Película recomendada: This Is England

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Las aventuras del niño skinhead

Una bella película inglesa ambientada en los duros años de Margaret Tatcher y la guerra de las Malvinas. Un niño que perdió a su padre en esa guerra encuentra en un grupo de skinheads una familia que lo acoge. Pero la carga ideológica llena de violencia e intolerancia racial y nacionalista, pone en peligro el futuro y la estabilidad del niño, quien tendrá que apelar a su autodeterminación frente a ese nuevo universo que lo seduce y lo reta. Pero no es un duro drama lleno de violencia, por el contrario, es una historia colorida y divertida, llena de personajes entrañables, momentos emotivo y muy buen rock inglés de aquella época. Shane Meadows. 2006.

Pequeñas voces, de Jairo Carrillo y Óscar Andrade

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El conflicto en profundidad

Por: Oswaldo Osorio


Si todas las historias ya están contadas y todos los temas han sido abordados, lo que sí es difícil que se agote son las formas de contarlo. La misma historia y el mismo tema vistos desde una perspectiva diferente y con una propuesta estética distinta, puede decir algo nuevo sobre lo que se supone ya sabíamos todo. Y esto es justamente lo que consigue esta cinta, en la que el punto de vista de los niños, la animación en 3D y la combinación de ficción y documental hablan con fuerza y elocuencia sobre la violencia en el país.

La película está basada en entrevistas y dibujos de niños desplazados que fueron víctimas de la violencia, o que incluso la ejercieron por vía del reclutamiento forzoso que padecieron. Son cuatro protagonistas que relataron y dibujaron sus vivencias para luego ser reunidas en una historia común y unificados en la misma propuesta visual.

El resultado es un poderoso y conmovedor relato en el que al espectador, que creía que ya lo sabía todo sobre el tema, se le revela un universo de emociones y visiones frente al conflicto que nunca están presentes en las noticias que se ven día a día en la televisión y la prensa. Esa es la gran diferencia que hace el cine, que con sus historias puede otorgarle al público una nueva conciencia a partir del conocimiento emotivo que adquiere de mano de los personajes y sus vivencias.

Y en este caso el mensaje llega con más fuerza y emoción por tratarse de niños. Otra vez los niños y la guerra como el contraste que potencia la inocencia de los primeros y lo absurdo y cruel de la segunda. No obstante, los directores tienen el buen criterio para no excederse en la forma de tratar la tragedia de sus protagonistas. Además, en medio de todo ese dolor que representan, consiguen hermosos testimonios en los que la espontaneidad y una suerte de inocente poesía conducen el relato.

La idea se origina en un cortometraje que Jairo Carrillo realizó hace casi una década, pero para el largometraje contó con el talento y la experiencia de Óscar Andrade, quien definió la propuesta visual y narrativa, pues si bien la base son los mismos dibujos de los niños, el acabado general y todo el concepto narrativo y de puesta en escena es el producto de una trabajo de profesionales de la animación encabezados por él.

Los dibujos en 2D de los niños, sumado a las imágenes digitales en 3D que complementan la puesta en escena y el trabajo con el espacio para crear el efecto de 3D (el que se ve con las gafas), definen una atractiva estética que está a mitad de camino entre el 3D (Toy Story) y el 2D (Los Simpsons), una estética que permite la suficiente crudeza que exige el tema, pero al mismo tiempo la belleza y el colorido de esta realidad fabulada por la visión de los niños.

Esta es una cinta sobre el conflicto colombiano. Una de las más duras y reveladoras, sin duda, pero la original y potente forma en que fue realizada, también la convierte en una de las más encantadoras y emotivas. Y este contraste es lo que la hace una película única, inteligente y contundente.


