Un vampiro en tiempos de hippies

Por: Oswaldo Osorio

Las de Tim Burton eran películas que uno esperaba con ansiedad y emoción. Pero esos sentimientos ya han perdido su intensidad, pues algunos de sus trabajos de la última década (El planeta de los simios, Charlie y la fábrica de chocolate, Alicia en el País de las Maravillas) se acercan más a los gastados gestos del cine de Hollywood que a ese genio, entre macabro e inocente, que define sus mejores cintas.

Esta película tiene un poco de lo uno y de lo otro, una combinación que ya de entrada es una contaminación de lo que podría definirse como su celebrado estilo. La historia del vampiro que, luego de dos siglos, reaparece a principios de la década del setenta en medio de hippies, moda extravagante y canciones pop, es un prometedor inicio para que Burton (y Johnny Depp) juegue de nuevo con los mencionados extremos: lo inocente y lo macabro.

Y efectivamente, en buena parte del relato lo hace, porque esta película, aunque se basa en una serie televisiva emitida entre 1966 y 1971, está determinada por el planteamiento que ha estado presente en todas las cintas de este director, esto es, un personaje con unas características muy particulares que termina en un mundo donde todo funciona con unas reglas distintas a las que él conoce. De este contraste y este encuentro surge el humor, la inocencia, el ingenio visual y los encantadores personajes secundarios que ya le hemos visto en otras películas.

Es en todo ese proceso en que el vampiro entra en contacto con ese nuevo mundo que la película se antoja estimulante y divertida. Un relato cargado de un humor colorido que pasa por varios registros: gags (chistes visuales), juegos de palabras, chistes tontos y clichés sobre vampiros, cómicas alusiones a la cultura popular de la época e ingeniosos toques de humor muy elaborado. Todo enmarcado también por el sugestivo contraste visual que representa, en términos de la puesta en escena, este vampiro y su mansión de hace dos siglos frente a un mundo moderno y trasnochado de sicodelia.

Sin embargo, acabada la novedad de este contraste, la historia empieza a ser errática y dispersa, en parte porque la bella antagonista desaparece junto con el conflicto y solo vuelven muy al final del relato, justo para iniciar un largo clímax en el que la historia se vuelve seria y toma la forma de una muy típica película de fantasía de esas tantas que hay en estos tiempos, desatándose una confrontación de fuerzas sobrenaturales a la que le interesa más hacer alarde de todas las posibilidades de los efectos de la imagen digital que ya no pueden faltar en una producción de Hollywood.

Así que estamos ante lo que podría parecer, por sus elementos constitutivos, una película propia de ese universo de Tim Burton que hace mucho nos sedujo, y en general se presenta como una experiencia estimulante en lo visual y en su planteamiento argumental, pero pareciera que algo se ha perdido en el camino, como si el gran éxito que ha tenido hubiera domesticado a ese “diablito” que siempre tenían sus películas. Pero ahora el diablito ha desaparecido y solo quedan sus ropajes.

Publicado el 24 de junio de 2012 en el periódico El Colombiano de Medellín.

O la historia de las dos Alicias

Por. Oswaldo Osorio

A pesar de todas las adaptaciones que se han hecho del clásico de Lewis Carroll, empezando por la magnífica cinta animada de Walt Disney (1951), es con esta nueva versión que se conjugan dos elementos que potencian su fuerza imaginativa y su fascinante universo fantástico: el director Tim Burton y el desarrollo de la imagen digital. Porque con el talento y la retorcida imaginación de Burton y las posibilidades visuales sin límites que brinda ahora la tecnología, el País de las maravillas y sus personajes se presentan ante el público de una manera nunca antes vista, y que además es complementada por el formato en tercera dimensión.

Lo primero que hay que aclarar es que la película está basada en la combinación de los dos libros que Carroll escribió sobre el personaje, esto es, Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (1865) y  A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (1871). Es por eso que el argumento y los personajes se hacen familiares en muchos pasajes, pero también sorprenden en otros. Fue una afortunada decisión que le permitió a Burton ser original con una de las historias más conocidas de la historia de la literatura.

El asunto fundamental aquí, entonces, es el encuentro de este singular director con la popular obra. El relato de Carroll le proporciona un universo justo como los que le son afines a Tim Burton. La particular visión del cineasta se caracteriza por combinar lo fantástico con lo macabro, también por su gusto por los mundos puestos de cabeza, la locura inofensiva y los personajes y criaturas nobles e inocentes, que no ingenuos, pero sí con un aspecto y comportamientos bizarros e inquietantes. Todas estas propiedades coinciden con la obra, por eso la alquimia de este material es evidente, y el espectador asistente a un espectáculo visual llamativo y fascinante, a un vuelo de la imaginación  estimulante y sugestivo.

