Solo quiero que me amen

Oswaldo Osorio

“No es un biopic, es una fantasía musical”, dijo Taron Egerton, el actor que interpreta a Elton John en esta película sobre la vida del célebre cantante. Pero en realidad, se trata de las dos cosas, una biografía cinematográfica y un musical con las características de ese género caído en desuso hace décadas y solo revisitado eventualmente. Y es justo esta combinación lo que puede diferenciar a este filme de otros biopics que recurren una y otra vez a los mismos esquemas, que se quedan en el plano expositivo de los hechos y donde se echa de menos la creatividad.

Como biopic, es igual a todos, incluso emplea el recurso más trillado del género: empezar el relato en un punto crucial de la vida del personaje en cuestión, en este caso cuando el cantante llega a rehabilitación por sus adicciones, y desde allí se devuelve alternadamente a distintos episodios de su historia que empiezan por la infancia. También tiene otro recurso harto conocido: el mismo protagonista es quien relata y comenta esos episodios, usando como excusa una terapia de grupo, y lo hace de manera reflexiva y aprovechando la perspectiva temporal y un nuevo estado de conciencia de sus actos e identidad. Pero claro, no por ser recurrentes esos recursos dejan de ser eficaces narrativa y dramáticamente, es por eso que se usan tanto.

Sin embargo, estos cansados gestos narrativos son matizados y enriquecidos por el componente musical. Pero hay que aclarar que la mayoría de biopics sobre músicos no tienen números musicales sino momentos donde ellos interpretan su música, como se pudo ver, por ejemplo, recientemente en Bohemian Rapsody (2018). En esta película, en cambio, se trata de momentos concebidos a partir de los códigos del musical como  género cinematográfico, esto es, interpretaciones que rompen con la lógica realista de la narración y en la que esta se disloca hacia una puesta en escena de canto, baile y coreografías que tiene más que ver con el mundo del espectáculo que con el mundo real.

Adicionalmente, estos números musicales, que además coinciden con las más populares piezas de Elton John, sirven también para comentar o ilustrar esas situaciones, emociones y sentimientos que marcaron su vida, una vida cruzada por el contraste entre el éxito y un estado de soledad consecuencia del vacío o las carencias de sus relaciones, empezando por las que tuvo con sus padres, quienes se mostraron siempre fríos y distantes. Entonces el relato transita por todos esos sentimientos adversos y su contrapunto con los momentos de éxtasis de su éxito y reconocimiento. La mayoría de veces logra este tránsito con fortuna, como la triste y decepcionante visita a su padre; pero algunas son afectadas por los afanes de quererlo incluir todo, como ese matrimonio de cuatro años despachado con una trunca escena de desayuno.

En general la película resulta una experiencia entretenida, emotiva y vivaz. El espectador puede conocer los principales sucesos de esta historia de vida y de éxito, pero también se puede conmover y deleitar con los creativos y expresivos número musicales, entre los que llaman la atención los que son corales, y en especial aquel en el que la familia interpreta I Want Love, un momento que resume bien la esencia de los personajes y el tono de la película.

De la lustración musical

Oswaldo Osorio

Es difícil hacer una biografía cinematográfica sin que sea solo una ilustración de los hechos que vivieron sus protagonistas, en este caso la banda inglesa Queen y su vocalista Freddie Mercury. Más que una cronología de acontecimientos, un biopic debe ser, valiéndose del poder expresivo del cine, la representación de ese espíritu que define a las personas de las que está hablando. Esta película tiene más de ilustración que de la representación de ese espíritu, por lo que su valor puede ser relativo, dependiendo del tipo de espectador que la vea. 

Para quienes no estén muy familiarizados con Queen y la escena rock de la época, puede ser una verdadera revelación la música de esta banda y la personalidad de su vocalista, así como su deseo de experimentar y correr los límites del rock, el éxito casi sin obstáculos que tuvieron desde el primer momento y esa unión entre ellos que permitió crear esta obra única de la música contemporánea; así que todo eso puede resultar muy emocionante y entretenido, sin embargo, también es el típico esquema de “nace una estrella”, una aproximación a los biopics musicales que se ha repetido en el cine hasta el cansancio desde hace ochenta años, desde Judy Garland hasta Lady Gaga.

Igual ocurre con la excesiva presencia de la música. Es cierto que se trata de un biopic musical, pero recrear casi toda la intervención de la banda en Live Aid estaba de más; y es que ¿Por qué querer ver música de Queen por casi veinte minutos interpretada por otros? Esta es otra muestra del tono ilustrativo con el que fue concebido este filme. Para escuchar la música de Queen es para lo que están sus discos, sus videos o hasta Spotify. En una película se esperaría encontrar lo que no está en las grabaciones, como el proceso creativo, por ejemplo,  lo cual se ve con la canción que le da título a la película.

