Un cine “virtuoso”

Oswaldo Osorio

Hace poco veía una noticia que contaba que muchas iglesias en Holanda y Alemania, que habían dejado de ser usadas, ahora las están acondicionando como museos, restaurantes y hasta discotecas. Por eso, en un mundo occidental cada vez más laico, la historia sobre una joven que contempla entre sus planes la posibilidad de ser monja, resulta ser un asunto, cuando no polémico, al menos digno de ser explorado. Y eso es justamente lo que hace la directora de Cinco lobitos (2022), planteando su relato como una dicotomía a la que le sabe equilibrar las fuerzas en tensión y, así, darle un papel activo al espectador.

Claro, esta historia no sucede en Holanda ni Alemania, sino en España, donde hay una gran tradición católica, aunque su población de fieles ha disminuido dramáticamente en las últimas décadas. Por eso hace veinte años no se habría podido contar esta misma historia, pues no sería verosímil. Pero ahora sí es posible, no solo encontrar a una joven que esté considerando ingresar a un convento, sino también una férrea oposición por parte de algunos de sus allegados.

Así que Ainara quiere ser monja, pero encuentra en su tía, a quien quiere y admira, a la más vehemente contradictora de dicha intención. Lo que viene en adelante, es la forma en que Ruiz de Azúa, quien también escribió el guion, expone los argumentos de uno y otro bando, lo cual hace con un cuidado milimétrico, para que no parezca que toma partido. La narración entiende cómo pendular las razones prácticas y racionalistas de la tía, por un lado, y el ardor y al mismo tiempo sosiego espiritual de la joven, por el otro, lo que incluso es más difícil de representar.

El caso es que tanto hasta el más apóstata como el más clerical pueden dudar de este caso, disuadidos por los argumentos opuestos. Además, en esta tirantez también son sumados a la ecuación asuntos como el dinero y las hormonas. No obstante, esto que parece aquí descrito como un dramático conflicto, en realidad opta por otro tono, uno que se antoja tranquilo y civilizado, pero sobre todo amoroso. Un tono que, además, es complementado por una narración y puesta en escena absolutamente aplomadas y de un clasicismo de libro de texto, que la hacer ver como una película sólida en sus planteamientos, envolvente en su relato y legible en sus ideas.

Y estas características de Los domingos no necesariamente las estoy exponiendo como virtudes, al contrario, todo esto, tanto el no tomar partido como su concepción cinematográfica, la hace una película demasiado correcta, digerible, con la intención de no meterse en problemas y para el gusto de todos. Tal cosa lo corroboran los múltiples premios que ha obtenido, empezando por haber sido la gran triunfadora en los de casa, los Goya. Es una gran película, pero en la línea del cine claro, seguro y confiable. Y eso, de nuevo, no creo que sea una virtud… Extraño la intensidad, el malestar y el compromiso de su ópera prima.

Nociones de un cine posible

Oswaldo Osorio

En Colombia hay muchas películas nacionales invisibles, aun cuando tienen buen presupuesto, actores reconocidos o una significativa participación en festivales. Pero también hay otro renglón de películas pequeñas, de muy bajo presupuesto o sin ninguno para su promoción, con actores poco conocidos o no actores y que plantean un sistema de producción que hace viable un proyecto pequeño. Esta película pertenece a ese segundo grupo, el cual es mucho más invisibles todavía.

El concepto de Cine pobre no significa necesariamente cine malo o aficionado, aunque habitualmente coinciden. El cine pobre lleva su nombre con la dignidad de quienes logran desarrollar una obra cinematográfica sin los grandes presupuestos y parafernalia propios de la industria. Viacrucis propone una variación de ese término, ajustándolo al sur del país y a un vocablo indígena muy conocido en la región, el Cine minga, pues la película que aquí resultó, según sus realizadores, fue producto de un trabajo comunitario que se hace con el propósito de una utilidad social.

El problema del cine pobre es cuando esa pobreza se nota más allá de los valores de producción, es decir, de los elementos evidentes de la puesta en escena. En esta película se nota la precariedad de recursos, empezando por la participación de numerosos actores naturales quienes, efectivamente, son habitantes del pueblo en que se rodó, Timbío, Cauca. Pero esa precariedad no necesariamente es tan evidente en la historia que relata, las ideas que pone en juego, el universo que recrea y el tono que logra con su narración.

Se trata de la historia de un viernes santo en un pueblo y las gestiones de una mujer para organizar la procesión del viacrucis. En la película hay momentos verdaderamente brillantes y con fuerza a la hora de dar cuenta del color local de un pueblito colombiano, partidista, rezandero y de gentes sencillas. Ya sea la religiosidad pasada por los ritos (la madre), o las reminiscencias de las obstinaciones partidistas (el padre), o la muestra de lo que es el verdadero cristianismo (el hijo), la película sabe conjugar esas tres líneas argumentales con buen ritmo y un tono preciso la mayor de las veces. Aunque hay otros momentos en que pierde el rumbo, porque en ella hay una mezcla de gestos narrativos y dramáticos: se pueden identificar componentes de farsa, de sátira social y un cierto ternurismo en clave de fábula.