La obra literaria ha dado para múltiples interpretaciones, porque fue concebida con una gran carga de simbolismos y alusiones satíricas dirigidas hacia la sociedad inglesa y la época del autor, pero las versiones popularizadas por la literatura infantil y las adaptaciones al cine y la televisión, se han concentrado en su componente anecdótico y fantástico.

La versión de Tim Burton no difiere mucho en este sentido, y tal vez en eso si resulta un poco decepcionante, porque su atractivo principal está en ese deslumbrante universo que construye y en las particularidades con que carga a sus personajes, pero esencialmente está limitada a una fábula de fantasía más orientada para un público familiar, relegando un poco a su base de fanáticos que esperan de él unos relatos menos convencionales y más sugerentes y con esa juguetona perversión que caracteriza su cine.

La “sustancia” en la película está centrada en las dos Alicias a las que hacen alusión durante todo el relato: la falsa y la verdadera, la niña y la joven, la cobarde y la valiente, la que cree estar soñando y la que entiende que ese mundo parado en el techo es real. Siguiendo el esquema clásico del héroe, el paulatino autodescubrimiento es lo que le permite transformarse al personaje, una transformación que se opera gracias a los amigos y enemigos que va ganando y a los retos y aventuras a los que se somete durante su aventura.

La forma en que Burton busca contrarrestar ese convencionalismo de “película de fantasía” es poniendo el énfasis en ciertos personajes, como los hermanitos Tweedledum y Tweedledee, pero sobre todo en la Reina Roja y el Sombrerero, que no es casual que sean interpretados por su pareja de actores favorita, Helena Bomhan Carter y Johnny Depp. Es en estos dos personajes en los que mejor se puede apreciar el sello burtoniano, con toda su imaginativa extravagancia. Son ellos los que se roban el espectáculo y hacen de esta Alicia una película un poco distinta a la que cualquier otro hubiera hecho.

FICHA TÉCNICA

Título original: Alice in Wonderland

Dirección: Tim Burton

Guión: Linda Woolverton; basado en los libros “Alicia en el País de las Maravillas” y “A través del espejo” de Lewis Carroll.

Producción: Joe Roth, Jennifer Todd, Suzanne Todd y Richard D. Zanuck.

Música: Danny Elfman

Fotografía: Dariusz Wolski

Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover.

USA – 2010 – 110 min.

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Plan 9 del espacio exterior (1957) seguramente no es la peor película del mundo, pero cuando los gringos -que siempre quieren ser los mejores hasta en lo peor- eligen a Ed Wood como el peor director de cine de la historia, pues automáticamente ésta, su peor película, se lleva el título mundial. El único capaz de arreglarla fue Tim Burton, cuando en su película Ed Wood (1994) hace un homenaje a este director, a la época y al cine que representa.

Entre la carencia y el exceso

Por: Oswaldo Osorio

Si hay una película que de lo mala resulta fascinante, otra que casi nadie vio el día de su estreno y ahora la estudian en las universidades o una más que excede todos los límites de la cordura, el mal gusto o la desmesura, eso es cine de culto.

Pero habría que precisar que la condición de su existencia está dada por los “cultistas”, un raro tipo de cinéfilo a quien no sólo le apasiona el cine como arte o como experiencia emocional, sino también como icono visual susceptible de ser adorado, celebrado y mitificado.

The rocky horror picture show (Jim Sharman, 1975) es una exuberante historia de rock y horror (blando) protagonizada por el Dr. Frank N. Furter, un científico loco travesti de otro planeta. Se trata de uno de los ejemplos más populares y representativos del cine de culto: por sus excesos, porque se sale de todo molde conocido hasta entonces y porque sus proyecciones a media noche en las salas de arte han sido una literal celebración del rito del cine en general y de las imágenes y la música de esta película en particular, pues los asistentes no se conforman sólo con verla, sino que también se visten como sus personajes, asumen roles y cantan y bailan al unísono con las imágenes de la pantalla. Este ritual se puede repetir a la semana siguiente o al mes siguiente y así desde hace un cuarto de siglo.

La peor película de la historia el cine
Pero por más que una película consiga fama y popularidad gracias al fervor de los cultistas, siempre conservará ese carácter de pieza chocante y diferente ganado a fuerza de tener algo raro, turbador, absurdo, especializado o cualquier otra cualidad (o defecto) que es lo que la hace una obra de difícil aceptación para el público masivo.

Porque una película de culto lo que hace es transgreder las normas del cine convencional, ya por exceso, carencia u omisión consciente. Es por eso que de Hollywood sólo de vez en cuando, y casi siempre por accidente, sale una película de culto. La excepción a la regla es el cine de horror realizado por la Universal en los tempranos años treinta y del que hacen parte títulos como Freaks, Drácula o Frankestein.

