La realidad por capas

El mundo de los sueños es uno de los temas más viejos del cine. La realidad onírica es la que más fácil se le da a los medios del séptimo arte y a la que, junto con la fantástica, mejor provecho le ha sacado. Por eso, de tan recurrente que ha sido en las pantallas, es necesario que cada director que lo retome haga la diferencia, como ocurre en este filme. Porque no se trata de una cinta más sobre el tema, sino una de las más complejas y sofisticadas historias que se haya hecho, un verdadero viaje a las posibilidades del subconsciente y a su aprovechamiento argumental y narrativo.

Es difícil pensar en otro director de la industria que, en la última década, haya logrado combinar la originalidad, el talento y el éxito comercial como lo ha hecho Christopher Nolan. Está claro que lo suyo son los thrillers sicológicos. Pero no los limita simplemente al loquito sofisticado que asesina gente, tipo Hannibal Lecter, sino que su inmersión en la desequilibrada sicología de sus personajes siempre es más sólida y compleja que los clichés del género. Memento, Insomnia y hasta las dos últimas entregas de Batman tienen esta marca, la de no solo ser perfectos thrillers, sino también una inmersión en las profundidades de la sicología de sus personajes.

Al principio, esta película puede parecer una de tantas que recurren al esquema de hacer que la acción pase de una realidad a otra, un esquema que ha sido muy explotado, sobre todo en estos tiempos de realidades virtuales. Sin embargo, rápidamente se puede ver que no solo es un Matrix onírico, sino que tiene la capacidad de trascender esa simple y vieja idea de Alicia atravesando el espejo, para darle una vuelta de tuerca planteando una lógica similar a la de las muñecas rusas, las matriuskas, en la que una realidad es sólo una capa que recubre otra realidad y ésta, a su vez, encierra otra.

La imaginación de este director inglés, quien también escribió el guión,  fue capaz de crear y articular cuatro niveles de realidad, una contenida dentro de otra. De manera que la complejidad que alcanza esta cinta lleva al espectador al límite de su concentración, porque es necesario poder seguir un relato que ha compartimentado la acción, la trama y la sicología de sus personajes (al menos la de dos de ellos) en cuatro niveles, que se deben visualizar no cómo sótanos en un edificio, sino como matriuskas, uno al interior del otro.

Además de estos niveles, la cinta presenta un doble conflicto, uno para garantizar la trama de acción (la misión de plantar una idea en el inconsciente de un hombre) y otro para reflexionar sobre la relación entre los sueños, el subconsciente, la realidad y los recuerdos (la intromisión de la mujer del protagonista en cada sueño). Con estos dos conflictos entrelazados, la película no corre el riesgo de caer en los extremos de ser solo una cinta de acción o solo un drama sicológico, sino que es posible presenciar un contrapunto entre las dos posibilidades que se enriquecen y dinamizan mutuamente, logrando así una pieza original en su concepción, sólida en sus planteamientos y excitante en su desarrollo.

FICHA TÉCNICA

Título original: Inception

Dirección y guión: Christopher Nolan Género:

Producción: Christopher Nolan y Emma Thomas.

Música: Hans Zimmer.

Fotografía: Wally Pfister

Reparto: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Lukas Haas.

Reino Unido – 2010 – 150 min.

Cine por encargo de un maestro del cine

Por: Íñigo Montoya

El título de este texto sería un argumento suficiente para descartar esta película. Quienes crean que van a ver una película del gran Martin Scorsese se equivocan, porque sólo verán un thriller sicológico escrito y filmado exactamente como dicta el manual. Es decir, si a un conocedor de la obra, los temas, las obsesiones y el estilo visual del director italoamericano le muestran esta película sin decirle que es suya, no sería posible que adivinara quién la hizo.

Así como ocurrió con El aviador (2004), que Scorsese accedió a filmar por solicitud de su nuevo amigo y estrella de cabecera, Leonardo Dicaprio, ésta cinta evidentemente tiene que ser un encargo, tal vez del mismo actor. Es cierto que se trata de un filme con la más alta factura visual y precisión narrativa, pero nada que no pueda hacer cualquier director de la escuela de Hollywood.

Pero el fondo, lo que nos dice la película y las ideas que pone en juego, no trascienden más allá de la típica trama hecha a partir de dos esquemas conocidísimos: por un lado, la pareja de investigadores que llegan a un misterioso lugar, donde todos parecen cómplices, a resolver un crimen, y por el otro, la trama sicológica en la que juegan con el espectador sobre quién está cuerdo y quién no.

El resultado de estos dos esquemas es de lo más decepcionante que se pueda ver en el cine, pues por una parte, todo lo que pasa está envuelto en un misterio que sólo al final de la película es explicado en una sola escena, y por otra parte, (y aquí debería dejar de leer quien aún no la ha visto), casi todo lo que ocurrió no fue verdad o era imaginado porque el protagonista estaba loco.

