El cine del Reino Unido

Más allá de James Bond y Harry Potter

Oswaldo Osorio


La historia del cine del Reino Unido no ha sido fácil, más bien han sido pocos sus buenos o significativos momentos, sobre todo si se tiene en cuenta que es una potencia económica y cultural, lo cual generalmente tiene su correlación en el éxito y nivel de una cinematografía. Es una historia de subidas y bajadas, determinada por aspectos como su fluctuante posición entre el cine de Europa y de Estados Unidos, la dependencia del apoyo estatal y la fuga de talentos hacia Hollywood.

Compitió por ser el país donde se inventara el cine, pero aunque allí se vieron las primeras imágenes en movimiento, terminaron por ser superadas en su técnica por el kinestoscopio primero y luego por el cinematógrafo. Un nuevo golpe recibió en los años veinte, cuando lo que parecía ser una prometedora industria, terminó retrocediendo ante el ímpetu internacional del cine alemán y estadounidense.

Solo lograría una significativa recuperación cuando, a finales de esa misma década, se creó una ley que obligaba a las salas a exhibir un veinte por ciento de cine nacional, lo cual se tradujo en un importante aumento de la producción durante el siguiente decenio. Y como complemento a este buen momento de la industria, se presentó el que sería el primer hito de esta cinematografía: La escuela documental británica, con John Grierson como su principal representante. Este movimiento, con su interés por los problemas sociales y el contexto inmediato, redefinió la concepción del documental a nivel mundial, que andaba un poco obnubilado con culturas y lugares exóticos.

Este periodo favorable fue aprovechado por productores como Alexander Korda y Arthur Rank, pero a pesar de algunos buenos resultados, tanto en la taquilla como en la calidad de las películas, cuando sobrevino la Segunda Guerra Mundial, la base de talentos que sostenía la industria, empezando por Alfred Hitchcock y el mismo Korda, terminaron recalando en Hollywood, dejando al país bajo los bombardeos alemanes y solo preocupado por producir cine de propaganda contra los nazis. Apenas quedaron algunas islas en el cine de estas islas, como las películas de David Lean o Carol Reed y el trabajo  del más célebre actor shakespereano, Lawrence Olivier.

Un nuevo cine

En la posguerra, la productora Rank fue la gran protagonista de la industria del Reino Unido, pero a partir de mediados de los años cincuenta tendría que compartir ese protagonismo con otra productora y un importante movimiento cinematográfico. La productora era Hammer Films, la cual inició un exitoso ciclo de cine de horror que se extendería casi por dos décadas y lanzaría como estrellas internacionales a los actores Christopher Lee y Peter Cushing y al director Terence Fisher.

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Las películas recomendadas del 2014

Las listas siempre son personales, es un inventario de gustos y obsesiones más o menos cruzado por la formación y el conocimiento. Además, condicionada por distintos factores, como en este caso, que solo han sido tenidos en cuenta los títulos estrenados durante 2014 en Colombia. Quedan por fuera de consideración todas esas películas que todavía no han recalado en el país o que nunca lo harán, como Adiós al lenguaje, Birdman, Dune, Under the skin, entre muchas otras. Una lista es solo una guía para aquellos que comparten el gusto de quien la hizo.

Oswaldo Osorio

1. Boyhood, de Richard Linklater

Una película como la vida, tanto en términos del universo de emociones y relaciones que retrata como en ese transcurrir del río del tiempo. Una paciente y audaz propuesta narrativa que le da una nueva perspectiva al espectador de la forma en que se puede hacer el cine.

2. Interestelar, de Cristopher Nolan

Una épica espacial no vista desde el clásico filme de Kubrick. De nuevo este director consigue el equilibrio entre un cautivador relato de gran inventiva visual con unos temas y reflexiones que exceden la mera anécdota.

3. La vida de Adèle, de Abdellatif Kechiche

Un diario íntimo y minucioso, logrado a partir de esa fascinante cercanía que el director consigue con el personaje y la actriz. El naturalismo puesto al servicio de la cotidianidad, el amor y el desamor.

4. The Grandmaster, de Wong Kar-Wai

Este innovador director regresa con una vistosa historia de artes marciales, ungida de toda la poesía de la imagen y el movimiento, pero sin olvidar esos melancólicos y entrañables personajes presentes en todas sus películas.

5. Jardín de amapolas, de Juan Carlos Melo

Con sencillez y contundencia esta película propone otra mirada al conflicto colombiano y a quienes lo padecen en el campo.