El planeta de los simios: (R)evolución, de Rupert Wyatt

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La culpa la tuvo el Alzheimer

Por: Íñigo Montoya


La primera entrega fue en 1968. Su éxito fue tal que le siguieron otras cuatro entregas, dos series de televisión (una animada) y un remake de la original dirigido por Tim Burton (2001). Esta nueva entrega es lo que se conoce como una precuela, es decir, en la que se cuenta lo que ocurrió antes de lo que vimos en la primera película (basada en la novela de Pierre Boulle).

No recuerdo una buena precuela. Casi todas ellas son excusas para sacarle más jugo a la franquicia. X-Men y El silencio de los inocentes, por solo citar los ejemplos más conocidos, tienen la suya. Pero esta precuela de El planeta de los simios parece ser la excepción a la regla, pues resulta una película con una historia sólida, un conflicto intenso y la suficiente dosis de tensión y acción como para resultar también una cinta entretenida.

La premisa de la historia es que los humanos -naturalmente- buscando la cura para el Alzheimer crearon una mutación en los simios. Pero en realidad fue su intolerancia, falta de ética y el manejo irresponsable de la ciencia lo que condujo a la revolución/evolución que anuncia el título.

Es tal la actitud de las personas que, salvo por el protagonista humano, es la primera vez en todas las entregas de la serie que el público se identifica con los primates y se pone del lado de ellos. Su condición es de marginales y maltratados, y por eso, una vez toman conciencia, no pueden hacer más que revelarse. En esto la película es muy lúcida y contundente.

A estas reflexiones de fondo les agregamos el atractivo cinematográfico de la acción y los efectos especiales, con los que ahora, en los tiempos de la animación digital, ya todo es posible y los personajes no humanos ya son cada vez más reales y verosímiles. ¡Se acabaron los animatronics, el stop motion, el maquillaje  y las máscaras! Ahora los límites son la imaginación, pero eso sí, con buenas e inteligentes historias, como ésta.

Rompecabezas, de Natalia Smirnoff

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El ama de casa que desafió su mundo

Por: Oswaldo Osorio


Una mujer atiende los invitados en una fiesta y organiza el desorden. Luego nos damos cuenta de que ella misma es la agasajada de la fiesta, se celebra su cumpleaños. Con esta elocuente y patética primera secuencia, esta directora argentina ya nos revela todo el juego de reglas y relaciones que se darán en esta película, describiendo con contundencia la personalidad de su protagonista y el universo del que hace parte, un universo que disimuladamente la subyuga y del que ella todavía no sabe que se quiere liberar.

Y sí, se trata de una historia de liberación como tantas ha contado el cine, sobre todo con mujeres (además hecha por una mujer). Pero no es una de esas liberaciones de siempre en que la mujer infeliz, con un infierno de matrimonio, manda a volar todo eso que la oprime, sino que esta es la historia de una liberación más sutil, menos dramática y más desde el interior de la protagonista que desde el exterior de su vida cotidiana.

Un hecho incidental, el descubrimiento de su singular pasión y talento para armar rompecabezas, hace que esta mujer descubra otro mundo distinto al de su monótona y opaca vida de ama de casa. Fue un rompecabezas, pero pudo haber sido el macramé, la numismática o las clases de tai chi, lo importante es que en ella todo estaba dado para ese despertar a la autodeterminación y a sentir otras cosas en la vida.

Y no es que estuviera rodeada de trogloditas que la maltrataban día a día, todo lo contrario, convivía con tres hombres decentes y cariñosos. Pero justamente ese es el problema, que su condición de marginación y servilismo en ese entorno familiar pasaba como el estado natural de las cosas. No había mala intención en estos hombres, pero eso no necesariamente niega que los roles en muchos sectores de la sociedad son de una arbitrariedad y un machismo campantes, en especial cuando son legitimados por el matrimonio.

Armar rompecabezas, conocer a un compañero que compartía esta pasión e incluso competir mostrando sus habilidades, hizo que esta mujer levantara su mirada siempre fija en el lavaplatos, el fogón y la escoba. ¿Y su familia? Muy bien, gracias. Solo algunos roces cuando su pasión rayaba con la obsesión, pero todo en su cotidianidad seguía más o menos igual, no obstante, en lo esencial era ya muy diferente, pues ahora era una mujer transformada, con una pasión y una nueva actitud ante su vida.