Y es que uno de los géneros más proclives a crear películas de culto es el Fantástico, del que hacen parte el cine de horror (y sus múltiples variantes) y de ciencia ficción. De ahí que cuando la productora inglesa Hammer, treinta años después, realizara nuevas versiones de estos clásicos del horror, de inmediato Drácula y Frankestein, con la novedad del color y la carga de erotismo, pasaron a ser parte del cine de culto, y con ellos actores como Christopher Lee y Barbara Steele, de la misma forma que tres décadas atrás lo empezaron a ser Bela Lugosi y Boris Karloff.

Porque el culto se hace extensivo de las películas a sus actores, que devienen también en iconos, y a sus realizadores, que son (para su fortuna) como genios extraviados del cine. Directores como Mario Bava, Darío Argento, Roger Corman o John Waters, tienen una obra que es casi por completo adorada por los cultistas. Pero de todos los autores de culto el caso de Ed Wood es el más paradigmático. Fue él quien hizo la que se considera como la peor película de la historia del cine (Plan 9 del espacio exterior, 1959) y quien a veces aparecía con ropa de mujer en los rodajes. Tenía una tremenda pasión, más que por el cine como arte, por el hecho de hacer películas, sin importar la precariedad (o inexistencia) del presupuesto.

Por eso, superada la curiosidad de ver su desastrosa obra, es él quien se perfila como un personaje verdaderamente apasionante. Por eso su mejor película no la hizo él sino Tim Burton, sobre su vida y obra, y se titula precisamente Ed Wood (1994).

Ed Wood en Colombia y México
Como son los cultistas los que hacen que una película sea tal, no es suficiente ser rematadamente malo como lo era Ed Wood para ser director de culto. Un gallego que hacía cine en México hace algunas décadas, llamado Juan Orol, llegó al extremo de filmar una película en un día o de hacer dos filmes con el dinero que le dieron para uno y usando el mismo guión y los mismos actores. No por eso es autor de culto, todavía no lo han descubierto, pero luego de la película de Tim Burton directores como Juan Orol están empezando a ser retomados desde esta óptica del cine de culto.

En Colombia, por ejemplo, hay un director de culto en ciernes, se llama Jairo Pinilla y con películas como 27 horas con la muerte o El triángulo de oro, tiene mucho en común con Orol y Wood, aunque su cine es de un patetismo más moderado. En varias ciudades del país ya se han comenzado a ver retrospectivas y homenajes de su obra, realizada en los últimos veinte años y casi toda dedicada a un cine de horror que ahora sólo producen risa.

Actualmente existe todo un mercado y sistemas de información de las películas de culto. Hollywood está tomando nota de ello, así como lo hizo hace una década con el cine independiente. Pero aún así, el cine de culto sigue siendo un cine de minorías, incluso de culturas específicas, de gremios, generaciones, países y hasta ciudades. Cada nueva generación de jóvenes, por ejemplo, descubre y rinde culto a películas como La naranja mecánica (1971) El Cuervo (1994) o Trainspotting (1996).

Son películas que se han salido del molde y que convocan a la secreta complicidad de los cultistas, quienes no se cansan de verlas, de admirarlas y comentarlas. Es la cinefilia en un estado un poco obseso y enfermizo, se trata de una suerte de espectador radical, que le gusta formar gethos y trascender una película de la misma forma que ella lo ha hecho con el cine, no importa si es por carencia o por exceso.

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En realidad, por ser un villano, la mejor cara debe ser la peor. Este personaje nació con el mismísimo Batman, en la primera entrega del cómic en 1940. Desde entonces ha sido dibujado e interpretado de distintas formas. Lo que lo define, en esencia, es que es un sicópata. No busca dinero ni poder, sólo causar caos y hacerle todo el daño posible a Batman, pero nunca matarlo porque eso acabaría con la diversión. Veamos algunas versiones:

El dibujado. Ha mutado de apariencia según el dibujante y los tiempos. Igualmente lo han caracterizado de distintas formas: amenazante, torpe, loco, payaso o vulgar criminal.

El de César Romero. Un poco ingenuo y tonto como correspondió a la serie de televisión de los años sesenta, con su estética camp y esos golpes que mostraban su sonido con palabras.

El de Jack Nicholson. Tan desquiciado, delirante e ingenioso como el cine de Tim Burton. También tan abusivamente histriónico como el actor que lo interpretó.

El de Heath Ledger. Más que por la acertada interpretación, su verdadera fuerza viene de la forma como fue concebido, desde su nada glamuroso maquillaje, hasta el extremo sicopático al que el director Christopher Nolan lo lleva. El único de todos que realmente perturba.