Solo hay un largo segmento del relato que ofrece algo más que lo que se puede encontrar en Wikipedia o en los discos de Queen, algo que es para lo que vale la pena ver cine: esa capacidad para dar cuenta de las honduras y complejidad al interior de una persona, y también de las emociones y los estados de ánimo. Ese segmento es el retrato íntimo y doloroso que hacen de la soledad de Mercury, en el que realmente crean un sentimiento opresivo y de vacío en medio de esa esa mansión, de ese enorme éxito y de esa multitud de compañeros de fiesta.

También la película consigue algunos momentos de gran carga emotiva cuando habla de la complicada relación del vocalista con Mary y con sus dos familias, la de sangre y la musical. Pero solo son eso, momentos o segmentos entre todo el trámite de hechos biográficos, episodios anecdóticos y hasta tediosos pasajes musicales. Yo estoy seguro de que Queen es más que anécdotas y célebres canciones (solo aparecen aquí los hits radiales, por supuesto): es uno de los más grandes grupos de la historia del rock, el encuentro perfecto de cuatro talentosos músicos, la sublimación de un arte popular y el espíritu libre e inquieto de una banda que creó una obra significativa con canciones eternas, y más bien poco de esto se encuentra en esta película.

Construyendo la identidad del cine colombiano

Verónica Salazar

Escuela de crítica de cine

Pelucas y rokanrol es la historia de Dino González, un peluquero rockero que se enamora, aparte de la música, de una sargento de la policía, con quien desarrolla una relación que pasa por numerosas etapas en los 90 minutos que dura la cinta. Su relación con esta atraviesa lo sentimental y lo legal, por lo que se alcanza a ver a los personajes en distintos matices que entablan un juego con el espectador y lo invitan a acompañar, mas no a sumergirse en la historia que tiene en la pantalla.

Un logro de la película es que da cuenta de una Bogotá diversa, habitada por el goce, la supervivencia, la cotidianidad, presentada desde las dinámicas básicas hasta las más curiosas. Todo en el microcosmos que se representa en unas cuantas calles de Chapinero: una peluquería, una estación de policía, un bar, un parque. Divide estos aspectos en el día y la noche y poco a poco estos se van encontrando, lo que es presentado desde planos llenos de color y con mucha vida, que se complementan de forma grata con la música de Mario Duarte, el guionista, actor principal, músico y director de este filme, su ópera prima. También cuenta con la participación de Nina Caicedo, Hernán Cabiativa, Clara Sofía Arrieta y Harold Córdoba.

Es inquietante que una obra se promocione tanto como una pieza de comedia cuando este elemento no se explora más allá de la exageración. Sin embargo, se podría decir que los varios absurdos que se distribuyen por el guion se justifican dentro del mismo argumento. Bebe mucho del contexto colombiano y la realidad de muchas personas que se la rebuscan, refleja diversas situaciones como el rebusque para conseguir plata, las relaciones amorosas, el contraste en los oficios, la ley y lo clandestino; todos esos aspectos cotidianos que llevan ya una gracia propia tienen protagonismo en un principio, y más adelante son tratados con menos tacto, hasta encontrarse con una serie de eventos que pierden verosimilitud. Es esta la forma de humor ante la cual estamos, cuando la doble vida de un peluquero ya no es tan doble y se convierte en una sola vida pero llena de matices.

Lo que promete, y en parte cumple, es con la posición frente a los estereotipos. No los rompe por completo, como asegura, pero es curioso ver que en los protagonistas: Dino, sus dos amigos, y la sargento, hay menos roles establecidos que los que lleva una película tradicional. Sin embargo, hay un esfuerzo por llevar a los personajes secundarios, con los que Dino tiene algún conflicto o de quienes necesita algún favor, al arquetipo. Es muy evidente en los periodistas que entrevistan a Dino para reseñar su música, pues al menos uno de estos, “el contemporáneo”, alcanza un nivel caricaturesco del oficio. Esto funciona bien como una crítica a la industria de la música, pues se burla del camino hacia el éxito desde ese humor absurdo que puede no conectar con todos. En escenas como el primer concierto de Dino, donde hasta el espectador podrá pensar que le están tomando el pelo, está evidenciada esta sátira un poco ilógica pero que condensa la caricaturización de la situación: un músico buscando darse a conocer en un entorno que busca otras cosas.

La entrega es una agradable sorpresa por su creatividad, lo difícil que es ubicarla en una sola categoría del cine colombiano (no es humor criollo en su totalidad ni es una pieza exótica hecha para el espectador extranjero) y la elocuencia que logra, teniendo en cuenta que es una ópera prima; tiene la huella de Mario Duarte por todas las etapas de creación, lo que la hace auténtica y, aunque caiga en lo hiperbólico de vez en cuando, logra construirse una identidad de estilo y lenguaje bastante entretenido. Se aprovecha mucho al autor y se logra una conexión con el público local, su principal objetivo y su principal aliado.