6. Ida, de Pawel Pawlikowski

Una cinta bella y sensible que da cuenta del viaje de una novicia a su pasado, su identidad, los lazos familiares, las dudas vocacionales y los asuntos terrenales.

7. Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson

Esta película es el culmen estilístico de un director que ha sabido forjar una marca y un universo particulares.

8. Primicia mortal, de Dan Gilory

Un singular thriller conducido por un fascinante personaje, una rara mezcla entre entusiasta y sicópata, que pone en evidencia el sensacionalismo de los medios.

9. La increíble vida de Walter Mitty, de Ben Stiller

Parece solo un relato aleccionador y comercial, pero si bien hay algo de esto, lo consiguen con ingenio, encanto y un acertado manejo de los recursos cinematográficos.

10. El pasado, de Asghar Farhadi

Un intrincado drama en el que, sin discriminar entre niños, jóvenes o adultos, todos se ven agobiados por serios problemas de la cotidianidad y de la vida en familia. Un filme lúcido, complejo y contundente.

Vivir es fácil con los ojos cerrados, de David Trueba

Libres y sin miedo

Oswaldo Osorio


Hay muchas cosas que tienen un gran poder liberador: la educación, la música y la carretera son tres de ellas y están presentes en esta bella película. Con la sensibilidad que caracteriza a este director español para construir personajes y crear diálogos elocuentes y entrañables, transcurre esta historia sobre el encuentro de tres personas y sus pequeñas o grandes batallas contra un entorno que se muestra siempre hostil ante seres como ellos.

Un profesor de inglés que quiere conocer a John Lennon, quien rueda una película en Almería; un adolescente que huye de las pequeñas tiranías de su hogar; y una joven embarazada que busca conservar a su hijo y no ser señalada por la puritana sociedad franquista. Este trío se encuentra en la carretera y establece una amistad de la que aprenderán mucho, sobre todo los dos más jóvenes.

Si bien el centro del relato es la relación entre los tres personajes, es el contrapunto entre lo que son o lo que quieren ser frente a los condicionamientos de una sociedad regida por el miedo lo que motiva buena parte de la historia. Es 1966 y el régimen del General Franco tiene agarrada por el cuello a toda España, en especial a quienes no comparten sus estrictos valores regidos por la moral católica y militar, entre los que están, por supuesto, madres solteras, jóvenes de cabello largo y profesores libertarios.

Los une el deseo de mantenerse firmes en conservar lo que son o conseguir lo que quieren, aun ante las presiones externas. Esto se traduce en tener libertad y autodeterminación en una sociedad intolerante y represiva. Lanzarse a la carretera ya es un primer paso para obtenerlo. Pero lo que lo hace posible es ese encuentro entre ellos, sobre todo porque cuentan con la formación de aquel profesor bonachón y amante de The Beatles. Es él quien le da la base ética y el ejemplo a ese deseo (lástima ese gesto de venganza del final, que es del todo inconsecuente con el personaje y la película).

Aunque la excusa argumental es la anécdota del hombrecito que quiere conocer a John Lennon, lo esencial del relato está en desarrollar la relación que se establece entre los tres protagonistas. Por eso es más una película de personajes y diálogos: unos personajes sólidos y honestos, que saben representar con claridad unas emociones y estados de ánimo, aun si estos son ambiguos, y unos diálogos ingeniosos, divertidos y significativos, que tejen con firmeza esa relación.

De nuevo David Trueba demuestra que es uno de los más relevantes directores de España. Esta bonita y amable película da fe de ello. Sin pirotecnias visuales o narrativas ni rebuscadas tramas, solo con el encuentro de tres personas pone de manifiesto un mundo de sentimientos que se rebelaron, sutil pero firmemente, contra el miedo en una época oscura.

Climas, de Enrica Pérez

Caliente, frío y templado

Oswaldo Osorio


Tres historias, tres mujeres y tres regresos, de eso se trata esta película peruana coproducida con Colombia. Desarrolladas en tres regiones y climas del Perú, a pesar de tener temas muy distintas cada una, sin duda se evidencia un mismo tono y estilo, el tono es el de un relato que quiere hablar de emociones humanas pero de forma sugerida y el estilo es una mirada atenta a los sentimientos de unos personajes, enfatizados por las particularidades de sus entornos traducidas visualmente en luz y encuadres.

