy junkies, Perdidos en la noche, Todo por un sueño o Elephant. Pero también es el mismo que ha dirigido infortunadas y complacientes cintas como Good Hill Hunting y Encontrando a Forrester, y qué decir del innecesario gesto de repetir (no de hacer su propia versión) nada menos que Sicosis.

En Milk lo único que hay de su buen cine es, a lo sumo, la coincidencia temática con algunos de sus mejores títulos, por lo demás, se trata de una película que pudo haber hecho cualquier otro director, y no necesariamente de mucho talento. Y es que es una película que casi termina perteneciendo a ese subgénero practicado con calculada asepsia en Hollywood, llamado biopic (biografías cinematográficas), que casi siempre apenas si tiene un interés informativo. 

En este filme se impone una dinámica argumental jalonada por las victorias políticas de Harvey Milk y su movimiento. Ahí está puesto todo el énfasis, en el personaje en relación con la gesta que promovió y le tocó vivir: el primer homosexual declarado que fuera electo por voto popular a un cargo público en Estados Unidos a mediados de los setenta. El retrato que hace Gus Van Sant se ocupa de dar cuenta de ese evento y sus consecuencias más inmediatas y externas. Ni más ni menos.

Si bien es cierto que de fondo quedan bosquejados los argumentos y las implicaciones éticas, políticas y sociales del debate sobre la lucha por los derechos civiles para los homosexuales en ese país, así como la doble moral y la intolerancia puritana de muchos en aquel entonces, apenas llega a ser eso, un bosquejo de lo que pudo ser una reflexión más profunda, pues todo eso termina arrinconado por la sistemática sucesión de acontecimientos, situaciones y personajes.   

Incluso los momentos más dramáticos, como el suicidio, por ejemplo, son pasados tan despreocupada y rápidamente como cuando en un libro el elector se encuentra con una página en blanco. Porque una probable construcción sólida e intimista, de su sexualidad si se quiere, es sacrificada por el personaje político, sus batallas de turno y las preocupaciones del momento. 

El conflicto político es importante, es nada menos que el leivmotif de toda la historia, pero todo eso sin desarrollar sólida y profundamente los temas políticos implicados ni la personalidad de su protagonista más allá de lo anecdótico, simplemente se queda en la recreación informativa de un hecho y un personaje históricos. 

Por eso, si bien es cierto que este texto empezó alabando a Sean Penn y su interpretación, fue porque es lo que más se destaca, no necesariamente por ser lo ideal, pues un mejor personaje habría dado una mejor interpretación. Y ésta sólo sirve para el lucimiento de su versatilidad y, claro, para ganar premios como el Oscar, que se especializan en galardonar a este tipo de personajes, que no de actores.  

FICHA TÉCNICA

Dirección: Gus Van Sant

Guión: Dustin Lance Black

Producción: Dan Jinks y Bruce Cohen

Música: Danny Elfman

Fotografía: Harris Savides

Reparto: Sean Penn, James Franco, Emile Hirsch, Josh Brolin, Diego Luna, Alison Pill, Victor Garber, Denis O’Hare.

USA – Año: 2008 – 128 min.

La técnica hipnótica

Por: Oswaldo Osorio

Ésta es una de esas películas que se esperan con ansia para verla en cine. Desde hace muchos meses está disponible en video, pero ante las referencias de su belleza visual, se hacía imperativo esperar a verla en la gran pantalla y con la textura del celuloide. Y efectivamente, resultó ser un estimulante espectáculo visual, el cual, sin embargo, no tiene una correspondencia con lo que propone y cuenta en esos trazos creados con ingenio y gracia. Es decir, se trata de otra película más cuyas virtudes llegan sólo hasta su propuesta formal, que en este caso, por su belleza, resulta casi hipnótica.

Pero al chasquear los dedos y despertar de la hipnosis formalista, de la muy personal y atractiva propuesta gráfica, sólo es posible ver una historia esquemática en su argumento y en su tratamiento narrativo. Tal vez este esquematismo haya sido heredado de la novela gráfica que le dio origen, donde sí puede ser justificable por la falta de movimiento y banda sonora propios del cómic, pero en la película es una carencia más que evidente. La autora de la novela gráfica es Marjane Satrapi, quien hace en ella historia autobiográfica y, por la fidelidad de la película, aparece como codirectora de la cinta.

