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Siete obras de Alejandro Obregón para recordarlo en su Año del Centenario

  • foto cortesía libro obregón de villegas editores
    foto cortesía libro obregón de villegas editores
Por Ronal Castañeda y Valeria Murcia | Publicado el 13 de junio de 2020

El único mural que existe en Medellín de Alejandro Obregón se verá en la próxima exposición del Museo de Antioquia, planeada para julio. Es la pieza intacta, sin fragmentar, que hizo el artista colombiano en La Taberna del Ahorcado, a las afueras de El Poblado, como se le llamó al sótano de la casa de María Helena Uribe y Leonel Estrada, donde se reunían artistas e intelectuales desde los 50, años antes de que llegaran las Bienales de Arte de Coltejer (1968-1972). Uno de ellos fue Obregón.

Dejó en esa pared, en 1956, una obra de técnica mixta con corazones, flechas e inscripciones con formas geométricas y figuras deconstruidas (había visitado al español Pablo Picasso dos años antes) como si fueran una oda al amor, según el curador de arte Carlos Uribe.

Para 1961 la influente crítica de arte argentina Marta Traba, describió a Obregón (1920-1992) como “el primer pintor de talento” de Colombia, cuya formación se caracterizaba por rechazar el academicismo y preferir la educación autodidacta, aunque con influencias como Francisco de Goya, Paul Cézanne, Pablo Picasso y los muralistas mexicanos.

El Ministerio de Cultura declaró 2020 como el Año del Centenario del pintor, por su contribución al arte y la cultura nacional. Para unirse a la celebración, EL COLOMBIANO le preguntó a siete reconocidos expertos de arte cuáles son sus piezas más significativas. Una obra por mes, de lo que resta de 2020, para recordarlo

Contexto de la Noticia

la violencia (1962)

“Violencia es un cuadro de mirada muda. Un cuerpo de mujer se ha abandonado a la muerte y su figura se ha hecho geografía / montaña / paisaje devastado por el horror. El interior del silencio de un cuerpo en tránsito definido por un enjambre de pinceladas que se cruzan en todas direcciones, es una de las pinturas más importantes del arte en Colombia, en la que Alejandro Obregón va más allá de la realidad y llega hasta lo esencial de los sentidos. La obra Violencia recibe el primer premio del XII Salón Nacional de Artistas Colombianos”:
Lucrecia Piedrahita Orrego, arquitecta y curadora de arte.

masacre del 9 de abril (1948)

“Cuando mataron a Jorge Eliécer Gaitán, Obregón preparaba una exposición cerca del lugar en el que fue asesinado, y resultó involucrado en el levantamiento popular. Al día siguiente fue al Cementerio Central y dibujó los últimos gestos de las víctimas que yacían tendidas mientras eran reconocidas. A partir de esto realizó este trabajo. En esta obra el espacio pictórico se encuentra fragmentado y aplanado, con procedimientos que recuerdan el uso del collage y el montaje: la yuxtaposición de planos y formas, y de maneras diferentes de aplicar la pintura. De ese modo, Obregón buscaba una manera de denunciar conservando la libertad que le daba el arte moderno”:

Luz Imelda Ramírez - Extraído de la tesis Debates críticos en los umbrales del arte contemporáneo, 2012.

El caballero mateo (1964)

“Este retrato ejerce un efecto de encantamiento: la bella figura del niño, perfectamente frontal y estática, nos atrapa con sus enormes ojos azules y nos resulta difícil dejar de mirarlo, de la misma manera que parece imposible dejar de mirar El caballero de la mano en el pecho, de El Greco, que tal vez pueda encontrarse dentro de la genealogía artística de esta obra. Y a los ojos de Mateo nos llevan otros elementos como los brochazos que definen los cabellos y los trazos rápidos y esquemáticos de la gorguera. Pero el conjunto de la pintura no se detiene allí y, forzosamente, la mirada salta a la mitad izquierda del cuadro que, por contraste, equilibra y completa la composición con el caballito de juguete que el pequeño guerrero sostiene con su manito que apenas logra cerrar dentro del guante poderoso”:
Extraído de un texto escrito para la exposición Trilogía: Argentina, Colombia, México, 2018. Cedido por el autor, Carlos Arturo Fernández.