La construcción de las tres historias tienen la misma lógica: son protagonizadas cada una por una mujer y algo en su vida cambia por el regreso de un hombre, ya sea un tío, un exnovio o un hijo. Este regreso desata una serie de nuevos sentimientos o recupera otros ya olvidados, y las transforma, de manera momentánea o definitiva.

La primera historia es la de una adolescente en pleno despertar sexual. Con la llegada de su tío esas pulsiones se incrementan y comienza un juego de acercamiento y seducción entre ambos que la directora logra con naturalidad y verosimilitud. Todo ese juego va dirigido al inevitable encuentro final, una escena con una tremenda fuerza que pone de manifiesto una serie de sentimientos opuestos y ambiguos. Un solo plano para dar cuenta de un momento crucial en la vida de una joven, el cual da fin a la historia pero inicia la vida de ella.

El segundo relato es sobre una mujer que tiene dificultades para quedar embarazada. El frío y gris paisaje sirve de contexto propicio para su siempre opaco estado de ánimo. El espectador sospecha que algo le ha pasado a esta mujer, que algo le falta, que algo hay roto en ella. El secreto se revela cuando se reencuentra con un hombre con quien al parecer compartió un momento importante de su vida. Es la menos interesante de las tres historias, pero de todas formas, al final, da cuenta de manera contundente ese sentimiento de pérdida que embarga a la pareja y las severas consecuencias que este ha tenido para sus vidas.

Finalmente, una mujer que vive en la sierra recupera a su hijo tras algunos años de estar encarcelado. Es el relato más parco a la hora de hablar de esos sentimientos y relaciones que hay entre los personajes, y aún así, es el más claro de todos. La relación de una madre con el hijo “calavera” se pone aquí de manifiesto con esos poderosos e invisibles hilos que los une, poniendo en evidencia la universalidad de ese sentimiento. El desenlace es el esperado, el inevitable, pero eso solo reconfirma unas contantes propias de la naturaleza humana, que nos son mostradas aquí de forma elocuente y sutil.

Jardín de amapolas, de Juan Carlos Melo

El paraíso perdido

Oswaldo Osorio


Desde su título, esta película encierra una paradoja: la posible belleza de un jardín de flores frente a la violencia que representa este tipo de cultivo para un país tan golpeado por el conflicto. Además, no se trata solo de otra película sobre la violencia y el narcotráfico, es un preciso y contundente relato que revela el drama de quienes se ven afectados por el conflicto que vive Colombia y las fuerzas que están en juego.

Proveniente de una ciudad y región (Ipiales, Nariño) que poco ha tenido que ver con el cine nacional, es un filme que, tal vez por esta misma razón, evidencia una mirada diferente, como más limpia y descontaminada. Y con estas características nos cuenta la historia de un hombre y su hijo que son desplazados de su tierra, por lo cual el padre se ve obligado a trabajar en una “cocina” de heroína.

Pero el relato lo orienta la mirada del niño y su relación con una nueva amiga. Juntos proponen ese punto de vista inocente e inquieto característico de la infancia, pero que renueva la mirada sobre el conflicto y sobre esas fuerzas que se baten en torno suyo: los narcotraficantes, los grupos armados, que siempre son protagonistas en las zonas con cultivos ilícitos, y la población civil, que indefectiblemente tiene que cumplir el rol de las víctimas.

Lo que más llama la atención de esta película es el tono que consigue para contar su historia y desarrollar a sus personajes. La simpleza como virtud y la naturalidad como elemento que otorga verosimilitud son las bases de un relato que acerca al espectador a la intimidad y visión del mundo de estos personajes, una visión que, a pesar del contexto amenazante, mantiene cierta inocencia y sosiego.

Al espectador, mientras tanto, menos inocente en su mirada y con la información adicional por el acceso total que tiene a toda la trama, le es arrebatado ese sosiego casi desde el principio, y su seguimiento del relato es un camino hacia lo que parece será una ineludible tragedia, un choque de esas fuerzas en las que, forzosamente, los más débiles se llevarán la peor parte.

Este tono es complementado por una concepción visual que sabe equilibrar la sencillez y espontaneidad del relato con la belleza y poética de unos momentos emotivos y del mismo paisaje, además del uso de otros recursos que saben muy bien manejar esa contraposición entre el sosiego y la tensión que mecen la historia de principio a fin.

