Sometimes silence is the deadliest sound

Manuel Zuluaga – Escuela de Crítica de cine

Pantalla en negro, se oye la voz áspera y juvenil de Martin Scorsese que dice al protagonista de su película con cierto tono agresivo: “Los pecados no se redimen en la iglesia, se redimen en las calles, se redimen en casa, el resto es cuento y tú lo sabes…“ Así  inicia Malas Calles, tercer largometraje de su carrera, estrenado en 1973. En contraste, el inicio de Silencio, su nueva película. Pantalla en negro, se oye el ambiente de una selva lluviosa, de repente, un silencio total y un título gigante, inicia el film.

La primera, en la Nueva York de los años setenta,  trata sobre un aprendiz de gangster que se ve envuelto en problemas por los atrevimientos de sus amigos, a quienes busca proteger como acto de redención ante dios. La segunda, trata sobre el esfuerzo inhumano de dos posiciones, por un lado, el de los peregrinos de la iglesia católica en Japón, y por el otro, el de los líderes japoneses que buscan exterminar esta empresa. Ambas enfrentadas por un acto de fe, y en la que cada personaje vive su propio acto de contrición en la búsqueda por mantenerse firmes en sus objetivos, y que el proceso no les desbarate la fe.

Las dos escenas mencionadas, dan muestra de los intereses que rondan la obra scorsesiana, redención y sentido espiritual; ambas presentes a través de recursos narrativos acertados, y sobre todo, de una posición personal clara. El italoamericano en algún momento de su vida quiso ser sacerdote y esto ha influido en su obra, tanto como para Bergman influyó que su padre fuese un pastor luterano represivo.

Esta vocación fallida, hace presencia en cada una de sus películas, pero en Silencio, retoma de una manera más explícita sus inquietudes de fe, rescatando la tenacidad del ser humano por continuar, por cumplir sus propios objetivos, como un asunto de fe en sí mismo. Es decir, su interés está en presentar unos personajes que en el fondo no se traicionan, sino que avanzan con convicción, y esta llega por mandato divino. Ya en Kundum (1997), exploraba esto, cómo los seres humanos somos capaces de anteponemos a situaciones  infranqueables, cómo un pequeño Dalai Lama debe regir un mundo espiritual y soportar la invasión china al Tíbet.

Scorsese desea, entonces, representar la fuerza y tenacidad humana, y cómo se busca un apoyo en la religión para sobrellevar la maldad, la existencia. Su logro está, en que no se vuelve un panfleto y alabanza a la fe, sino que, por el contrario, es una crítica dolorosa y real, de cómo viven la fe los católicos. Quizá en ello peca la película, en partir de la intención de hacer una obra de católico para católicos. Sin embargo, este efecto puede variar según la fe que se profesa, con otras religiones monoteístas seguro logra algo parecido.

Con una fotografía impecable de Rodrigo Prieto, ya reconocido por el valor de sus imágenes en Biutiful y Amores perros, que retratan la belleza del mundo pero también su mortalidad, cada imagen logra comunicar esa manifestación severa de Dios, de su olvido, y que contrasta con la propuesta misma de la fe católica. La construcción visual y desde el montaje, de escenas como la de la crucifixión de los tres japoneses en el mar, o la decapitación de un hombre, dan muestra de los actos estilizados de un dios severo, más parecido al del antiguo testamento, pero que hasta un momento vital, al final de la película, no tiene una manifestación distinta.

El elemento que no termina de convencer, es el reparto. Inicialmente para el proyecto entrarían Daniel Day-Lewis y Gael García Bernal en los personajes que terminarían interpretando Liam Neeson y Andrew Garfield, lastimosamente no se concretó. Estos dos actores, al contrario que Bernal y Lewis, tienen un historial de películas que no les favorece al momento de verlos en el papel de unos sacerdotes del siglo XVI, y el efecto de esto aparece en varias escenas de alto contenido dramático. Sin embargo, se rescata la actuación de Adam Driver como el padre Garupe, con una fuerza inigualable, y una consistencia propia de los personajes de Scorsese.

Por otra parte, inquieta el personaje de Kishijiro, un cristiano japonés que cada vez que se ve amenazado de muerte por sus creencias, renuncia a ellas sin dudar, pero vuelve con arrepentimiento evidente, así a lo largo de la película. Su voluntad, está quebrada como su alma, como si se tratase de los hipócritas que dicen vivir la religión, o como si representase aquellas personas que no pueden renunciar al pecado, porque entienden que allí están sus verdaderos ideales. Este último asunto, es más cercano a los tratamientos de Scorsese, en personajes como Henry Hill (Buenos Muchachos) o Jordan Belfort (El lobo de Wall Street).