Escenas como el diálogo entre el alcalde y el cura resultan tan divertidas como críticas y cáusticas, en donde se desnudan los intereses creados de estos dos poderes que han operado por siglos en los pueblos. Así mismo, todo el sainete del viacrucis, es al tiempo una burla y una radiografía –aunque apelando a jocosos estereotipos- de la fauna que habita un pequeño poblado en un país como este.

Es cierto que la película no es consistente en la construcción de ese tono que duda entre sus tres subtramas, aunque su universo sí es sólido y coherente. Y si bien en algunos pasajes se evidencia la falta de recursos y hasta de experiencia, es más lo que divierte y encanta, por lo que reconforta ver un cine posible, en el que se evidencia más lo que se quiere decir que las imposiciones materiales e industriales del cine.

La biblia parlante

Oswaldo Osorio

Con la combinación entre religión y sexo siempre se podrá crear polémica, un discurso efectista y unos dramas llamativos. Es cierto que en esta película no solo se contraponen aspectos sexuales a un sermón cristiano fundamentalista, pero por ahí empieza la cosa: cuestionando los bikinis, la homosexualidad y las clases de educación sexual. Por eso, esta historia puede ser tan pertinente en los debates que propone como gratuita y sensacionalista en sus mecanismos argumentales y dramáticos.

Un adolescente se convierte en un ferviente creyente y lector de la biblia. Tanto las personas en su colegio como su propia madre, empezarán a padecer un acoso y persecución por parte de este joven, quien esgrime, con literal vehemencia, las consignas de las santas escrituras. Pero lo que al principio se revela como un personaje potente y un relato lleno de posibilidades en su complejidad ideológica y dramática, termina siendo una agotadora reiteración de una situación y personaje que, finalmente, se antojan monolíticos y forzados en busca de un efecto.

Aunque es cierto que uno de estos efectos son las lecturas y alusiones que se pueden hacer al contexto de la Rusia y el mundo actual. De un lado, pone en evidencia lo peligroso, arbitrario y hasta absurdo que puede ser el radicalismo religioso, y más aún, tomar al pie de la letra el sentido de los libros sagrados. De otro lado, se infieren comentarios y cuestionamientos sobre este país, del que es conocido la homofobia estatal, su inclinación dictatorial y hasta un atávico antisemitismo aún latente en la sociedad.

Pero uno de los grandes problemas de la película es la gratuidad y unidimensionalidad con que es construido su protagonista. En él solo vemos un instrumento amplificador de los pasajes bíblicos para confrontar a una sociedad que, por demás, no es religiosa en un gran porcentaje, y menos todavía cristiana. Nunca es posible conocer los matices de este joven, tampoco sus motivaciones ni el real sentido de lo que busca más allá de una simple y conveniente locura mística. Incluso termina por ser inconsistente hasta en su mismo fundamentalismo, cuando el guionista lo pone a levantar criminales calumnias contra alguien.

Sin embargo, este efectismo en su personaje y en el tratamiento del tema está conducido por un potente sentido de la puesta en escena, tanto en la fuerza interpretativa de sus actores y la tensión permanente que hay entre los personajes, como en el cinetismo y expresividad que hay en sus imágenes y en la forma como la cámara logra sumergir al espectador en este intenso (aunque artificial) drama. Porque se trata de una película con una premisa poderosa y llena de posibilidades ideológicas y dramáticas, pero termina por agotarse en la reiteración sin matices ni profundidad y en la presentación de debates fáciles y provocadores.

Sometimes silence is the deadliest sound

Manuel Zuluaga – Escuela de Crítica de cine

Pantalla en negro, se oye la voz áspera y juvenil de Martin Scorsese que dice al protagonista de su película con cierto tono agresivo: “Los pecados no se redimen en la iglesia, se redimen en las calles, se redimen en casa, el resto es cuento y tú lo sabes…“ Así  inicia Malas Calles, tercer largometraje de su carrera, estrenado en 1973. En contraste, el inicio de Silencio, su nueva película. Pantalla en negro, se oye el ambiente de una selva lluviosa, de repente, un silencio total y un título gigante, inicia el film.

La primera, en la Nueva York de los años setenta,  trata sobre un aprendiz de gangster que se ve envuelto en problemas por los atrevimientos de sus amigos, a quienes busca proteger como acto de redención ante dios. La segunda, trata sobre el esfuerzo inhumano de dos posiciones, por un lado, el de los peregrinos de la iglesia católica en Japón, y por el otro, el de los líderes japoneses que buscan exterminar esta empresa. Ambas enfrentadas por un acto de fe, y en la que cada personaje vive su propio acto de contrición en la búsqueda por mantenerse firmes en sus objetivos, y que el proceso no les desbarate la fe.

