Los caminos del Señor

Por: Oswaldo Osorio

En la lucha contra el demonio es posible alejarse de los caminos del Señor, dice el personaje de Meryl Streep en esta película. Y pensando en una lógica parecida, para tratar un tema harto delicado, fundado en acciones que con seguridad violentan y causan sensación, lo mejor es no asumirlo directa y explícitamente, o al menos así parece que lo decidió el director de esta cinta (también su guionista y autor de la obra original). Y es por este distanciamiento entre el tema y su tratamiento que esta película, de forma modesta y sutil, hace mucho más efectivo y elocuente lo que sobre el asunto tiene que decir.

Este asunto recurrente, sobre todo en los últimos años (y no sólo en el cine), tiene que ver con los abusos sexuales por parte de sacerdotes católicos contra jóvenes de sus parroquias. En este sentido la película plantea su crítica y denuncia a las prácticas de algunos clérigos, pero sobre todo, al inaceptable proceder de la institución, que no sólo encubre sino que, incluso, llega a premiar a los involucrados con cargos superiores o reubicándolos en mejores lugares.

Sin embargo, esta clara denuncia no necesariamente es en lo que este relato hace su énfasis. Ni siquiera, aun a despecho de lo que insinúa el título, en las dudas que los dos personajes centrales tienen acerca de su moral y su proceder. 

Tanto la rectora como el sacerdote tienen muy claro lo que piensan y ninguno se arrepiente de sus opiniones ni de sus acciones. Pero eso resulta más bien injustificada la forma en que la rectora flaquea al final, manifestando dudar de no se sabe bien qué; así mismo, el sermón inicial del sacerdote, acerca de la duda, sólo parece ser una excusa para que la monja sospeche y se inicie el conflicto.

Porque es en ese conflicto, que no es otro que la confrontación entre estos dos personajes centrales, el plano donde se desarrollan las ideas esenciales de este filme. Por eso el relato se afana en construir bien a sus personajes, jugando incluso con los arquetipos del bueno y la mala.

Pero a medida que va avanzado la historia, estas características de los personajes se empiezan a revertir y el espectador comienza a ser testigo de un tenso y creciente enfrentamiento de argumentos, los cuales buscan, primero, esclarecer u ocultar la verdad, según cada quien, pero luego, defender unos principios morales que, para ella, deben estar por encima de la institución, y que para él, pueden ser manipulados por la jerarquía eclesial. 

De ahí que la principal virtud de esta cinta es el duelo entre estos dos personajes, un duelo que también es de actores, pero al contrario de sus roles, Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman terminan complementándose y potenciando el trabajo del otro. Incluso en este duelo hay un árbitro, la hermana Jones, un personaje que cataliza la confrontación y es usada como apoyo tanto de uno como de otro contendiente.

Es decir, estamos ante una película de actores y de personajes, en la que toda la acción y las implicaciones de su historia están en las interpretaciones, en la construcción de personajes, sus diálogos y argumentaciones.

Aunque también es cierto que no todo es sutileza, y el maniqueo contraste que hace el director entre la mundana y hedonista cena de los sacerdotes y la austeridad de la cena de las monjas así lo demuestra. Pero aún así, es un filme lleno de aciertos que trata de forma concienzuda y sugerente un tema serio, el cual casi siempre se ha prestado a denuncias burdas o sensacionalistas.

FICHA TÉCNICA
Título original: Doubt
Dirección: John Patrick Shanley.
Guión: John Patrick Shanley; basado en su obra.
Producción: Scott Rudin y Mark Roybal.
Música: Howard Shore.
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis.
USA – 2008 – 104 min.

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La vida de un pan

Por: Oswaldo Osorio

Cuando el cine no se ocupa de grandes temas, es cuando más posibilidades tiene de ahondar en la naturaleza humana. Las historias más simples y que dan cuenta de la cotidianidad o de los problemas comunes de sus personajes, pueden atrapar de igual forma el interés del espectador, pero incluso de una manera más reflexiva. En esta película ocurre justo eso, pues se trata simplemente de la vida de un joven que se encuentra en un momento de su vida en que tiene que tomar decisiones fundamentes, y son esas decisiones las que conforman la esencia de esta encantadora cinta española.