Es la ópera prima del Juan Carlos Melo, es también el primer largometraje realizado en aquellas tierras, y aunque aborda unos temas ya recurrentes en el cine colombiano, por la forma como fue concebida esta película, pareciera que es también la primera vez que vemos el conflicto colombiano desde este punto de vista, fresco, entrañable y revelador.

XV Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia

El tiempo de las distopías en Festicineantioquia

Oswaldo Osorio


El XV Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia en 2014 está dedicado a un peculiar y fascinante tema: las distopías en el cine. Si la utopía, según Tomás Moro, quien acuñó el término, está definida por el orden, el equilibrio social y la belleza, la distopía es su antítesis, esto es, una sociedad caótica, acosada por el malfuncionamiento y generalmente oprimida por un régimen totalitario.

Este es un tema que tanto a la literatura como al cine les ha permitido, a partir de la proyección en el futuro o de la alegoría fantástica, reflexionar sobre nuestras sociedades y nuestro tiempo. La distopía, indefectiblemente, es pesimista. Parece que, como van las cosas y de acuerdo con lo que se sabe de la naturaleza humana, nadie se atreve a plantear algo distinto a un futuro adverso y nada prometedor.

El cine distópico normalmente presenta mundos híbridos y caóticos, con estéticas recargadas, casi siempre por la línea del futuro retro, donde se evidencian los tiempos oscuros que pueden venir y, generalmente, planteando cuestiones éticas o políticas de fondo sobre asuntos como la intolerancia, los fundamentalismos, el individualismo, los conflictos del multiculturalismo, la mecanización del ser humano, el hombre que juega a ser dios, los excesos del poder justificados por un supuesto bien común, entre muchos otros asuntos.

El festival se inaugura con Metrópolis (Fritz Lang), y no podía ser con otra, pues esta es la película fundacional de este tipo de cine. Con ella, el ramillete de clásicos de la muestra central lo conforman otros títulos esenciales como Fahrenhet 451 (Francois Truffaut), El planeta de los simios (Franklin Schaffnet), 1984 (Michael Radford), Brazil (Terry Gilliam) y La naranja mecánica y Dr. Strangelove (Stanley Kubrick).

Sociedades donde está prohibido leer, otras gobernadas por la tiranía de la burocracia, o mundos donde se impone la perfección genética o donde son reprimidas las emociones y sentimientos. Cada película propone una situación límite sobre sus protagonistas, ya sea para plantear una crítica al posible rumbo que podrían tomar nuestras sociedades actuales de seguir así, o para establecer reflexiones éticas y humanistas sobre la capacidad del hombre para enfrentar estas situaciones a partir de actitudes y cualidades que siempre van a hacer parte de la naturaleza humana, como el deseo de justicia, la libertad y la dignidad.

El cine distópico, por definición, es futurista, aunque no necesariamente de ciencia ficción. No obstante, es posible ampliar el concepto y pensar en equivalentes distópicos en el presente. Por eso hay cuatro documentales que hacen parte de esta muestra, pues ya sea la dura situación de un pueblo minero, la devastación en Irak tras la guerra o la odisea de los inmigrantes ilegales en México, son situaciones que se presentan con las características de un mundo distópico.

De manera que este año, más que cualquier otro, este festival propone un espacio no solo para ver cine, sino también para ver unas películas (más las actividades académicas) que les permitirá a los asistentes extender sus reflexiones más allá de la pantalla, hacia cuestiones éticas, sociales y políticas.

Carta al Niño Dios, de Juan Camilo Pinzón

El traído de cada año

Oswaldo Osorio


Si las cuentas no me fallan, esta es la vigésima película de Dago García. Ya solo por tal cifra, este guionista, director y productor ocupa un importante lugar en la historia del cine colombiano. Son veinte películas que ha escrito y producido, pero que generalmente delega a otros para dirigir. Aunque al parecer el director en sus películas cumple más una función operativa, porque todos saben que son las películas de Dago, de principio a fin, como si hiciera cine de autor.

Esta idea de pensar en un productor de cine comercial como un autor cinematográfico ha sido siempre provocadora y polémica. Porque la autoría en el cine, indefectiblemente, se asocia con las películas provistas de valores artísticos y con todo el Olimpo de la Nueva ola francesa como su sagrada fuente de origen. No obstante, siendo más precisos, la autoría está más relacionada con un estilo, unos temas y un universo propios de un autor y que se repiten en toda su obra.

