Santiago Cañón Valencia es un prodigio de la música nacional. Empezó a estudiar cello a los cuatro años, debutó como solista a los seis con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y con apenas 30 años se ha presentado con orquestas como la BBC Symphony, Brussels Philharmonic, Frankfurt Radio Orchestra, Saint Petersburg Philharmonic Orchestra, Seoul Philharmonic Orchestra, Belgrade Philharmonic y las principales orquestas de Colombia.
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La lista de presentaciones es larga, la de reconocimientos también. Entre otros, ganó la Medalla de Plata y el Premio del Público en el Concurso Internacional Tchaikovski 2019, el Premio Starker Foundation 2018 y el Tercer Premio en el Concurso Reina Elisabeth 2017. Este sábado se presenta con la Orquesta Filarmónica de Medellín. EL COLOMBIANO habló con él.
Usted viene de una familia muy musical, ¿cómo recuerda su infancia...?
“En mi casa siempre había música. Si alguien no estaba escuchando música, era que todo el mundo estaba estudiando. Mi papá, mi mamá, mi hermana, todos son músicos. Fue un núcleo muy chévere, fue como crecer dentro de la música. Yo creo que eso fue lo que me llevó a seguir el mismo camino”.
Nunca ha estado por fuera de la música...
“No, pero tampoco fue una obligación. Mis papás siempre me dijeron muy claramente que hiciera lo que quisiera, y bueno, pues coincidió que era la música, pero si hubiera querido ser, qué sé yo, doctor o futbolista, me hubieran apoyado igual”.
¿En qué momento empieza su formación?
“Yo quise empezar bastante rápido, porque veía a todo el mundo con su instrumento, entonces yo también quería el mío. Quise empezar con el fagot, pero ese instrumento es imposible a los cuatro años. Entonces mi mamá me sugirió el cello, ella también lo tocaba, y desde que lo tuve me sentí muy a gusto, nunca quise otro instrumento”.
Debutó como solista a los 6 años ¿qué recuerda de ese concierto?
“No tengo muchos recuerdos, pero si sé que fue un momento clave. Yo ya había tocado algunos conciertos en sitios muy pequeños, pero el debut fue en el auditorio de León de Greiff, un auditorio grande. Me acuerdo que estaba llenísimo de gente y que me sentí muy a gusto, muy feliz estando en el escenario. De alguna manera ese día me dije a mí mismo: esto es lo que yo quiero hacer”.
Había empezado a estudiar el intrumento hacía dos años, aprendió rápido...
“Sí, fue algo bastante rápido, cuando me empezaron a enseñar las cosas básicas, cómo tener el cello, cómo agarrar el arco, cómo empezar a hacer escalas o cosas, me acuerdo que fue un proceso muy divertido porque me gustaba, hubo cierto grado de facilidad. Lo disfrutaba mucho”.
Esa familiaridad con la música ha sido un ventaja...
“Yo creo que el amor por la música está dentro de muchas personas. Pero obviamente si uno tiene un núcleo familiar de apoyo, de apreciación y de entendimiento de lo que es la música, y el arte en general, es mucho más fácil. Yo desde el principio me sentí muy apoyado y mis papás sabían de qué se trataba esto. El mundo de la música hay que tratarlo con cuidado, ir paso a paso, saber decidir si te vas a estudiar a tal sitio o a otro, si haces un concurso, hay que saber llevar la carrera”.
Usted también pinta y hace fotografía ¿qué tanto se conecta eso con la música?
“Se conectan muchísimo. La pintura es algo que me llegó también por mi familia, dos de mis tíos y mi abuelo pintan. Yo crecí viendo sus cuadros. Lo que hago con las artes visuales es explorar otras maneras de hacer arte. La música es un arte efímero, tú nunca tocas igual la misma obra. La mayoría de mis cuadros están basados en obras musicales o en canciones que me gustan, cosas que no son clásicas, y lo que hago es tratar de plasmar la música, que quedé ahí”.
¿Qué hace la diferencia entre los músicos a la hora de interpretar el instrumento?
“Todos somos diferentes. Sentimos, pensamos y hablamos diferente. Cada uno tiene una manera única de ser, entonces, aunque las notas son las mismas, el entendimiento de la obra y cómo cada uno percibe lo que está escrito en la música es muy diferente. Es así por lo que cada uno ha vivido y cómo entiende las cosas. Yo creo que de ahí sale la voz única de cada uno. Y la mejor manera de presentarse es siendo completamente honesto en la manera en que toca la música en vivo”.
Hablemos un poco de la obra que va a tocar con Filarmed , Variaciones sobre un tema Rococó de Tchaikovsky...
“Es una obra que ha estado conmigo muchas veces y la he podido tocar en muchos escenarios. Es una obra que me gusta mucho, es relativamente corta comparada con otros conciertos del instrumento, pero es una obra que dice mucho en poco tiempo. Es básicamente Tchaikovsky explorando un tema relativamente simple, creando variaciones para este tema, está lleno de virtuosismo, pero también hay momentos de variaciones lentas y muy musicales, muy sentidas. Tiene un poquito de todo. A mí me gusta muchísimo tocarla, y también me gusta mucho traerla a Medellín. Es la primera vez que trabajo con Ana Maria Patiño, y me ilusiona muchísimo. Yo se que ella esta haciendo una carrera súper buena, y me emociona mucho tener esta primera colaboración con ella. Espero sean muchas más”.
Música y pintura en escena
Este sábado será el tercer concierto de temporada de Filarmed. Un concierto que pone en escena la música y la pintura. La orquesta, que contará con más de 80 músicos en escena, presentará un programa que incluye el estrenó de La danza de las soledades, una obra del compositor local Juan David Osorio, Variaciones sobre un tema Rococó, de P.I Tchaikovsky y Cuadros de una exposición, de M. Mussorgsky.
La orquesta estará bajo la dirección de Ana María Patiño Osorio. El concierto será este sábado 2 de mayo a las 6:00 p.m. en el Teatro Metropolitano. A las 5:00 p.m. habrá un charla con el compositor Juan David Osorio.
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