La técnica es sólo el medio

Esta situación es muy común en el cine, esto es, que por su base tecnológica, cada innovación en la técnica o su manejo, resulte por sí sola atractiva y con el carácter de virtud. Así ocurrió, por ejemplo, con las primeras películas que explotaron la imagen digital, la cual ahora, como se ha vuelto un recurso común, a nadie se le ocurre decir que un filme es bueno sólo por usarla, como ocurrió con los dinosaurios de Spielberg.

Algo parecido está ocurriendo con un cortometraje colombiano llamado Rojo red (Juan Manuel Betancourt, 2008), con el que hay una surte de euforia en muestras y festivales,. Pero si se mira bien, es sólo el descubrimiento de un efecto entre divertido y fascinante, pero en últimas nada se dice con él, sólo lo usa. Y es que la técnica, ya sea el dibujo animado de Persépolis o el novedoso efecto de Rojo red, es necesario aplicarla creativamente, usarla como un medio, no como un fin.

Persépolis bien podría llamarse “historia ilustrada de Coquito del Irán contemporáneo”, o también, “melodrama biográfico de una mujer inconsistente”. Porque si se toma por el recuento que hace de la historia reciente de Irán, la película resulta más que simplista y obvia. Todo lo reduce a unos hechos históricos harto conocidos y a las consabidas condiciones de represión, en especial contra las mujeres, del régimen islámico.

Con esa riqueza de propuestas que ahora tiene la cinematografía de este país para hablar de su realidad, la de esta cinta animada palidece por su reduccionismo y colección de lugares comunes. Está bien que se haga cine político de denuncia, pero debe haber una mínima elaboración que trascienda el mero pasquín audiovisual. Y no es excusa que, por tratarse de una animación, se empleen recursos maniqueos, donde imágenes e ideas definen en un trazo a buenos y malos, como si de cine infantil de animación se tratara. 

La persona o el personaje

De otro lado, tenemos la historia personal de Marjane, quien resulta un personaje si no inverosímil, al menos tremendamente inconsistente. La cuestión es que, al juzgarla, si se trata de una historia autobiográfica ¿Estamos juzgando a la persona o al personaje? ¿O será que, como suele suceder, la misma Marjane Satrapi hizo concesiones a favor de lo dramático y argumental para que funcionara narrativamente mejor el filme?

El caso es que en todas sus etapas vitales resulta una mujer (o personaje) molesto: primero por esa artificial precocidad cuando niña, que como es usual, parece más una infanta hablando con la voz del guionista; en su adolescencia y juventud, es una rebelde más sufriendo por los hombres, para quien parece no contar la sólida formación familiar ideológica y emocional que tuvo y el conflictivo lugar de donde viene, el cual le formó el carácter, como se sugiere en algún momento; mientras que de adulta resulta primero suicida y luego mal casada, nuevamente contradiciendo toda esa carga reflexiva e ideológicamente consciente que cruza el relato.

Y además, todo esto contado como cualquier melodrama biográfico, con pretensiones de cinismo pero sin conseguirlo, y para colmo, con una voz en off omnipresente que siempre está queriendo decir más que la imagen, quitándole así el protagonismo a la única virtud del filme.

En resumen, es cierto que con esta cinta hay un deleite  con las imágenes, por la belleza e ingenio de muchas de las animaciones, cosa que se agradece en esta era donde la animación en 3D se hace cada vez más común y sintética, pero es necesario que la belleza y el ingenio también estén en los otros recursos del cine: en la narración, la historia, sus personajes, el planteamiento de las ideas, etc., porque la imagen, aunque muchos hipnotizados así lo crean y sea una perogrullada decirlo, es sólo una de las tantas partes de ese complejo universo que es el lenguaje del cine.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
Música: Olivier Bernet.
Francia – 2007 – 95 min.

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