Estudiante muerto (Velorio) (1956)

“Fue pintado en 1957 y está enmarcado dentro de la tragedia de las manifestaciones sociales de esa época, en la que gobernaba Rojas Pinilla. Se basa en una faena que hay entre el 8 y 9 de junio de 1956, en donde matan una serie de estudiantes. En la obra hay una teatralización y mistificación alrededor de la violencia y una suerte de sacralización de esa violencia. Este muchacho está acostado sobre una mesa en la misma dirección y, más o menos, con las mismas características de una obra que aparece después llamada Violencia... La pieza es un bodegón moderno tirando a lo contemporáneo con dejes cubistas. Nos muestra un joven colombiano muerto en rojo, color del comunismo, y alrededor de esa mesa hay copas floreros y una manzana, que lo convierten de una manera dramática en una suerte de altar”:

Óscar Roldán, director del Museo
Universitario Universidad de la U. de Antioquia.

Amor de Cóndores (1958)

“Es el único mural pintado en Medellín por Alejandro Obregón. Esta pieza de ejecución espontánea en técnicas mixtas fue realizada in situ en la famosa Taberna del Ahorcado, residencia de Leonel Estrada y María Helena Uribe en las afueras de El Poblado. La composición contiene los trazos, líneas y gestos característicos del simbolismo figurativo ejercido por el maestro en su primer período, y dejos cubistas influídos luego de su viaje a Europa entre 1954 y 1955, tras haber conocido personalmente a Picasso. Esta obra, que es una Oda de amor, se puede apreciar actualmente en la Sala Promesas de la Modernidad, recién abierta por el Museo de Antioquia”.

Calos Uribe, curador jefe del Museo de Antioquia

apuntes sobre la violencia (1962)

“Consciente de que La Violencia fue también escogida, mi propuesta es Apunte para la violencia de 1962 (Colección Banco de la República), boceto al óleo de 24 x 30,4 cms. Los estudios y bocetos de un artista permiten acercarse a la intimidad del proceso creativo, pero esta pieza tiene argumentos potentes. Su composición impecable a partir de tres franjas horizontales (primer plano, figura y fondo). La austeridad de los colores empleados (blanco, negro y rojo). Todo lo que resalta el gesto de la figura femenina yacente y su cuerpo maltrecho, (casi) fragmentado. La transparencia del pigmento, además, le otorga un aspecto fantasmagórico. Mucho de eso queda en la obra definitiva. La violencia en Colombia es un asunto recurrente, que se actualiza permanentemente. Esta imagen de Obregón ha logrado instalarse en la memoria colectiva de muchos puesto que es una manifestación en imagen sobre las atrocidades que unos le hacen al cuerpo de otros y al cuerpo del territorio”: Conrado Uribe, curador de arte

máscaras (1954)

“Es una de esas obras que nos atrapa gracias a su paleta cromática y a sus esbozadas referencias con el cubismo de Braque o Picasso. Sin embargo, tales referencias conservan una autenticidad en su forma, alejándose de los principios perceptuales del cubismo: la mujer de la composición se encuentra de manera frontal y no hallamos allí multiplicidad de ángulos. Por otro lado, la pintura reflexiona sobre los procesos de colonización en uno de los momentos de violencia más críticos de Colombia señalados a través de la mujer en fondo verde, que lleva puesta una máscara indígena y sostiene unos alimentos junto con un yelmo de conquistador y una máscara antigás.

Es una gran pieza que, sin duda, examina nuestras ideas sobre el historicismo pictórico
en las tradiciones del arte

nacional”:
Úrsula Ochoa, crítica y profesora de arte.

Ronal Castañeda

Periodista. Estudiante de maestría en Estudios y Creación Audiovisual.

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