Atrapado en la portería de un edificio de apartamentos, atrapado en el cuidado de su padre y en una vida que no le permite avanzar, ni profesional ni personalmente, Jorge asume su existencia con una entereza y una nobleza que casi lo hacen parecer tonto o pusilánime. Pero en realidad su aparente naturaleza blanda (por eso su amigo, refiriéndose a esto, dice de él que es un pan) es sólo para comprender a los demás, incluso para echarse encima las cargas de otros. Durante todo el metraje el espectador sigue a Jorge en su vida llena de reveses y dificultades cotidianas, pero que para él se van acumulando como un destino trágico.

Siempre carga consigo el fantasma de lo que quiere ser y no ha podido, de salirse de ese hueco en el que vive condicionado por la precariedad económica y conseguir un trabajo en el oficio en el que, con mucho esfuerzo, se graduó. También está el fantasma de un viejo  amor que, por una suerte de resentimiento social que ha tenido desde siempre, no alcanza a darse plenamente. Es decir, ni el dinero ni el amor se le dan bien. Hasta que llega su hermano, quien se encuentra preso, y le pide un favor que está más allá de sus principio morales. En adelante la vida de Jorge se vuelve aún más confusa, con su novia, con la imposibilidad de conseguir trabajo luego de tantas y tan humillantes entrevistas, y hasta con su amigo, Israel, que anda igual de confundido, pero en su caso por sus preferencias sexuales y la relación con su padre.

Aquí habría que abrir un gran paréntesis, porque en principio la vida de Israel y sus problemas parecen una historia paralela a la de Jorge, que si se le quita no cambia  mucho la película. Podría decirse que para el personaje de Jorge y la historia de la película sólo es importante esta subtrama por tener la figura del amigo del protagonista, a partir de cual se puede saber lo que éste piensa y siente, además de su carácter y la forma en que concibe la vida. Por lo demás, todo ese asunto del padre de Israel y los dilemas de éste sobre su identidad sexual se antojan más como la contraparte divertida y relajante de la historia, ni más ni menos, con lo acertado o gratuito que ello puede ser.

Pero volviendo a Jorge, el título de la película bien puede concentrar lo que lo condiciona y lo define. Aunque nunca se dice explícitamente, el título hace referencia al color de un traje que Jorge quiere tener. Un traje que nadie quiere, pero que para él bien puede significar la posibilidad de conseguir ese trabajo que le es esquivo, o la dignidad que sus penurias económicas le niega. Pero lo más significativo es la forma en que lo obtiene, no comprándolo con el esfuerzo de mucho trabajo, sino arrebatándoselo a la vida. Tomando una decisión firme, como las que siempre toma, a pesar de que por su naturaleza de “pan” lo creamos incapaz de tales cosas.

Además, ese color tan indefinido, el del traje y el del título, también parece hacer referencia a un estado de ánimo, al permanente panorama de su vida. Porque para Jorge las cosas en lugar de mejorar tienden a empeorar. Lo único que lo puede salvar es su naturaleza humilde y bondadosa, así como su firme determinación hacia las cosas que quiere. Es posible que no obtenga todo lo sueña, pero sin duda su carácter moldeará su destino y tal vez así la vida deje de arrinconarlo tanto. Con el inesperado desenlace que tiene ese oscuro favor que le pidió su hermano, al menos parece vislumbrarse un esperanza.

FICHA TÉCNICA
Dirección y guión: Daniel Sánchez Arévalo.
Producción ejecutiva: José Antonio Félez.
Música: Pascal Gaigne.
Fotografía: Juan Carlos Gómez.
Reparto: Quim Gutiérrez, Marta Etura, Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Héctor Colomé, Eva Pallarés.
España – 2006 – 105 min.

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Ensayos – críticas – cine colombiano – cómics – cuentos de cine

Su última película, No te metas con Zohan, tiene un humor casi incomprensible, salvo si se tiene la mentalidad de un arrecho adolescente con poco seso bajo su despeinado cráneo. Un buen ejemplo de esto es cuando se despide de la chica, primero agitando la mano y luego, como si fuera otra mano, con el pronunciado bulto que tiene en su entrepierna. Ni hablar de cuando coge cosas con sus caderas, incluso estando desnudo. Tiene algunos buenos y oscuros chistes (los visuales, porque los verbales son aún más burdos y elementales), como cuando juegan con el gato, pero en general, es otro monumento al mal gusto y vulgaridad de Hollywood. 
o.o