Las dos escenas mencionadas, dan muestra de los intereses que rondan la obra scorsesiana, redención y sentido espiritual; ambas presentes a través de recursos narrativos acertados, y sobre todo, de una posición personal clara. El italoamericano en algún momento de su vida quiso ser sacerdote y esto ha influido en su obra, tanto como para Bergman influyó que su padre fuese un pastor luterano represivo.

Esta vocación fallida, hace presencia en cada una de sus películas, pero en Silencio, retoma de una manera más explícita sus inquietudes de fe, rescatando la tenacidad del ser humano por continuar, por cumplir sus propios objetivos, como un asunto de fe en sí mismo. Es decir, su interés está en presentar unos personajes que en el fondo no se traicionan, sino que avanzan con convicción, y esta llega por mandato divino. Ya en Kundum (1997), exploraba esto, cómo los seres humanos somos capaces de anteponemos a situaciones  infranqueables, cómo un pequeño Dalai Lama debe regir un mundo espiritual y soportar la invasión china al Tíbet.

Scorsese desea, entonces, representar la fuerza y tenacidad humana, y cómo se busca un apoyo en la religión para sobrellevar la maldad, la existencia. Su logro está, en que no se vuelve un panfleto y alabanza a la fe, sino que, por el contrario, es una crítica dolorosa y real, de cómo viven la fe los católicos. Quizá en ello peca la película, en partir de la intención de hacer una obra de católico para católicos. Sin embargo, este efecto puede variar según la fe que se profesa, con otras religiones monoteístas seguro logra algo parecido.

Con una fotografía impecable de Rodrigo Prieto, ya reconocido por el valor de sus imágenes en Biutiful y Amores perros, que retratan la belleza del mundo pero también su mortalidad, cada imagen logra comunicar esa manifestación severa de Dios, de su olvido, y que contrasta con la propuesta misma de la fe católica. La construcción visual y desde el montaje, de escenas como la de la crucifixión de los tres japoneses en el mar, o la decapitación de un hombre, dan muestra de los actos estilizados de un dios severo, más parecido al del antiguo testamento, pero que hasta un momento vital, al final de la película, no tiene una manifestación distinta.

El elemento que no termina de convencer, es el reparto. Inicialmente para el proyecto entrarían Daniel Day-Lewis y Gael García Bernal en los personajes que terminarían interpretando Liam Neeson y Andrew Garfield, lastimosamente no se concretó. Estos dos actores, al contrario que Bernal y Lewis, tienen un historial de películas que no les favorece al momento de verlos en el papel de unos sacerdotes del siglo XVI, y el efecto de esto aparece en varias escenas de alto contenido dramático. Sin embargo, se rescata la actuación de Adam Driver como el padre Garupe, con una fuerza inigualable, y una consistencia propia de los personajes de Scorsese.

Por otra parte, inquieta el personaje de Kishijiro, un cristiano japonés que cada vez que se ve amenazado de muerte por sus creencias, renuncia a ellas sin dudar, pero vuelve con arrepentimiento evidente, así a lo largo de la película. Su voluntad, está quebrada como su alma, como si se tratase de los hipócritas que dicen vivir la religión, o como si representase aquellas personas que no pueden renunciar al pecado, porque entienden que allí están sus verdaderos ideales. Este último asunto, es más cercano a los tratamientos de Scorsese, en personajes como Henry Hill (Buenos Muchachos) o Jordan Belfort (El lobo de Wall Street).

Silenco es una película que, tranquilamente, se puede reseñar como un redescubrimiento de Scorsese, ¿pero qué tanto se descubre, si es lo mismo, solo que en modos distintos?

Cuando el alma interfiere

Santiago Colorado – Escuela de Crítica de cine

Lo primero que hay que entender es que esta no es una película compleja. Si bien su título se refiere a la difícil cuestión de creer o no en un dios silente, este tema solo es abordado en un par de escenas y únicamente a través los pensamientos del protagonista, sin que esto intervenga en sus acciones; quedando así relegado a un segundo plano y dando paso a otros tópicos más importantes en el relato. En ellos, Scorsese pareciera desarrollar un escabroso dilema, pero en realidad lo único complejo allí son las situaciones que se presentan, mas no el tema como tal; y aunque claramente las decisiones que deben tomar los personajes son complicadas, eso no hace que ellos lo sean.