En definitiva, es lo que se llama una historia “engaña bobos”, una trama sólo para masticar mientras transcurre cada instante, porque en últimas no termina diciendo nada. Se acaba la película y se acaba el engaño. Si fuera una verdadera película de Martin Scorsese, habríamos salido pensando en sus personajes, en lo que les pasó y en las implicaciones morales de todo ello.

Jugando al papá y a la mamá

Por: Oswaldo Osorio

La historia que cuenta esta película es una catástrofe mayor que el hundimiento del Titanic. Y es que el drama que aquí se presenta es propio de buena parte de la sociedad norteamericana y, por extensión, de un gran sector del mundo contemporáneo.

Esto a despecho de quienes piensan que verán otra romántica historia de amor protagonizada por la que es, según la taquilla, la pareja más popular del cine de todos los tiempos (DiCaprio-Winslet). Porque esta historia comienza donde el amor termina, o al menos donde éste deja de ser lo más importante.

Antes de que el espectador se haya acomodado en su butaca, el relato salta del paraíso del amor a primera vista al infierno del matrimonio, pues su director no se anda con rodeos y de entrada asume su asunto, esto es, poner al descubierto el vacío y la muda frustración que experimentan todas esas parejas aprisionadas en el esquema a partir del cual funciona la sociedad norteamericana, en especial esa aséptica clase media que vive en los suburbios jugando al papá y a la mamá, justo como lo dictan los comerciales de televisión.

Esta película es, entonces, un ataque directo al american way of life. Ya este director lo había hecho con cierto impostado cinismo en Belleza americana (1999), pero en su nuevo filme corroe dicho estilo de vida desde sus entrañas mismas, desde la intimidad de un matrimonio y sus anhelos.

El relato enfatiza su tesis al tomar a una pareja que se supone es diferente a todas las demás. Son librepensadores (al menos en su medio) que alcanzan a hacer una declaración de independencia. Pero justamente por ser especiales, es que resulta más estruendosa su caída al fracasar sus propósitos. El sistema y su entorno, que ya se los habían empezado a devorar, no se los permitió.

El “camino revolucionario” del título es una obvia ironía acerca de la uniformada y aconductada vida de quienes viven en esas casas, sobre todo las aburridas amas de casa en sus interminables rutinas. Pero para los hombres, aunque salen todos los días al “mundo”, es un mundo igual de uniformado. Todos van como zombies a incorporarse al ejército  de pusilánimes resguardados en cubículos, haciendo lo justo, incluso buscando no destacarse y cuando lo hacen es por equivocación.

Es por eso que cuando Frank y April deciden salir de todo aquello (o como ella lúcidamente dice: más bien entrar y volver a vivir), el único que los entiende es el loco, un personaje un poco forzado pero muy útil para dejar claro de qué está hecho aquel sistema y qué le pasa a los que quieren contradecirlo.

Si bien es cierto que la historia se desarrolla a mediados de los cincuenta, que es cuando este estilo de vida se consolidó y, por eso, cuando es más evidente, aún está vigente este estado de cosas. Pero adicionalmente, contextualizarlo en esta época le sirve mucho al planteamiento visual del filme, para enfatizar la monotonía y uniformidad de ese estilo de vida: todo está nuevo, aséptico, ordenado y construido en serie. Cada plano y la iluminación propuesta se aprovechan de ello. El contraste es revelador y elocuente cuando vemos ese opresivo drama enmarcado en un universo visual impecable y feliz.

Así mismo, la narración está sostenida por el desempeño y evolución de los personajes, por eso es una película de actores, donde los diálogos y el contrapunto entre Frank y April sostiene permanentemente la tensión con distintos tonos. Pero sobre todo, la clave es el drama, que se va haciendo cada vez más intenso, malsano incluso.

Casi toda la película es una larga discusión marital, que por momentos se puede hacer pesada, pero que resulta absolutamente necesaria para elaborar esa disección de un par de espíritus libres que, sin embargo, no tienen escapatoria; y también es necesaria para crear ese desolador retrato de una sociedad que cayó en la trampa de una rutina que le ha hecho confundir los medios con los fines. Porque el trabajo, la casa, el carro, los hijos y el bienestar económico sólo son los medios, y aquí parece que son el fin, y justo ahí es donde empieza la tragedia.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Sam Mendes.
Guión: Justin Haythe; basado en la novela “Vía Revolucionaria” de Richard Yates.
Producción: John N. Hart, Scott Rudin, Sam Mendes y Bobby Cohen.
Música: Thomas Newman.
Fotografía: Roger Deakins.
Reparto: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour, Kathy Bates.
USA, Reino Unido – 2008 – 119 min.

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