Y efectivamente, salvo algunas excepciones, todas esas comedias de Dago García diseñadas y producidas para reventar la taquilla de las vacaciones de fin de año (y desde hace poco también de mitad de año), tienen en común, además de su humor nada elaborado sino más bien populista, otros elementos, como el uso de conocidos actores de televisión, protagonistas que representan personas comunes y corrientes que solo buscan sobrevivir o cumplir un sueño, un modelo narrativo y visual más televisivo que cinematográfico y temas afines a la cultura popular colombiana: la música tropical, el fútbol, la identidad nacional, los paseos familiares o, como en esta última película, el traído del Niño Dios.

Carta al Niño Dios (2014) tiene todos estos elementos, pero también hace parte del grupo de películas suyas en las que lo emotivo tiene el mismo o mayor protagonismo que el humor. En este sentido, muchas de sus películas le apuntan a un público familiar más amplio que el mero público de las comedias. Normalmente son historias sobre lazos familiares o de amistad que, incluso, terminan en función de una moraleja optimista y sentimental.

No es exactamente un cine para cinéfilos o críticos, sino una válida opción de cine comercial que ha demostrado que funciona con el público colombiano, ese público que va poco a cine y que solo le pide a las películas entretenimiento ligero, así como poder identificarse con unos temas y personajes. De hecho, lograr esto con el éxito que lo ha conseguido Dago García en los últimos quince años, resulta realmente difícil, tanto que, a pesar de que muchos conocen su fórmula, no les ha funcionado con igual eficacia.

Welcome to Nuew York, de Abel Ferrara

El monstruo natural

Oswaldo Osorio


Los anti héroes en el cine suelen ser más atractivos como personajes. Las posibilidades de una construcción más compleja, a partir de sus defectos y contradicciones, son siempre mayores en comparación con la uniformidad sicológica de la mayoría de los héroes. Esta película está basada el escándalo por intento de violación en el que se vio envuelto en mayo de 2011 el director del Fondo Monetario Internacional,  Dominique Strauss-Kahn, un anti héroe para Ferrara y simplemente un villano para los medios que cubrieron la historia.

Solo dos personalidades con carácter como el director Abel Ferrara y el actor Gérard Depardieu podrían haber hecho de este episodio y personaje una historia que trascendiera la mera anécdota sensacionalista, que fue la forma como dieron cuenta de ella los medios.

El director de Ms. 45, El teniente corrupto y El funeral, con su actitud siempre trasgresora y polémica, encara a este personaje de forma cruda y desinhibida. Su mirada sobre él se mueve en un ambiguo rango entre la recriminación, la comprensión y la aceptación. El actor, por su parte, en un hábil y raro recurso usado por el relato, empieza como él mismo hablando del personaje, y da las claves para entender esa fusión que el espectador luego presenciará en la pantalla entre él y el personaje.

Lo primero que hace Ferrara es desplegar durante la primera media hora todos los excesos y prácticas del protagonista (llamado Devereaux por cuestiones legales) en relación con su desbordado apetito sexual. No le teme a ser explícito ni grotesco, pero lo hace con el cuidado de no necesariamente juzgar ese comportamiento, sino de mostrarlo como una condición natural de su personalidad, como una enfermedad que no quiere ser curada.

Luego viene todo el proceso consecuencia del intento de violación de la camarera del hotel. Pero no se concentra en los hechos policiales, mediáticos o judiciales, como seguramente haría cualquier otro director, sino que su interés se fija en explorar a este personaje y su comportamiento. Entonces hace suposiciones, fantasea y especula, todo en función de reflexionar sobre esta personalidad, al mismo tiempo monstruosa y natural.

Sin que tampoco ahonde en las implicaciones políticas de lo que le ocurrió a quien era un ex ministro francés y precandidato a la presidencia, el tema del poder y su condición de millonario sí entra en las variantes de la reflexión moral que, en definitiva, es lo que le interesa hacer a esta cinta. Y no es simplemente plantar la crítica sobre cómo el poder y el dinero pueden estar por encima de la justicia, sino más bien atisbar en el abismo de un hombre, desnudarlo y trivializar su comportamiento al punto que confronte al espectador y lo obligue a cuestionarse o a tomar partido.

Wes Anderson – Kinetoscopio Cuadernillo digital

Siete preguntas inéditas

Oswaldo Osorio


Acaba de salir el segundo cuadernillo digital de 2014 de la Revista Kinetoscopio, dedicado a Wes Anderson y el cual se distribuye exclusivamente entre los suscriptores de la revista. A propósito de esto, publico un cuestionario que un periodista me hizo para escribir su artículo sobre este director y del que solo extrajo un par de frases.