Ahora, esta película no es una rueda suelta dentro de la cinematografía gaucha. Su debutante directora ya había trabajado con varios de los más importantes realizadores del Nuevo Cine Argentino, y su película misma está vinculada con este movimiento que ha dado, desde mediados de los años noventa, un nuevo aire al cine de ese país y de toda Latinoamérica.

El realismo cotidiano es la principal característica de este movimiento, lo cual quiere decir que en su narrativa y puesta en escena la película apela a un naturalismo que resulta el mejor vehículo para expresarnos, con todo su patetismo, la cotidianidad de esta mujer. Y así mismo es la interpretación de María Onetto, quien se echa sobre sus hombros esta mesurada pero potente historia de liberación femenina.


8 minutos antes de morir, de Duncan Jones

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La muerte y la muerte del Capitán Stevens

Por: Íñigo Montoya

Empiezo este comentario por una nota de farándula. El director de esta película es el hijo de David Bowie, también conocido cuando niño como Zowie Bowie. La anécdota tiene importancia porque, siendo el hijo de uno de los más importantes artistas desde hace cuatro décadas, algo de ello se le quedó de su padre, quien, según el mismo Duncan, lo obligaba de niño a leer dos horas al día.

El niño leía mucho literatura de ciencia ficción, Asimov principalmente. Por eso no es de extrañar que sus dos primeras películas pertenezcan a este género. La primera es una joya titulada Moon (2009), una cinta que carga con el espíritu (e incluso las homenajea) de películas como 2001: una odisea espacial y Blade Runner.

Esta segunda película está dentro de la lógica de viajes en el tiempo, pero con una importante variante relacionada con los umbrales de la muerte que le da una dimensión más compleja a la naturaleza del protagonista, quien no solo tiene que afrontar los conflictos que se desprenden de las paradojas temporales, sino que también tiene que lidiar con serios asuntos existenciales.

Pero a diferencia de su primera cinta, que es más un relato sobre la introspección de su protagonista, en esta esos conflictos internos están complementados por una trama de acción y suspenso, de manera que la película siempre mantiene un ritmo y una tensión constantes que la hacen siempre inesperada y entretenida.

Su final es lo menos convincente, pues sucumbió a la complacencia de un desenlace en el que todo el mundo, salvo los villanos por supuesto, termina bien. Y esto no es contar el final, porque la verdad es que son pocas las películas -y menos en Hollywood- que tienen la valentía de decidirse por finales sin complacencias, aunque el planteamiento y el desarrollo de la historia así lo exijan, como en este caso.

Cowboys Vs. Aliens, de Jon Favreau

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Invasores del lejano oeste

Por: Oswaldo Osorio


De todas las mezclas posibles entre géneros cinematográficos, la del western con la ciencia ficción es, sin duda, la más atractiva. La razón es simple, son dos universos opuestos que se reúnen en el mismo tiempo y espacio. De esa contradicción resultan casi siempre ingeniosas historias, pero sobre todo, la oportunidad de explotar las enormes posibilidades visuales y estéticas que cada uno de estos géneros tiene.

La idea no es nueva. Ya ha estado presente en la literatura, el cómic y la televisión. En el cine el primer referente data de 1935, con un serial llamado The Phantom Empire. Pero los más conocidos son Westworld (1973), Volver al futuro III (1990) y Wild Wild West (1999), aunque esta última realmente pertenece a un subgénero llamado steam fiction, que es aquel que especula con la posibilidad de que el desarrollo tecnológico de la humanidad se hubiera dado por vía de las máquinas a vapor.