Silenco es una película que, tranquilamente, se puede reseñar como un redescubrimiento de Scorsese, ¿pero qué tanto se descubre, si es lo mismo, solo que en modos distintos?

Cuando el alma interfiere

Santiago Colorado – Escuela de Crítica de cine

Lo primero que hay que entender es que esta no es una película compleja. Si bien su título se refiere a la difícil cuestión de creer o no en un dios silente, este tema solo es abordado en un par de escenas y únicamente a través los pensamientos del protagonista, sin que esto intervenga en sus acciones; quedando así relegado a un segundo plano y dando paso a otros tópicos más importantes en el relato. En ellos, Scorsese pareciera desarrollar un escabroso dilema, pero en realidad lo único complejo allí son las situaciones que se presentan, mas no el tema como tal; y aunque claramente las decisiones que deben tomar los personajes son complicadas, eso no hace que ellos lo sean.

Más que una reflexión compleja, esta cinta es una exploración sobre la inmutabilidad de las creencias. Y aunque esta tesis puede ser tan válida como cualquier otra, su planteamiento restringe la diversidad propositiva de la película y el conflicto obliga a que los personajes se encasillen en una posición u otra, para luego desacreditar dicho conflicto y terminar concluyendo que nadie puede cambiar su fe. A pesar de las complicadas situaciones de la película, al final ninguno de los personajes sufre un cambio ideológico, y aunque no siempre tiene que haberlo, esta homogeneidad se torna un poco inverosímil y hace que los personajes sean menos interesantes.

De igual manera, otro importante inconveniente es el innegable maniqueísmo que hay en el tratamiento de la historia. Aunque hay varias ocasiones en que se intenta comprender el punto de la vista de los líderes japoneses, al final esas intervenciones terminan siendo una mera fachada para disimular el favoritismo de la película hacia el protagonista y la constante villanización de quienes piensan diferente a él. Todos los argumentos de la película llevan a concluir que los líderes japoneses son ‘los malos’ y todas las manifestaciones cristianas terminan encontrando su redención; de nuevo, tornando el discurso de la película en algo un poco inverosímil y, sobre todo, situándolo en una amañada y categórica posición que termina afectando la percepción de lucidez y claridad de la película.

Y es que aunque la religiosidad de Scorsese le sirve de combustible a la cinta, a la vez parece que afecta la claridad de sus elementos. Un ejemplo particular es el montaje: extrañamente, en esta oportunidad resalta como otro desacierto por sus tendencias experimentales y preceptos facilistas (como el uso innecesario de flashbacks). Aquí la edición no sólo sacrifica la continuidad en favor del ritmo sino que compromete los cimientos básicos de claridad narrativa. Shoonmaker pareciera agotar su característica más distintiva como editora haciendo una cierta mezcla entre Goddard y Malick que, más que innovadora o necesaria para el la película, termina siendo una distracción.

Sin embargo, la principal distracción son las actuaciones: los desacertados e inconstantes acentos de los protagonistas son casi insoportables y anulan toda credibilidad en los personajes con respecto a sus nacionalidades; es tanto que el personaje de Liam Neeson ni siquiera intenta adoptar alguno de los acentos que debería (el de su país natal o el del país de residencia). Esa frustración se complementa con una incómoda falta de química entre todos los personajes, probablemente enfatizada por sus caracterizaciones poco interiorizadas. Bien sea por un fallo de casting o por falta de atención a los detalles, estos inconvenientes ciertamente evitan que haya una completa conexión con las emociones, sobre todo en las situaciones medulares.

A pesar de esto, aunque los personajes poco complejos –y sus actuaciones– no ayuden a profundizar el vínculo con el espectador, la historia logra salir adelante gracias a una bien pensada estructura y es válido decir que la película posee otro tipo de elementos valiosos, como la dirección de fotografía y detalles como el de incluir la voz en off de Dios; un bello y poderoso recurso que, aunque arriesgado, realza una película en donde, lastimosamente, las pretensiones ideológicas y algunos otros desniveles opacan ese tipo de aciertos.

Silencio se percibe a simple vista como una obra atractiva, a pesar de sus contundentes problemas; y si se mira en retrospectiva, puede que algunos de los inconvenientes más superficiales se difuminen y permitan ver que, aunque no alcance la excelencia de los trabajos más icónicos de Scorsese, sí representa una de sus películas con más alma, para bien o para mal.