¿Qué hace tan particular al cine de Wes Anderson?

Que tiene, lo que llamaría el cineasta Dunav Kuzmanich, un código propio, una forma particular de concebir y articular sus películas. Desde los detalles de la puesta en escena, pasando por la construcción de personajes, hasta la visión general del relato, todo está cruzado por ese código.

¿Gran Hotel Budapest es su mejor película?

En cuanto al refinamiento de ese código personal sí lo es, pues se evidencia la progresión de su construcción a lo largo de su filmografía, por eso en su ópera prima (Bottle Rocket, 1996) solo se encuentran destellos de ese estilo, personajes  y universo. Pero luego de esta última resulta difícil pensar cómo se va a afinar más. Incluso esto despierta un temor: que la siguiente sea una repetición o una ruptura. Si es ruptura no asusta tanto, porque ya lo hizo con El fantástico señor Fox (2009) y es una de sus mejores películas.

Muchos hablan de que él ha creado un universo muy particular, como pocos directores. ¿Qué es exactamente eso?

Tiene que ver con el concepto de código que he expuesto, el cual se traduce en dos aspectos: uno tiene que ver con el sentido de sus historias y personajes y el otro con el aspecto formal. Para el primer aspecto le copio un fragmento de mi crítica a esta última película (por el segundo pregunta en el siguiente punto):

“Y la idea de fondo, de este y casi todos sus filmes, parece señalar hacia un compromiso apasionado, profesional y casi místico para con el trabajo o cualquier empresa que emprendan sus protagonistas: Actividades extracurriculares en Rushmore (1998), la venganza contra un tiburón en Vida acuática (2004) o ser el perfecto conserje de un hotel como aquí. Con esto, se desprende una ética, ante la tradición y artesanía del oficio en cuestión, ante los colegas y ante la vida misma. Desde una pequeña tarea hasta el desempeño laboral general, todo está signado tanto por una firme filosofía como por la precisión y sofisticación en su ejecución. Pero esta visión y ética del trabajo parece ocultar algo en todos esos personajes, una melancolía -no siempre por amor- y una suerte de soledad que quieren llenar con ese apasionamiento, aunque es una soledad más de tipo existencial que social.”

Además, los protagonistas de Wes Anderson son personajes que pueden pasar súbitamente de la excelencia al patetismo. Su carisma y emprendimiento ya mencionados, los convierte en concienzudos héroes de su mundo o su oficio, pero de un momento a otro, ya por el desprecio o indiferencia de los demás o porque fracasan en sus quiméricas o absurdas empresas, adquieren el carácter de hombrecitos patéticos o ingenuos y se vuelven marginales en ese mundo que al parecer dominaban con encanto y pericia, se vuelven antihéroes. Es un mérito de este autor conseguir que esta dualidad no solo sea verosímil, sino hacer de ella casi la esencia de su cine, porque eso es lo que le da hondura a sus personajes, lo que sienta la lógica de funcionamiento de los mundos que crea y lo que le otorga esa doble virtud de ser un cine entrañable y divertido.

Muchos exaltan la simetría, el color, los guiones. ¿Por qué son tan fuertes esos rasgos?

Las historias intrincadas, narradas con precisión y corales (muchos protagonistas o personajes) tienen su equivalente en la construcción misma del universo material que logra por vía de la puesta en escena (escenarios, decorados, vestuario, maquillaje, interpretación). Todos esos elementos con su simetría, cuidado en los detalles y sofisticada estilización, son consecuencia de los dos conceptos que ya propuse como esenciales de su obra: el hecho de que tiene un código, lo cual implica que cada aspecto y elemento funcione con la misma lógica y esté sintonizado con el todo y los demás; y esa mística y apasionamiento por la labor o empresa que acometen sus personajes (y el mismo director), con lo cual ninguna acción, por anodina que sea, es solo una acción, sino que es todo un rito y un compromiso que trasciende su mera ejecución operativa: empacar un ponqué, hacer el mapa de una cárcel o crear toda una película.

¿Qué no le gusta de Wes Anderson?