Más que una reflexión compleja, esta cinta es una exploración sobre la inmutabilidad de las creencias. Y aunque esta tesis puede ser tan válida como cualquier otra, su planteamiento restringe la diversidad propositiva de la película y el conflicto obliga a que los personajes se encasillen en una posición u otra, para luego desacreditar dicho conflicto y terminar concluyendo que nadie puede cambiar su fe. A pesar de las complicadas situaciones de la película, al final ninguno de los personajes sufre un cambio ideológico, y aunque no siempre tiene que haberlo, esta homogeneidad se torna un poco inverosímil y hace que los personajes sean menos interesantes.

De igual manera, otro importante inconveniente es el innegable maniqueísmo que hay en el tratamiento de la historia. Aunque hay varias ocasiones en que se intenta comprender el punto de la vista de los líderes japoneses, al final esas intervenciones terminan siendo una mera fachada para disimular el favoritismo de la película hacia el protagonista y la constante villanización de quienes piensan diferente a él. Todos los argumentos de la película llevan a concluir que los líderes japoneses son ‘los malos’ y todas las manifestaciones cristianas terminan encontrando su redención; de nuevo, tornando el discurso de la película en algo un poco inverosímil y, sobre todo, situándolo en una amañada y categórica posición que termina afectando la percepción de lucidez y claridad de la película.

Y es que aunque la religiosidad de Scorsese le sirve de combustible a la cinta, a la vez parece que afecta la claridad de sus elementos. Un ejemplo particular es el montaje: extrañamente, en esta oportunidad resalta como otro desacierto por sus tendencias experimentales y preceptos facilistas (como el uso innecesario de flashbacks). Aquí la edición no sólo sacrifica la continuidad en favor del ritmo sino que compromete los cimientos básicos de claridad narrativa. Shoonmaker pareciera agotar su característica más distintiva como editora haciendo una cierta mezcla entre Goddard y Malick que, más que innovadora o necesaria para el la película, termina siendo una distracción.

Sin embargo, la principal distracción son las actuaciones: los desacertados e inconstantes acentos de los protagonistas son casi insoportables y anulan toda credibilidad en los personajes con respecto a sus nacionalidades; es tanto que el personaje de Liam Neeson ni siquiera intenta adoptar alguno de los acentos que debería (el de su país natal o el del país de residencia). Esa frustración se complementa con una incómoda falta de química entre todos los personajes, probablemente enfatizada por sus caracterizaciones poco interiorizadas. Bien sea por un fallo de casting o por falta de atención a los detalles, estos inconvenientes ciertamente evitan que haya una completa conexión con las emociones, sobre todo en las situaciones medulares.

A pesar de esto, aunque los personajes poco complejos –y sus actuaciones– no ayuden a profundizar el vínculo con el espectador, la historia logra salir adelante gracias a una bien pensada estructura y es válido decir que la película posee otro tipo de elementos valiosos, como la dirección de fotografía y detalles como el de incluir la voz en off de Dios; un bello y poderoso recurso que, aunque arriesgado, realza una película en donde, lastimosamente, las pretensiones ideológicas y algunos otros desniveles opacan ese tipo de aciertos.

Silencio se percibe a simple vista como una obra atractiva, a pesar de sus contundentes problemas; y si se mira en retrospectiva, puede que algunos de los inconvenientes más superficiales se difuminen y permitan ver que, aunque no alcance la excelencia de los trabajos más icónicos de Scorsese, sí representa una de sus películas con más alma, para bien o para mal.

Nunca hay que olvidar

Por: Iñigo Montoya

El director de la bienamada La lengua de las mariposas vuelve con una historia que tiene mucho en común con aquel conocido título. La infancia, la guerra civil española, el papel de la iglesia y la educación, así como un desenmascaramiento de la represión y la intolerancia de un sistema totalitario, son los elementos esenciales con los que está construida esta película. 

Pero quien crea que va a ver una película emotiva y divertida como La lengua de las mariposas o muchos de los otros títulos de este director español, mejor que se prepare para una mirada un tanto más áspera y dramática. Durante toda la historia la familia protagónica es prácticamente asediada por un sacerdote, que es el maestro del niño. 

Basada en una novela de Alberto Méndez, la película no es nada generosa con la mirada que hace de este sacerdote y la institución a la que pertenece. Se trata realmente de un “villano de película”, y justamente este esquematismo le quita un poco de solidez a una cinta que sabe construir muy bien sus otros personajes, así como una atmósfera de zozobra y opresión que es planteada como una frontal denuncia a la historia española. 

Aún así, se trata de un filme de gran fuerza en cuanto a sus planteamientos: la denuncia al sistema, el retrato de una familia librepensadora y la recreación de una oscura época que España no se cansa de hacer objeto de sus películas.

La guerra civil española terminó hace sesenta años, y siguen haciendo películas sobre ella, pues son concientes de que nunca hay que olvidar. Algo que deberían tomar en cuenta aquellos que piden a gritos que no se hable más de los problemas colombianos en el cine.