Por otra parte, existe una variante más arrevesada todavía, el space western, al que pertenecen aquellas películas que tienen toda la lógica y dinámica del western en su historia y personajes, pero la trama se desarrolla en el espacio exterior. La guerra de las galaxias (1977) es el mejor ejemplo, aunque también se pueden mencionar Star Trek V: The final frontier (1989) y Cowboy Bebop (2001), un anime que también fue serie de televisión.

Ambos son géneros propicios para la acción, el western con sus pistoleros siempre prestos a tirar del gatillo por cualquier razón, ya sea por los indios, por robar el oro de la diligencia, por cobrar una recompensa o simplemente por divertirse a costa de otro más débil. La ciencia ficción, por su parte, en esta película se presenta en su variante de alienígenas invasores, planteando esa dinámica simple, pero muy intensa, de dos bandos en franca confrontación, unos atacando y otros defendiéndose.

Y es precisamente en este último punto donde se encuentra el fuerte de esta cinta, pues con la tecnología de finales del siglo XIX se hace más irresoluble el conflicto de combatir a los invasores. Sin embargo, los guionistas se las arreglan para mandarles ayuda “externa”, y es por salidas como esa que la historia evidencia una cierta pobreza en su construcción.

Pero si bien su argumento no es lo ingenioso que el planteamiento inicial le exigía, aún así, la película mantiene su fuerza natural dada por la mencionada oposición de esquemas y por la vistosa iconografía de cada género. Adicionalmente, la pareja protagónica (interpretada por Daniel Craig y Harrison Ford), aunque construidos con los arquetipos del western, funcionan muy bien por su encarnación de héroes ambiguos y por el contrapunto que sostienen sus personajes.

Basada en una novela gráfica de Scott Mitchell Rosenberg, Cowboys Vs. Aliens se presenta como una buena opción de entretenimiento, porque está construida con algunos de los elementos más atractivos del cine, cinética y visualmente hablando: naves espaciales, alienígenas, tiroteos, persecuciones, jinetes atravesando el desierto, explosiones, etc.

Aunque no hay mucho seso en ella, tampoco es necesario que todas las películas lo tengan, lo importante aquí es que se trata de un relato que conjuga el encanto y el impacto de los que tal vez son los géneros cinematográficos más fascinantes e icónicos del séptimo arte, y eso ya es suficiente para abandonarse ante la gran pantalla.


La pontífice, de Sönke Wortmann

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O de cómo agradar al público

Por: Íñigo Montoya


Más que en datos históricos confirmados, la premisa de esta película está fundada en una leyenda medieval que contaba la historia de una mujer que, haciéndose pasar por hombre, llegó a la más alta posición de la Iglesia Católica. El relato hace un recorrido por toda su vida, así como las cualidades y azares que hicieron posible conseguir esto.

De entrada resulta una película muy atractiva, tanto por el misterioso encanto de la época que recrea (siglo IX) como por la inmediata identificación que el espectador tiene con la protagonista. Esta identificación tiene que ver con el rechazo que producen los dogmas católicos de la época frente al papel de la mujer, no solo socialmente sino ante el conocimiento.

Por eso, la posibilidad de que al menos una mujer pudiera trasgredir todo ese rígido esquema es una promesa para el espectador. Pero cumplir esa promesa implica complacer al público, lo cual no tiene nada de malo si se hace con solidez y coherencia. No obstante, esta película se excede en esas complacencias, pues pone toda su trama, personajes y soluciones argumentales al servicio de ello, sin importar si se antoja gratuito o forzado, como efectivamente ocurre en muchas ocasiones. Solo habría que contar las grandes coincidencias que amarran la historia para darse cuenta de eso.

El punto es que, si bien es una cinta muy entretenida y atractiva por todo lo que pasa, gran parte del material está puesto allí, justamente, para que “funcione con el público”. Es por eso que ni siquiera se abstuvieron de inventarse una historia de amor, como es requisito de todo relato populista. De manera que de de la cinta solo queda sus valores de superproducción y lo atractivo de la leyenda que le dio origen, porque por lo demás es puro cine efectista y complaciente dramática y emocionalmente.

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