Más que de él, de muchos de sus seguidores, que se quedan solo en la visualidad de sus universos y lo pintoresco de sus personajes, pero se pierden de lo que quiere plantear de fondo con sus historias y de la motivación y espíritu de esos personajes, que van más allá de una delicada paleta de colores y unos decorados encantadores. Sus historias están pobladas por personajes melancólicos, absurdos y existencialistas, que casi siempre están divididos entre los que se quieren devorar el mundo, los que solo cumplen una labor mecánica e imparable -generalmente son los antagonistas- y los que solo habitan su universo con hastío y desgana; así mismo, todas esas tareas, apasionamientos, comportamientos absurdos y meticulosidades, conducen siempre a la búsqueda de un objetivo mayor, por lo general el amor, el bienestar, el altruismo o todos ellos juntos.

¿Wes Anderson es comparable a alguien?

Con muchos. Con cualquier director que tenga un código tan fuerte, definido y singular como él: Won Kar-Wai, Terry Gilliam, Peter Greenaway, los hermanos Coen (aunque no en todas sus películas), David Cronenberg (hasta hace unos años), Woody Allen, entre otros. Y en cuanto a ese universo: Jaques Tati, Buster Keaton, Jerry Lewis, Miranda July y puede seguir la lista.

¿Qué lugar ocupa el actualmente en el cine mundial?

El de un director con talento y un estilo identificable pero que está de moda. Por eso no creo que sea muy significativo en el contexto al que parece dirigirse la pregunta, pues su cine difícilmente será influyente para su generación o los nuevos directores. Incluso, y espero equivocarme, son películas que pueden envejecer muy fácil con el tiempo, es decir, que dentro de veinte años no parezcan esas ingeniosas y vistosas piezas que vemos ahora, sino unos relatos un poco cursis y hasta incoherentes con una estética edulcorada y tal vez naif.

El sanador, de Philipp Stölzl

Una ventana a la aventura

Oswaldo Osorio


Para muchas personas lo que mejor define su primer y más emocionante contacto con el cine son las películas de aventuras. Este género cinematográfico está definido por un esquema simple: un héroe proveniente de occidente, dotado de ciertas habilidades y talentos, que viaja a tierras exóticas en busca o al rescate de algo. Desde los filmes de Douglas Fairbanks en los años veinte hasta la saga de Indiana Jones se ajustan a esta definición.

La emoción de ese primer contacto, pues, tiene que ver con que este esquema provee unos elementos, simples pero muy intensos, para que los jóvenes espectadores se conecten con cualquier película: identificación con el héroe, el descubrimiento de nuevos y fantásticos mundos, los peligros que acechan y las secuencias de acción que los resuelven, y una secundaria historia de amor que no le roba el protagonismo a todo el sentido de aventura.

Pero claro, con un esquema tan simple e inmutable durante cien años, el género se tenía que agotar, por eso solo eventualmente aparecen algunas películas de aventuras, que generalmente suelen ser súper producciones, dadas las características  de este tipo de historias. En los últimos años se han visto algunos buenos títulos como La momia (1999), Piratas del Caribe (2003), El príncipe de Persia (2010) y Oro negro (2011), entre otros.

El sanador llega a cumplir esta eventual cita con el público, precedida de la fama del best seller en que se basa, The Physician, escrito por Noah Gordon. La cinta cuenta la historia de Robert Cole, un inglés del siglo XI que quiere aprender los secretos de la medicina, para lo cual viaja a Persia en busca de un famoso maestro, pero antes se disfraza de judío (con circuncisión y todo) para poder cruzar y vivir en las tierras del islam. En medio del viaje, por supuesto, conoce a una hermosa y prohibida mujer.

Con este planteamiento argumental ya están definidos todos los elementos del esquema, pero como siempre, cada película debe proponer un giro o un aspecto diferenciador, y en este caso es todo ese contexto de la medicina, y en general de la ciencia, que determinan a los personajes y los conflictos del relato. En este sentido resulta una película muy atractiva en la concepción de los personajes y sus motivaciones, así como en las ideas que se ponen en juego, las cuales tienen que ver con reflexiones acerca de la confrontación entre ciencia y religión, la ética médica y los juegos de poder en torno a estos temas.

Si bien es cierto que, sobre todo hacia el final, la película resulta un poco predecible si el espectador está prevenido con los esquemas del cine de aventuras, lo que se puede destacar de ella es que sabe jugar bien las cartas del género y crea una historia fascinante, con un relato envolvente y un novedoso tema. Pero sobre todo, nos recuerda ese primer sentimiento como espectadores, cuando el cine era una ventana al heroísmo, la aventura y los lugares exóticos.